Les Tutos Label Art #1 • Édition Pâques 2019

21 avril 2019

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Les marques présentes dans cet article

 

  • AMSTERDAM – Acrylique (tubes peinture/bombes spray)
  • POSCA – Acrylique (eau pigmentée) sous formes de feutres
  • CLEOPATRE – Colle et vernis (pot et bombe)
  • PEBEO – Pinceaux (lot de pinceaux)

 

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Acrylique AMSTERDAM Posca Cleopatre Pebeo
Découvrir les différents produits de la marque
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Produits utilisés dans cet article

 

  • POSCA  Pointe moyenne : PC3M / Pointe fine : PC1M / Pointe extra-fine : PC1MR
    • Dans les couleurs : blanc / doré / noir / argent

+  Utilisation et fabrication de pochoirs & utilisation de feuilles DECOPATCH
 
 
 

Les étapes en photo pas à pas

 

_________________ • ETAPE 1 • _________________

MISE EN PEINTURE

Tout d’abord, je vous conseille de bien nettoyer vos œufs avant de commencer à les peindre.

Dans ce tutoriel nous utiliserons 3 œufs, 3 couleurs différentes de chez Amsterdam acrylique. Ainsi, mettez en peinture vos œufs de manière uniforme ou en dégradé à l’aide d’un pinceau plat ou d’une bombe de peinture. Nous vous conseillons de protéger la surface sur laquelle vous procédez à la mise en peinture (journal, carton). Laissez ensuite sécher une dizaine de minutes.

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(💡 : l’avantage de l’acrylique est son séchage rapide et son rendu mat)

 

 _________________ • ETAPE 2 • _________________

DÉCORATION 1

Une fois vos oeufs bien secs, vous pouvez passer à la décoration. Pour cette première technique je vous propose l’utilisation des feutres Posca. Ainsi, commencez par les détails les plus grossiers avec la mine la plus large (1,5mm/PC3M) puis finissez par les détails les plus fins avec les feutres PC1M et PC1MR (1mm/0.7mm). Vous pouvez tout à fait dessiner des petites formes, tout comme écrire de petits mots sur vos œufs.

Laissez sécher

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_________________ • ETAPE 3 • _________________

DÉCORATION 2

Pour la deuxième technique, je vous propose de fabriquer vos propres pochoirs à l’aide d’une feuille cartonnée et d’un cuter. Taillez dans vos feuilles cartonnées les formes voulues puis, à l’aide d’un scotch repositionnable (masking-tape), placer votre mini pochoir sur l’œuf.

À l’aide d’un pinceau et de la peinture acrylique, peignez les zones visibles. Vous pouvez également terminer par les feutres Posca pour finaliser les petits détails que vous souhaiteriez mettre en évidence.

💡 Astuce 💡 :
Vous avez également la possibilité d’utiliser des matières comme de la dentelle ou du tissu pour différents rendus

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_________________ • ETAPE 4 • _________________

DÉCORATION 3

Pour la troisième technique, vous pouvez avoir recours à du journal ou aux feuilles Décopatch. Ainsi, à l’aide d’un pinceau et de la colle Cléopâtre, appliquez de la colle sur la face inférieure du support à coller puis appliquez sur l’œuf en maintenant d’une pression suffisante. Une fois les feuilles bien collées et sèches, vous avez tout le loisir de compléter votre œuf par l’utilisation des feutres Posca par dessus.

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_________________ • ETAPE 5 • _________________

SÉCHAGE & APPLICATION DU VERNIS

Une fois vos petites décorations finalisées, laissez sécher jusqu’à ce que la surface de vos œufs ne soit plus brillante. Dès lors, vous pouvez vous munir d’un vernis colle en pot ou d’une bombe de vernis pour parfaire l’apparence de votre œuf customisé. Pour la technique au pinceau, appliquer uniformément sur l’œuf pour avoir un rendu optimal.

Laissez ensuite sécher puis disposez à l’endroit souhaité ! :)

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Articles associés :

 

La sélection du mois d’avril • Coup d’œil sur les sous-verre !

18 avril 2019

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  • TOP 6 SELECTION ____________________________________________________

Avec l’arrivée des beaux-jours, l’envie de renouveler sa décoration bourgeonne dans nos esprits, peut-être que pour vous aussi ?

Nous souhaitions donc vous proposer dès aujourd’hui une sélection de 6 sous-verre dans les gammes « classique » et « tendance », les voici !

 

CLASSIQUE

TENDANCE
SONATECHAMPA SVA51625 SVCELESTEBA SVCOSMOSNLA ALTHEAETAINA SVA3505-33
Sonate Mikado Céleste Cosmos Althéa Castel
3 couleurs 8 couleurs 2 couleurs 4 couleurs 3 couleurs 2 couleurs

 

AVANTAGES :

 

  • En fonction des gammes choisies, un large choix de couleurs qui s’offre à vous. Certaines gammes resteront bien sûr dans des tonalités assez classiques de noir, de blanc. D’autres seront argentées, dorées, parfois platines. Vous êtes alors assurés de trouver votre bonheur parmi le large choix de moulures proposées. (69 produits)

 

  • Vous avez la possibilité de choisir des sous-verre pour de l’encadrement aussi bien moderne que classique, rustique ou ancien. Un large choix de moulures vous est proposé.

