Le design graphique, un art aux origines diverses !

8 mars 2019

 

I/ Design graphique : Histoire _____________________________________________________

 

Tout commence plus ou moins avec l’invention de l’imprimerie aux alentours de 1450 grâce à Gutenberg. Cela a donc permis la reproduction de textes, d’œuvres d’art et de design dans des échelles jusqu’alors impossibles et avec un coût relativement faible.

Les industriels et les entreprises ont vite compris l’intérêt d’une telle invention pouvant influencer le comportement des consommateurs tout en augmentant la rentabilité de leurs actions. C’est ainsi que le design graphique a vu le jour.

On a ainsi découvert la possibilité grandissante des caractères amovibles, promotionnant la communication de masse et changeant à jamais notre civilisation. Désormais, les reproductions sont rapides et accessibles à tous. Cela a ouvert la voie à une utilisation plus commerciale du design et la fait évoluer vers ce que nous connaissons aujourd’hui.

(1400 premiers logos)

La publicité imprimée quant à elle voit le jour dans les années 1620. En première utilisation dans les précurseurs des journaux. Ce sont des images publicitaires à destination du public permettant d’illustrer les propos et campagnes commerciales produites en masse.

Ces publicités imprimées ont alors évoluées vers la première publicité couleur dans les années 1837. Une véritable révolution dans le milieu publicitaire qui jusqu’alors ne connaissait que le noir et blanc et les nuances de gris. Cela a ouvert de nombreuses possibilités à la publicité moderne.

Les marques sont désormais en capacité d’utiliser de nombreux outils comme les palettes de couleurs permettant une meilleure perception d’environnement ou permettant de traduire une émotion à travers une image du quotidien. La publicité étant jusqu’alors limitée par les techniques rustiques de l’époque. Ainsi, nous avons depuis une possibilité de réalisme, de variété et de tendances, tout cela grâce à la couleur.

(Epoque moderne)

Tel que nous le connaissons aujourd’hui, celui-ci a réellement commencé à se développer à partir de la fin du 19e siècle. Celle-ci s’est concentrée sur l’exploitation artistique des nouvelles techniques acquises.

L’imprimerie désormais banalisée, la concurrence nourrit l’innovation et le suivi des mouvements artistiques et graphiques permettant l’exploration de nouveaux styles et techniques qui s’appellent aujourd’hui « branding » et « publicité ».

C’est ainsi que les premières agences de design graphique voient le jour vers les années 1903. De plus en plus d’entreprises voyant l’intérêt de cette communication visuelle personnalisée. Ces agences réunissent des gens de tous horizons, des artistes peintres, architectes et autres que nous appelons les « premiers graphistes ». C’est dans les premières agences autrichiennes qu’est notamment né le cubisme et l’art déco / art nouveau. Ces agences ont eu une grande influence sur les standards du design établi. Cela a permis de donner le ton aux générations d’artistes suivantes.

(Apparition du terme design graphique en 1922)

C’est en 1922 que le terme design graphique apparaît pour la première fois sous la plume de William Addison Dwiggins, un designer renommé. Il y décrit son rôle dans la structuration et la gestion des visuels utilisés dans les livres.

(L’ère du numérique)

A partir des années 50, le monde voit se développer l’ère du numérique que nous connaissons aujourd’hui avec l’apparition massive des ordinateurs qui sont une norme désormais dans la même optique d’évolution qu’à amené l’imprimer à son époque. Cela nous avance encore à la naissance d’une communication de masse nouvelle, avec un développement de nouveaux styles et de méthodes artistiques qui n’ont de cesse d’évoluer.A lui seul, Adobe Photoshop a permis une avancée majeure en changeant à jamais la face du design graphique. Apparu dans les années 1990 pour la première fois, celui-ci permet l’édition de photos et crée une nouvelle catégorie de design tout entière.