Moulure simple / plate / design, sobre et chic, moderne …

 

  • Vous avez la possibilité de mettre sous-verre tout type d’oeuvre. Les sous-verre sur mesure conviennent aussi bien à vos petits dessins que vos posters. L’adaptabilité est possible.
  • Vous bénéficiez d’un bon rapport qualité prix avec des tarifs revus à la baisse en début d’année. Ainsi, le tarif affiché comprend votre baguette, le prix du verre, le carton de fond et les fixations utiles au montage / démontage de votre sous-verre (dans le cas d’un sous-verre simple).

 

  • Par ailleurs, si vous souhaitez faire l’acquisition d’un sous-verre d’art, vous avez également la possibilité de choisir via le site la couleur de votre passe-partout et de votre biseau.

 

 

 > Suivre le lien vers la collection sous-verre pour découvrir les différentes gammes disponibles

 

 

 

  • Nouvelle collection, encore plus de choix ! ____________________________________________
SVTALISMANCA SVCHROMEPA SVCELESTEBA SVCOSMOSNLA SVMAORINA SVORIGAMINA
Talisman Chrome Céleste Cosmos Maori Origami
3 couleurs 3 couleurs 5 couleurs 4 couleurs 2 couleurs 2 couleurs

Label Art se renouvelle avec 6 nouvelles gammes de sous-verre pour toujours plus de possibilités d’encadrement et de mise en valeur de vos œuvres : baguettes fines, baguettes larges, classiques, plates, modernes… Il y en a pour tous les goûts.

 

⬇️ Vous pouvez les découvrir en cliquant sur les liens ci-dessous ou sur les photos ⬇️

Origami • Talisman • Cosmos • Maori • Céleste • Chrome

 


💡 Par ailleurs, sachez que toute baguette d’encadrement est éligible au sous-verre 💡


(Hormis la caisse américaine. Il est toutefois possible d’avoir une baguette ayant l’aspect d’une caisse américaine dans son profilé. (voir ici les sous-verre concept/maori))

Il est cependant nécessaire de vérifier la comptabilité de la baguette avec la taille de votre oeuvre à encadrer (Voir rubrique ci-dessous)

 

 

  • Demande spécifique par mail en cas d’impossibilité de commander en autonomie sur le site (limite taille, choix) _____________________

 

/!\ Attention aux mesures engagées pour votre œuvre /!\

En effet, il sera préférable de choisir une moulure moyenne à large en fonction de la dimension du sous-verre désiré. Si la baguette est trop fine,  vous risquez une fragilité sur votre sous-verre lors du montage et du transport de votre commande.

C’est pourquoi, sur le site internet, nous vous limitons à la dimension à 120cm maximum de demi-périmètre (à savoir une longueur + une largeur).

Nous vous demandons de passer par mail et par téléphone pour des demandes spécifiques telle qu’une taille supérieure au demi-périmètre maximum proposé et pour le choix, si désiré, d’un verre antireflet. Ainsi, vous aurez accès dans les meilleurs délais à un devis personnalisé.

 

 

Articles associés :

• La fabrication des sous-verre chez Label Art : ici

• Encadrement caisse américaine sous-verre : ici

 

Toiles : mieux comprendre les formats français

3 avril 2019

Bonjour à tous !

Cette semaine, je souhaite aborder un sujet aussi important qu’omniprésent dans l’univers des beaux-arts : les formats de châssis entoilés ! Si je vous dis « 12P », « 5 marine », ou encore « 4 F »… en connaissez-vous la signification ?

format francais, format français chassis entoilé, format de toile - Label Art

Les formats Français de toiles

Il existe plusieurs types de formats de châssis en bois : formats Français ou Européens par exemple. Les formats Européens se composent de carré, double carré ou triple carré. Leurs dimensions sont des multiples de 10 cm.

Les formats Français, quant à eux, constituent une exception. Il existe trois « types » de formats :

> Figure

> Paysage

> Marine

Les formats « Figure » -F- bénéficient d’une proportion idéale pour la réalisation de portrait. Les « Paysages » -P- sont quant à eux utilisés à l’horizontal généralement. Enfin, les « Marines » -M- conviennent idéalement pour la réalisation des paysages marins.

Les types de formats « F », « P » ou « M » indiquent une proportion entre la hauteur et la largeur, proportion identique quelle que soit la taille.

Le saviez-vous ? La proportion des formats Marine dépendrait du Nombre d’Or !

De plus, pour chaque format « F », « P » ou « M », la hauteur sera toujours la même. Le format « F » sera le plus large, tandis que le format « M » est le plus fin, le « P » étant l’intermédiaire. Par exemple, pour un format 10 :

> 10F = 55 x 46

> 10P = 55 x 38

> 10M = 55 x 33

« Mais qu’est-ce que le numéro indiqué devant le type de format ? » J’y viens…

Châssis format 10 en Marine, Paysage, Figure

Châssis format 10 en Marine, Paysage, Figure

Le système de point des toiles

Les numéros correspondent à ce que nous appelons des « points ». Ils indiquent le numéro du format, donc sa hauteur. Les points vont du 0 au 120. Tandis que le format 0 indique une hauteur de châssis entoilé de 18 cm, le format 120 équivaut à une hauteur de 195 cm !

Le saviez-vous ? Certains spécialistes pensent que l’origine du système de points viendrait de la fabrication en série des châssis, dans un but de récupérer et réutiliser d’anciens cadres.

Le format « au point » est notamment utilisé par les galeristes, pour estimer le prix des oeuvres.

Format Figure Paysage Marine
0 18×14 18×12 18×10
1 22×16 22×14 22×12
2 24×19 24×16 24×14
3 27×22 27×19 27×16
4 33×24 33×22 33×19
5 35×27 35×24 35×22
6 41×33 41×27 41×24
8 46×38 46×33 46×27
10 55×46 55×38 55×33
12 61×50 61×46 61×38
15 65×54 65×50 65×46
20 73×60 73×54 73×50
25 81×65 81×60 81×54
30 92×73 92×65 92×60
40 100×81 100×73 100×65
50 116×89 116×81 116×73
60 130×97 130×89 130×81
80 146×114 146×97 146×89
100 162×130 162×114 162×97
120 195×130 195×114 195×97

Connaissiez-vous les formats Français ? Avez-vous l’habitude d’utiliser ce type de format, ou plutôt les formats Européens ?

À très bientôt,
Camille

 

Pour aller plus loin :

Une autre approche des formats français

L’importance du gesso sur le châssis entoilé 

Encadrer son châssis entoilé

Le design graphique, un art aux origines diverses !

8 mars 2019

 

I/ Design graphique : Histoire _____________________________________________________

 

Tout commence plus ou moins avec l’invention de l’imprimerie aux alentours de 1450 grâce à Gutenberg. Cela a donc permis la reproduction de textes, d’œuvres d’art et de design dans des échelles jusqu’alors impossibles et avec un coût relativement faible.

Les industriels et les entreprises ont vite compris l’intérêt d’une telle invention pouvant influencer le comportement des consommateurs tout en augmentant la rentabilité de leurs actions. C’est ainsi que le design graphique a vu le jour.

On a ainsi découvert la possibilité grandissante des caractères amovibles, promotionnant la communication de masse et changeant à jamais notre civilisation. Désormais, les reproductions sont rapides et accessibles à tous. Cela a ouvert la voie à une utilisation plus commerciale du design et la fait évoluer vers ce que nous connaissons aujourd’hui.

(1400 premiers logos)

La publicité imprimée quant à elle voit le jour dans les années 1620. En première utilisation dans les précurseurs des journaux. Ce sont des images publicitaires à destination du public permettant d’illustrer les propos et campagnes commerciales produites en masse.

Ces publicités imprimées ont alors évoluées vers la première publicité couleur dans les années 1837. Une véritable révolution dans le milieu publicitaire qui jusqu’alors ne connaissait que le noir et blanc et les nuances de gris. Cela a ouvert de nombreuses possibilités à la publicité moderne.

Les marques sont désormais en capacité d’utiliser de nombreux outils comme les palettes de couleurs permettant une meilleure perception d’environnement ou permettant de traduire une émotion à travers une image du quotidien. La publicité étant jusqu’alors limitée par les techniques rustiques de l’époque. Ainsi, nous avons depuis une possibilité de réalisme, de variété et de tendances, tout cela grâce à la couleur.

(Epoque moderne)

Tel que nous le connaissons aujourd’hui, celui-ci a réellement commencé à se développer à partir de la fin du 19e siècle. Celle-ci s’est concentrée sur l’exploitation artistique des nouvelles techniques acquises.

L’imprimerie désormais banalisée, la concurrence nourrit l’innovation et le suivi des mouvements artistiques et graphiques permettant l’exploration de nouveaux styles et techniques qui s’appellent aujourd’hui « branding » et « publicité ».

C’est ainsi que les premières agences de design graphique voient le jour vers les années 1903. De plus en plus d’entreprises voyant l’intérêt de cette communication visuelle personnalisée. Ces agences réunissent des gens de tous horizons, des artistes peintres, architectes et autres que nous appelons les « premiers graphistes ». C’est dans les premières agences autrichiennes qu’est notamment né le cubisme et l’art déco / art nouveau. Ces agences ont eu une grande influence sur les standards du design établi. Cela a permis de donner le ton aux générations d’artistes suivantes.

(Apparition du terme design graphique en 1922)

C’est en 1922 que le terme design graphique apparaît pour la première fois sous la plume de William Addison Dwiggins, un designer renommé. Il y décrit son rôle dans la structuration et la gestion des visuels utilisés dans les livres.

(L’ère du numérique)

A partir des années 50, le monde voit se développer l’ère du numérique que nous connaissons aujourd’hui avec l’apparition massive des ordinateurs qui sont une norme désormais dans la même optique d’évolution qu’à amené l’imprimer à son époque. Cela nous avance encore à la naissance d’une communication de masse nouvelle, avec un développement de nouveaux styles et de méthodes artistiques qui n’ont de cesse d’évoluer.A lui seul, Adobe Photoshop a permis une avancée majeure en changeant à jamais la face du design graphique. Apparu dans les années 1990 pour la première fois, celui-ci permet l’édition de photos et crée une nouvelle catégorie de design tout entière.

 

Le but de tout celui est de trouver l’équilibre parfait entre un design esthétiquement beau, qui permet de communiquer efficacement avec le message qu’il contient tout en y trouvant une certaine forme de rationalisation et de logique. C’est le cas pour tous les logos des marques reconnues de nos jours, autres voitures et marques de luxe. Des logos intemporels gravés dans nos esprits qui nous évoqueront à coup sûr la marque car celles-ci sont tombées dans le commun et le connu pour le public que nous sommes. Une identité visuelle propre et personnelle qui les caractérisent entièrement et les rend unique. L’identité visuelle est un facteur majeur pour la totalité des entreprises de nos jours, permettant de se démarquer et de s’imposer. 