 

Le but de tout celui est de trouver l’équilibre parfait entre un design esthétiquement beau, qui permet de communiquer efficacement avec le message qu’il contient tout en y trouvant une certaine forme de rationalisation et de logique. C’est le cas pour tous les logos des marques reconnues de nos jours, autres voitures et marques de luxe. Des logos intemporels gravés dans nos esprits qui nous évoqueront à coup sûr la marque car celles-ci sont tombées dans le commun et le connu pour le public que nous sommes. Une identité visuelle propre et personnelle qui les caractérisent entièrement et les rend unique. L’identité visuelle est un facteur majeur pour la totalité des entreprises de nos jours, permettant de se démarquer et de s’imposer. 

 

 _____  ILLUSTRATIONS • Inspiration : Bauhaus (1919) – Art nouveau du XXe – Art déco  _____

 

• Art nouveau (1890 – 1914)

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• Bauhaus : Walter Gropius  (1919 – 1933)

 

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L’intérieur Bauhaus se désigne comme étant très simple, privilégiant par ailleurs les grands espaces vides et mettant en valeur le béton, le verre et l’acier.

 

• Art déco – 1920 – 1939 image5

 

L’art déco appliqué au domaine du mobilier donne ce genre de création. Un tabouret empilable dessiné par le designer finlandais Alvar Aalto.

 

💡 POINT CULTURE : BAUHAUS 💡 

Ouverture de cette école en Allemagne 1919 par Walter Gropius.

La volonté est de créer un idéal artistique : synthétisation des formes artistiques existantes en une seule œuvre parfaite. Ils ont amené doucement l’art vers un style moderne et épuré. Précurseur de cet art moderne

 

II/ Design graphique : Applications ________________________________________________

 

Définition actuelle : Le design graphique est une activité de conception visant à mettre en oeuvre et coordonner la réalisation d’une communication visuelle combinant image et texte, sur imprimé ou sur écran.Aujourd’hui le design graphique est défini comme étant un art mêlant modernité, forme et couleur. Ainsi, on retrouvera des œuvres photographiques colorées ou bien des œuvres abstraites de toutes formes. 

 

Largement utilisé dans le domaine de l’animation et du graphisme animé. Autrement appelé « motion design ». Ce ne sont ni plus ni moins que des objets et personnages en mouvement à partir d’animations informatisées ou de dessins mis bout à bout.

Cela inclut également du contenu audio, typographique, images, vidéo …Utilisé en ligne, à la télévision et au cinéma. La popularité de ce domaine a explosé ces dernières années avec les avancées technologiques et le succès du contenu vidéo.

Dans le milieu artistique la création graphique donne naissance à des travaux originaux sous plusieurs formes. Qu’il s’agisse de beaux arts, décoration ou encore d’illustration de texte.

 

Exemples de design graphique appliqués au marketing :

  • Cartes postales et flyers
  • Magazines et publicités dans la presse
  • Affiches, bannières et panneaux publicitaires
  • Infographies
  • Brochures (imprimées / digitales)
  • Habillage de véhicules
  • Packaging produit
  • Panneaux et présentoirs commerciaux
  • Modèles d’email marketing
  • Présentations Powerpoint
  • Menus
  • Publicités les réseaux sociaux, bannières et graphiques
  • Bannières et publicités de reciblage
  • Images pour blogs et sites web


 Exemples de design graphique appliqués à l’édition :

  • Livres
  • Journaux
  • Newsletters
  • Magazines
  • Catalogues

 


  LES PIONNIERS DU DESIGN MODERNE

  • Le concepteur du logo d’Apple : Rob Janoff

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  • La créatrice du logo de Nike : Carolyn Davidson

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  III/ Artistes coups de cœur _____________________________________________________image8

Rappel : Label Expo _____________________________________________________________ 

 

 

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Chez Label Art, nous pensons que l’un des plus beaux moments dans l’Art, c’est lorsqu’il est partagé.

Alors, justement, nous vous donnons l’occasion d’exposer vos œuvres !