 

 _____  ILLUSTRATIONS • Inspiration : Bauhaus (1919) – Art nouveau du XXe – Art déco  _____

 

• Art nouveau (1890 – 1914)

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• Bauhaus : Walter Gropius  (1919 – 1933)

 

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L’intérieur Bauhaus se désigne comme étant très simple, privilégiant par ailleurs les grands espaces vides et mettant en valeur le béton, le verre et l’acier.

 

• Art déco – 1920 – 1939 image5

 

L’art déco appliqué au domaine du mobilier donne ce genre de création. Un tabouret empilable dessiné par le designer finlandais Alvar Aalto.

 

💡 POINT CULTURE : BAUHAUS 💡 

Ouverture de cette école en Allemagne 1919 par Walter Gropius.

La volonté est de créer un idéal artistique : synthétisation des formes artistiques existantes en une seule œuvre parfaite. Ils ont amené doucement l’art vers un style moderne et épuré. Précurseur de cet art moderne

 

II/ Design graphique : Applications ________________________________________________

 

Définition actuelle : Le design graphique est une activité de conception visant à mettre en oeuvre et coordonner la réalisation d’une communication visuelle combinant image et texte, sur imprimé ou sur écran.Aujourd’hui le design graphique est défini comme étant un art mêlant modernité, forme et couleur. Ainsi, on retrouvera des œuvres photographiques colorées ou bien des œuvres abstraites de toutes formes. 

 

Largement utilisé dans le domaine de l’animation et du graphisme animé. Autrement appelé « motion design ». Ce ne sont ni plus ni moins que des objets et personnages en mouvement à partir d’animations informatisées ou de dessins mis bout à bout.

Cela inclut également du contenu audio, typographique, images, vidéo …Utilisé en ligne, à la télévision et au cinéma. La popularité de ce domaine a explosé ces dernières années avec les avancées technologiques et le succès du contenu vidéo.

Dans le milieu artistique la création graphique donne naissance à des travaux originaux sous plusieurs formes. Qu’il s’agisse de beaux arts, décoration ou encore d’illustration de texte.

 

Exemples de design graphique appliqués au marketing :

  • Cartes postales et flyers
  • Magazines et publicités dans la presse
  • Affiches, bannières et panneaux publicitaires
  • Infographies
  • Brochures (imprimées / digitales)
  • Habillage de véhicules
  • Packaging produit
  • Panneaux et présentoirs commerciaux
  • Modèles d’email marketing
  • Présentations Powerpoint
  • Menus
  • Publicités les réseaux sociaux, bannières et graphiques
  • Bannières et publicités de reciblage
  • Images pour blogs et sites web


 Exemples de design graphique appliqués à l’édition :

  • Livres
  • Journaux
  • Newsletters
  • Magazines
  • Catalogues

 


  LES PIONNIERS DU DESIGN MODERNE

  • Le concepteur du logo d’Apple : Rob Janoff

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  • La créatrice du logo de Nike : Carolyn Davidson

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  III/ Artistes coups de cœur _____________________________________________________image8

Rappel : Label Expo _____________________________________________________________ 

 

 

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Chez Label Art, nous pensons que l’un des plus beaux moments dans l’Art, c’est lorsqu’il est partagé.

Alors, justement, nous vous donnons l’occasion d’exposer vos œuvres !

Voici le thème de notre Label Expo du mois de février : « Graphique »

Les photos sont en ligne depuis le 21 février sur Facebook : ici

Sources utilisées :


https://www.carredartistes.com/fr/17171-art-graphique

http://www.graphiste-libre.com/25-noms-designer-graphique-se-de-connaitre/

https://www.lejournaldelamaison.fr/le-journal-de-la-maison/decoration-par-style/un-debut-de-siecle-riche-en-creations-83676.

html#item=2https://99designs.fr/blog/conseils-design/types-design-graphique/

https://www.anthedesign.fr/communication-2/origine-graphisme-graphiste/

L’huile Étude Rive Gauche de Sennelier

27 février 2019

Lorsque l’on débute dans une nouvelle technique, il est tout naturel de rechercher un produit accessible, avec un bon rapport qualité prix. Pour cela, il existe les peintures dites « études ». En huile, nous avions d’ailleurs la peinture à l’huile Étude de Sennelier, à présent remplacée par l’huile Rive Gauche. Petit prix, bonne qualité, cette huile aura toutes les raisons de vous faire craquer si vous souhaitez débuter en peinture à l’huile, ou si vous recherchez une peinture à l’huile pas cher, ou  tout simplement si vous souhaitez peindre avec une peinture à l’huile au séchage rapide !

peinture huile etude, rive gauche sennelier, peinture a lhuile sennelier, peinture etude rive gauche

Une peinture à l’huile qualité Sennelier

Depuis 1887 la maison Sennelier se démarque par sa volonté d’innover sans cesse. À présent, la marque jouit d’une notoriété importante, et son logo est un réel gage de qualité.

Le saviez-vous ? L’huile Rive Gauche est fabriquée en France

En créant la peinture Rive Gauche, cette peinture à l’huile au joli rendu satiné, Sennelier n’a pas dérogé à sa volonté d’innover. Cette peinture à l’huile étude se démarque considérablement des autres peintures « études ».