Voici le thème de notre Label Expo du mois de février : « Graphique »

Les photos sont en ligne depuis le 21 février sur Facebook : ici

Sources utilisées :


https://www.carredartistes.com/fr/17171-art-graphique

http://www.graphiste-libre.com/25-noms-designer-graphique-se-de-connaitre/

https://www.lejournaldelamaison.fr/le-journal-de-la-maison/decoration-par-style/un-debut-de-siecle-riche-en-creations-83676.

html#item=2https://99designs.fr/blog/conseils-design/types-design-graphique/

https://www.anthedesign.fr/communication-2/origine-graphisme-graphiste/

L’huile Étude Rive Gauche de Sennelier

27 février 2019

Lorsque l’on débute dans une nouvelle technique, il est tout naturel de rechercher un produit accessible, avec un bon rapport qualité prix. Pour cela, il existe les peintures dites « études ». En huile, nous avions d’ailleurs la peinture à l’huile Étude de Sennelier, à présent remplacée par l’huile Rive Gauche. Petit prix, bonne qualité, cette huile aura toutes les raisons de vous faire craquer si vous souhaitez débuter en peinture à l’huile, ou si vous recherchez une peinture à l’huile pas cher, ou  tout simplement si vous souhaitez peindre avec une peinture à l’huile au séchage rapide !

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Une peinture à l’huile qualité Sennelier

Depuis 1887 la maison Sennelier se démarque par sa volonté d’innover sans cesse. À présent, la marque jouit d’une notoriété importante, et son logo est un réel gage de qualité.

Le saviez-vous ? L’huile Rive Gauche est fabriquée en France

En créant la peinture Rive Gauche, cette peinture à l’huile au joli rendu satiné, Sennelier n’a pas dérogé à sa volonté d’innover. Cette peinture à l’huile étude se démarque considérablement des autres peintures « études ».

Une toute nouvelle formule

Rive Gauche, c’est un nuancier de près de 60 couleurs, dont 49 en mono-pigmentaire. Cela fait de très nombreuses possibilités de mélanges pour obtenir ses propres nuances. D’ailleurs, les couleurs se mélangent très facilement entre elles.

Le saviez-vous ? C’est en souvenir de ses origines Parisiennes que la marque Sennelier a appelé sa nouvelle peinture « Rive Gauche »

Parmi les secrets de recette, il faut savoir que l’huile Sennelier est fabriquée avec une huile de carthame spécifique, reconnue pour son faible jaunissement. L’huile Rive Gauche est ainsi 2 fois moins jaunissante que la majorité des peintures à l’huile. Les couleurs sont éclatantes durablement !

 

SennelierRiveGauche-logo, huile etude, peinture huile sennelier

 

L’une des autres particularités de cette peinture est son temps de séchage : il est deux fois plus rapide que les peintures à l’huile traditionnelles ! Il faut généralement attendre plusieurs mois pour qu’une peinture à l’huile soit sèche à cœur et environ 10 jours en surface. L’huile Rive Gauche de Sennelier quant à elle siccative en surface en seulement 5 jours !

Enfin, on ne peut évoquer l’huile Rive Gauche sans souligner son caractère particulièrement couvrant. Cela provient de la qualité de ses pigments ! D’ailleurs, cette qualité pigmentaire offre à l’huile Rive Gauche une excellente tenue à la lumière… et c’est peu dire : 98% des couleurs son classées *** !

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• Excellente qualité pigmentaire : pouvoir couvrant, éclat des couleurs •

sèche 2 fois plus vite 

• 2 fois moins jaunissante 


 

Alors, qu’attendez-vous pour tester cette huile ?! Si cela est déjà fait, qu’en avez-vous pensé ?