Une toute nouvelle formule

Rive Gauche, c’est un nuancier de près de 60 couleurs, dont 49 en mono-pigmentaire. Cela fait de très nombreuses possibilités de mélanges pour obtenir ses propres nuances. D’ailleurs, les couleurs se mélangent très facilement entre elles.

Le saviez-vous ? C’est en souvenir de ses origines Parisiennes que la marque Sennelier a appelé sa nouvelle peinture « Rive Gauche »

Parmi les secrets de recette, il faut savoir que l’huile Sennelier est fabriquée avec une huile de carthame spécifique, reconnue pour son faible jaunissement. L’huile Rive Gauche est ainsi 2 fois moins jaunissante que la majorité des peintures à l’huile. Les couleurs sont éclatantes durablement !

 

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L’une des autres particularités de cette peinture est son temps de séchage : il est deux fois plus rapide que les peintures à l’huile traditionnelles ! Il faut généralement attendre plusieurs mois pour qu’une peinture à l’huile soit sèche à cœur et environ 10 jours en surface. L’huile Rive Gauche de Sennelier quant à elle siccative en surface en seulement 5 jours !

Enfin, on ne peut évoquer l’huile Rive Gauche sans souligner son caractère particulièrement couvrant. Cela provient de la qualité de ses pigments ! D’ailleurs, cette qualité pigmentaire offre à l’huile Rive Gauche une excellente tenue à la lumière… et c’est peu dire : 98% des couleurs son classées *** !

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• Excellente qualité pigmentaire : pouvoir couvrant, éclat des couleurs •

sèche 2 fois plus vite 

• 2 fois moins jaunissante 


 

Alors, qu’attendez-vous pour tester cette huile ?! Si cela est déjà fait, qu’en avez-vous pensé ?

 

À très bientôt les Artistes,

Camille

 

Pour aller plus loin :

Rive Gauche présenté par Sennelier

La plaquette de présentation Rive Gauche par Sennelier

Acheter de la peinture à l’huile étude

L’histoire d’une toile et de son cadre sur mesure

15 février 2019

Bonjour à tous,

Je souhaite aujourd’hui vous faire découvrir une toute nouvelle rubrique : « Histoire d’encadrement ».

L’idée ? Profiter de la réalisation d’un encadrement sur mesure chez Label Art pour en découvrir plus sur la peinture à encadrer, le peintre, l’histoire du tableau, le choix du cadre… et tout cela agrémenté de photo ! Qu’en dites-vous ?!

L’encadrement, ce n’est pas seulement une baguette de bois autour d’une peinture : c’est l’aboutissement d’un travail de nombreuses heures, de recherche, d’essais, d’erreurs (probablement) d’enseignement… et de satisfaction bien sûr.

Au commencement était l’Artiste…dominique

Le tableau dont nous parlons ici est l’oeuvre de Dominique CASSOTTI. Cette Artiste peintre fait partie de l’association de peinture « Art et mouvements » de Toulon depuis maintenant 4 ans.

Dominique aime particulièrement réaliser ses peintures sur des toiles en coton grands formats, et cela se voit ! Une toile format 10F : voici la plus « petite » de ses réalisations que vous trouverez sur internet.

« J’aime l’espace, travailler la gestuelle… et je ne fais jamais deux tableaux identiques ! »

Quelques oeuvres de Dominique

Quelques oeuvres de Dominique

 

Cette volonté de différencier chacun de ses tableaux mène Dominique à réaliser des paysages, des marines, des portraits, des mains etc. pour notre plus grand plaisir.

… puis il y a eu le tableau !

Avant de peindre « Les Coquelicots », Dominique CASSOTTI a réalisé une peinture représentant un couple de personnage. De « taille XXL » ce précédent tableau toute en douceur est décrit par son auteur comme étant très « évanescent », aux tons pastels.

"Les coquelicots" de Dominique CASSOTTI

« Les coquelicots » de Dominique CASSOTTI

Pour « Les coquelicots », l’Artiste a souhaité faire un contre-pied à son précédent tableau, et cela est réussi ! Cette peinture est née d’une envie de couleurs, de dynamisme, d’éclat !

 L’encadrement sur mesure des Coquelicots

Comme chaque tableau de Dominique CASSOTTI, « Les Coquelicots » trônent sur un grand châssis entoilé : 100×100 !

La 1ère règle pour encadrer une si grande toile : apporter de l’ouverture en respectant les profondeurs. Pour cela, il convient d’utiliser une large baguette. Une marie-louise est également très intéressante, dans la mesure elle permet de rehausser certaines nuances, rajoutant de la profondeur.

Pour « Les Coquelicots », la volonté était de choisir un cadre sur mesure moderne qui viendrait parfaire la toile, sans s’imposer surtout.

Deux baguettes ont eu la préférence de l’Artiste : la baguette Oriane, dans sa version platine, et le cadre Cosmos, en finition blanc mat.

cadres sur mesure, encadrement var, encadreur toulon - Label Art

Cadre Cosmos Blanc mat et marie-louise rouge, et cadre Oriane Platine et marie-louise orangé

La baguette Oriane -à droite- bénéficie d’une belle largeur de moulure et son effet platine satiné apporte de la lumière, de l’éclat, et beaucoup de modernité. Réhaussé d’une marie-louise orangé pour rappeler les différentes nuances des coquelicots, l’ensemble se veut contemporain. Le cadre Cosmos, quant à lui -à gauche-, profite également d’une large moulure tandis que sa finition totalement mate et blanche apporte beaucoup de douceur. Réhaussé d’une marie-louise rouge et mate, l’ensemble Cosmos + marie-louise rappelle les couleurs des coquelicots tout en prolongeant le blanc de la toile.

Cadre Cosmos blanc mat

Cadre Cosmos blanc mat et marie-louise rouge mat

Le choix de l’Artiste

Pour ce cadre éclatant de couleurs, floral, très naturel, la préférence de l’Artiste a été vers la baguette Cosmos. Celle-ci créé en effet un joli prolongement de l’oeuvre, apporte de la fraîcheur et de la douceur. Grâce à la forme très spécifique de la baguette Cosmos, avec son effet de marie-louise intégrée, l’ajout d’une marie-louise indépendante n’est pas indispensable. Bien que la marie-louise rouge rajoute de l’éclat et des couleurs en soulignant les coquelicots, le biseau de la baguette Cosmos apporte de la profondeur.

cadre hors norme, cadre pour peinture sur mesure - Label Art

« Les Coquelicots », toile encadrée

 

Alors, que pensez-vous de l’encadrement choisi pour cette peinture ? Aimez-vous l’ensemble ?

 

Pour aller plus loin :

Dominique et ses tableaux

– la fabrication des cadres sur mesure

– l’Association Art et Mouvements

– Les cadres sur mesure de Label Art

– Label Art, Encadreur à Toulon

Les feutres Faber-Castell PITT, une gamme haute en couleurs

31 janvier 2019

Découvrir le feutre à l’encre de chine Faber-Castell

Le feutre Faber-Castell Pitt Artist Pen, c’est un feutre à l’encre de chine très pigmentée, disponible à l’unité ou en lot dans 8 tailles différentes et dans une gamme de couleur aussi folle que variée. Cette variété vous permet une grande liberté dans la composition de vos étuis.
Ces feutres sont idéaux pour la mise en couleur de vos planches de dessin : 48 crayons de couleur disponibles dans la gamme pointe pinceau (B).

Comme tous les feutres Faber Castell Pitt, le feutre Pitt est un feutre permanent d’une qualité impressionnante, possédant une excellente résistance à l’eau et à la lumière. Ce feutre ne sèche pas facilement, ce qui le rend très agréable à utiliser.
Parmi ses nombreuses qualités, nous pouvons également vous suggérer que vous aurez la satisfaction de travailler avec un feutre sans acide, inodore et au pH neutre. Ainsi, vous aurez la liberté de travailler sans vous soucier des limites de ce feutre, il n’en a pas !stylo faber castell, faber castell pitt artist pen, faber castell pitt - Label Art

Le feutre Faber Castell Pitt dans la pratique

Le feutre Pitt Faber est idéal pour l’esquisse, mais aussi pour l’étude et le dessin, vous laissant la possibilité de combiner différentes techniques de dessin.
L’étendu de la gamme, avec ses pointes de différentes formes et tailles vous permet de produire un travail de qualité et d’expérimenter une multitude de techniques. La largeur de gamme est idéale pour les mangas, les bandes dessinées et autres illustrations.

  • Classiques / fines :

Pointes   S/F/M/B

  • Grasses / Pinceaux :

Pointes    SB/SC/1.5/B

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La marque elle-même vous conseille de commencer vos esquisses au crayon gris puis d’utiliser les différentes tailles du feutre Faber-Castell Pitt Artist Pen pour repasser les traits et détails de vos chefs-d’œuvre.
Ainsi, pour les traits les plus grossiers Faber Castell vous recommande les tailles M/F (classiques) puis pour les détails la taille XS/S (les plus fins de cette gamme).

Ces feutres sont disponibles en packs de 4, 6 ou 8 feutres.
Combinaisons : gris / sépia / sanguine / noir simple / lettering métalliques / Set manga / Pop Flash / Paysages etc…
… Une gamme très complète et tout autant de possibilités de pratiquer votre art !

 

 _________________ NOTRE COUP DE CŒUR ! _________________

Le produit que nous vous recommanderions sans hésiter est l’étui des 8 mines disponibles en noir chez Faber Castell. Il est idéal pour commencer et vous permettra d’explorer l’ensemble des tailles de mines disponibles dans la gamme Faber Castell Pitt Artist Pen. Cela est un bon moyen de vous familiariser avec ces petits bijoux pour ensuite étendre vos palettes avec les couleurs disponibles dans ces mêmes gammes.

Produit(s) cité(s) :

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Rappel de l’histoire de Faber-Castell

Fondé en 1761, Faber-Castell est toujours gérée par la même famille depuis 8 générations. Ayant débuté dans un petit magasin, l’entreprise est maintenant une institution internationale employant 7000 personnes dans 14 usines et 23 centres de vente à travers le monde. La tradition couplée avec le progrès, l’expertise et l’exigence de produire des biens de qualité sont ce qui caractérise l’entreprise Faber-Castell. Faber-Castell est également extrêmement engagée dans la protection de l’environnement dont elle fait un grand enjeu chaque jour.

 

Pour aller plus loin…

Site officiel de Faber-Castell

L’histoire de Faber-Castell

Acheter des feutres Faber-Castell

 

Faire son encadrement sur-mesure chez Label Art

7 décembre 2018

Quels avantages au cadre sur mesure ?

Faire un encadrement sur mesure, c’est s’assurer de mettre son oeuvre en valeur de la plus belle des manières.

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Un cadre hors norme aux dimensions exactes

Avant tout, un cadre sur mesure signifie bien évidemment que la baguette et la marie-louise (dans le cas d’un encadrement) ou le biseau et le passe-partout (pour un sous-verre) seront fabriqués à la mesure de l’oeuvre. Par conséquent, la taille et les proportions de l’oeuvre demeurent inchangées ! Cette adaptation est appréciée aussi bien pour les sous-verre que pour les cadres. En effet, un sous-verre sur mesure peut correspondre aux dimensions des photos, mais aussi s’adapter à une oeuvre sur papier libre. L’encadrement sur mesure, quant à lui, s’adaptera à toutes les tailles de châssis entoilé : format beaux-arts ou non !

Un cadre adapté au support

Une oeuvre peut bien évidemment être réalisée sur de nombreux supports. Sur toile en coton ou châssis en lin, mais également sur aluminium, dybond, bois etc. Il est alors important de pouvoir adapter le format de son cadre ! En effet, pendant le processus de fabrication, les menuisiers ne laissent pas autant de marge sur un cadre prévu pour encadrer une toile et un cadre pour une plaque en aluminium. Un cadre pour une oeuvre !

Les couleurs des cadres et sous-verre sur mesure

Bien évidemment, lors du choix de l’encadrement, les couleurs sont sélectionnées avec soin. Ainsi, votre cadre et votre oeuvre ne font qu’un ! Le cadre est un prolongement de l’oeuvre, une invitation à la découverte…

Appréciation personnelle

Un encadrement sur mesure, c’est la possibilité de transmettre une émotion, d’apporter une touche de sensibilité supplémentaire. Grâce à un encadrement sur mesure et au choix des couleurs il est possible de modifier le rendu d’une oeuvre. Un cadre choisi dans des colories chaudes ou froides, selon s’il s’adapte ensuite sur une oeuvre aux nuances chaudes ou froides, transformera le rendu.

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Où commander son encadrement sur mesure ?

Pour commander son cadre sur mesure, il est possible de trouver un encadrement en ligne, comme Label Art. Vous aurez la possibilité de personnaliser les différents éléments de votre cadre ou sous-verre.

Vous pouvez également vous rendre directement chez cet encadreur du Var ! Grâce à son usine et au savoir faire de ses menuisiers vous pourrez facilement faire vos encadrements dans le Var et sur mesure.

 

Pour aller plus loin

… découvrir la fabrication des cadres sur-mesure chez Label Art.

… la fabrication des sous-verre hors norme.

 

Comment utiliser son Gesso blanc, noir ou transparent

23 octobre 2018

Le gesso ! Souvent méconnue, cette sous-couche est pourtant bien importante ! Gage de durabilité de votre oeuvre et d’éclat des couleurs. Pour la petite histoire, le terme « gesso » est issu du grec et signifiait à l’origine « gypse » ou « plâtre ». Dans cet article je vous dis tout : comment appliquer son gesso mais également quelle utilisation en avoir.

 

Utilisation du gesso

Le gesso est un enduit universel à base d’eau, une sous-couche employée dans le but de préparer le support avant de peindre. Il est effectivement indispensable de bien apprêter son support afin de garantir un résultat de qualité et la durabilité de son oeuvre.

Le gesso permet d’imperméabiliser le support et de lui donner de la rugosité. Il s’applique sur tous les types de support : bois, carton, métal etc. à condition que la surface soit brute, non grasse et lisse. Il peut également s’appliquer sur des toiles pré-enduites afin d’obtenir un grain plus fin.

Grâce au gesso, la peinture adhère mieux au support. Le fait d’enduire son support est donc économique : l’Artiste utilisera moins de peinture !

mock up posters frames and canvas in loft interior background

 

 

Appliquer son gesso

Le gesso est à appliquer au spalter ou à la brosse plate, en couches fines et en croisements. Il est bien évidemment important de l’appliquer de manière homogène. Après avoir laissé sécher quelques heures, il est recommandé de poncer délicatement à l’aide d’un papier de verre, puis de retirer la poussière avec un chiffon. L’idéal, pour une utilisation du gesso optimale, est de mettre au moins deux couches.  À chaque couche le support sera de plus en plus lisse, le grain de plus en plus fin. Une fois sec, le gesso est totalement mat.

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Le saviez-vous ? Appliqué en épaisseur à l’aide d’un couteau ou d’une spatule, le gesso peut également vous permettre de réaliser des effets sur votre support !

Les toiles pré-enduites en lin ou coton n’ont normalement pas besoin d’être enduites. Cependant, lorsqu’une oeuvre est réalisée à la peinture à l’huile sur un châssis entoilé en coton , il est recommandé de rajouter des couches de gessos supplémentaires. En effet, la peinture à l’huile attaque le coton ! Le gesso appliqué en supplément permet de créer une couche de protection.

Le gesso blanc

Le blanc est la couleur naturelle du gesso. Sans rentrer dans les détails chimiques de la composition du gesso blanc, cela vient des composants de cet apprêt : carbonate de calcium, polymère acrylique etc.

Le saviez-vous ? Le gesso est très répandu dans sa teinte blanche. Toutefois, il vous suffit d’y ajouter quelques gouttes de peinture pour le colorer selon vos envies !

Aujourd’hui, grâce à l’évolution des techniques de fabrication, le gesso peut être fabriqué dans d’autres coloris. Le gesso noir et le gesso transparent plaisent tout particulièrement.

 

gesso blanc

Le gesso noir

D’aspect velouté, rugueux et très mat, le gesso noir bénéficie d’un rendu particulièrement intense. Il permet de créer une jolie base de travail. Ce gessos conviendra naturellement pour les réalisation à l’acrylique, à l’huile, mais aussi pour toutes les techniques mixes. Le gesso noir créé une ambiance, aide à la création d’une oeuvre unique, dans soin univers, ses effets.

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Le gesso transparent

Le gesso transparent est idéal pour conserver la couleur du support bien sûr, mais aussi sa nature ou sa texture. blanchâtre à l’état humide. totalement transparent une fois sec.

 

 

Pour aller plus loin :

L’utilisation de gesso pour la technique du pastel

Découvrir le gesso Lefranc

Althéa Peintre et ses vidéos de peinture acrylique abstraite

16 octobre 2018

Aujourd’hui je souhaite vous présenter une Artiste toute en douceur mais haute en couleurs : l’Artiste Peintre Althéa ! Suivie par plus de 10 000 personnes sur YouTube, cette Artiste peintre autodidacte est la première surprise de l’engouement de ses vidéos de peinture. Cette belle aventure a débuté en simplicité, alimentée par une envie de partage.

Althéa et ses tutos en peinture abstraite

Althéa et ses tutos en peinture abstraite

Sa vie d’Artiste a commencé dans les années 2000. Celle dont le père aime dessiner a toujours été dans l’univers des Arts. Après quelques années plus calmes, Althéa retrouve le gout de la peinture en 2014.

« L’abstrait est venu à moi comme une évidence. »

La même année, alors qu’elle surfe sur YouTube, Althéa remarque que peu de peintres partagent leur expérience ou leurs créations sous forme de vidéo sur la peinture acrylique. Celle qui aime tant la peinture abstraite décide alors de lancer sa propre chaîne. Le plaisir du partage, voilà sa réelle motivation.

« Un tableau abstrait est un espace de liberté dans lequel chacun peut se promener en laissant parler son moi intérieur. »

Althéa n’a jamais suivi de cours de peinture. Quoi que .. si, deux ! Pourquoi a t-elle arrêté si vite, me demanderez-vous. Pour la liberté. La liberté de s’exprimer comme elle l’entend, librement, que sa création vienne d’elle. Elle a donc décidé de se former elle-même, en restant à l’écoute, à son écoute, toujours en recherche d’informations pour apprendre. Avide de renseignements, sur YouTube mais aussi dans les livres ! Une de ses sources ? les descriptifs produit !

Aurvandil althéa artiste peintre

« À mes yeux, l’abstraction permet d’oublier tout ce que l’on connaît et de fait, de nous amener à ce qui n’est pas visible. Cette expression artistique m’a permis d’écrire sur la toile une émotion colorée, de transmettre ma vision du moment avec un cheminement de couleurs et de formes qui créent un tout. »

L’Artiste Peintre Althéa réalise des œuvres hautes en couleurs. Ses réalisations abstraites sont pour elle l’expression de ses émotions, une transmission de sa vision. Avec une technique qui lui est propre, Althéa allie des couleurs et des formes qui composent un tout. Cette talentueuse autodidacte ne donne pas (encore) de cours, mais reconnait qu’elle aimerait animer des stage dont le maître mot serait la « liberté« , la libre expression. Son but ne serait alors pas d’enseigner sa technique mais de conduire chacun à trouver sa technique propre, son moyen d’expression unique, sa signature.

20x20 althéa artiste peintre

Chacune de ses vidéos est créée dans un but de plaisir, celui du partage. À travers ses tutoriels de peinture abstraite, Althéa ne souhaite pas apprendre à l’internaute à peindre à sa manière à elle. L’objectif d’Althéa n’a pas d’imposer un trait de pinceau ou une technique, non, son but est bien différent ! En effet, ses démonstrations ont pour but de guider le peintre mais en le laissant créer à sa manière. Il y a plusieurs moyens d’arriver à un même résultat, et Althéa souligne l’importance que chaque personne trouve sa propre technique, réussisse par elle-même, avec son propre coup de pinceau. « Se réaliser soi-même plutôt que de répéter », pour trouver sa propre substance, exprimer son propre ressenti.

« L’abstrait, ça sort de soi, ça doit être à son image. »

Nombre des vidéos de peinture d’Althéa traitent de créations abstraites à l’acrylique, mais l’Artiste reconnait qu’elle aime particulièrement le dessin. Seulement, le dessin amène à l’aquarelle, au pastel etc. « Je voudrai en faire plus ! » Entre situation professionnelle et vie de maman, le temps manque malheureusement… Je pense que je ne suis pas la seule à vouloir remercier Althéa pour le temps qu’elle accorde aux internautes en réalisant toutes ses vidéos !

 

À très bientôt,

Camille

 

Découvrez et savourer l’univers d’Althéa :

Sa page Youtube : Althéa Artiste Peintre – BJArt’s

Sa page Facebook : Les peintures d’Althéa – BJArt’s

Son compte Instagram : Althéa Artiste Peintre

Son site : Althéa sur ArtMajeur