 

À très bientôt les Artistes,

Camille

 

Pour aller plus loin :

Rive Gauche présenté par Sennelier

La plaquette de présentation Rive Gauche par Sennelier

Acheter de la peinture à l’huile étude

L’histoire d’une toile et de son cadre sur mesure

15 février 2019

Bonjour à tous,

Je souhaite aujourd’hui vous faire découvrir une toute nouvelle rubrique : « Histoire d’encadrement ».

L’idée ? Profiter de la réalisation d’un encadrement sur mesure chez Label Art pour en découvrir plus sur la peinture à encadrer, le peintre, l’histoire du tableau, le choix du cadre… et tout cela agrémenté de photo ! Qu’en dites-vous ?!

L’encadrement, ce n’est pas seulement une baguette de bois autour d’une peinture : c’est l’aboutissement d’un travail de nombreuses heures, de recherche, d’essais, d’erreurs (probablement) d’enseignement… et de satisfaction bien sûr.

Au commencement était l’Artiste…dominique

Le tableau dont nous parlons ici est l’oeuvre de Dominique CASSOTTI. Cette Artiste peintre fait partie de l’association de peinture « Art et mouvements » de Toulon depuis maintenant 4 ans.

Dominique aime particulièrement réaliser ses peintures sur des toiles en coton grands formats, et cela se voit ! Une toile format 10F : voici la plus « petite » de ses réalisations que vous trouverez sur internet.

« J’aime l’espace, travailler la gestuelle… et je ne fais jamais deux tableaux identiques ! »

Quelques oeuvres de Dominique

Quelques oeuvres de Dominique

 

Cette volonté de différencier chacun de ses tableaux mène Dominique à réaliser des paysages, des marines, des portraits, des mains etc. pour notre plus grand plaisir.

… puis il y a eu le tableau !

Avant de peindre « Les Coquelicots », Dominique CASSOTTI a réalisé une peinture représentant un couple de personnage. De « taille XXL » ce précédent tableau toute en douceur est décrit par son auteur comme étant très « évanescent », aux tons pastels.

"Les coquelicots" de Dominique CASSOTTI

« Les coquelicots » de Dominique CASSOTTI

Pour « Les coquelicots », l’Artiste a souhaité faire un contre-pied à son précédent tableau, et cela est réussi ! Cette peinture est née d’une envie de couleurs, de dynamisme, d’éclat !

 L’encadrement sur mesure des Coquelicots

Comme chaque tableau de Dominique CASSOTTI, « Les Coquelicots » trônent sur un grand châssis entoilé : 100×100 !

La 1ère règle pour encadrer une si grande toile : apporter de l’ouverture en respectant les profondeurs. Pour cela, il convient d’utiliser une large baguette. Une marie-louise est également très intéressante, dans la mesure elle permet de rehausser certaines nuances, rajoutant de la profondeur.

Pour « Les Coquelicots », la volonté était de choisir un cadre sur mesure moderne qui viendrait parfaire la toile, sans s’imposer surtout.

Deux baguettes ont eu la préférence de l’Artiste : la baguette Oriane, dans sa version platine, et le cadre Cosmos, en finition blanc mat.

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Cadre Cosmos Blanc mat et marie-louise rouge, et cadre Oriane Platine et marie-louise orangé

La baguette Oriane -à droite- bénéficie d’une belle largeur de moulure et son effet platine satiné apporte de la lumière, de l’éclat, et beaucoup de modernité. Réhaussé d’une marie-louise orangé pour rappeler les différentes nuances des coquelicots, l’ensemble se veut contemporain. Le cadre Cosmos, quant à lui -à gauche-, profite également d’une large moulure tandis que sa finition totalement mate et blanche apporte beaucoup de douceur. Réhaussé d’une marie-louise rouge et mate, l’ensemble Cosmos + marie-louise rappelle les couleurs des coquelicots tout en prolongeant le blanc de la toile.

Cadre Cosmos blanc mat

Cadre Cosmos blanc mat et marie-louise rouge mat

Le choix de l’Artiste

Pour ce cadre éclatant de couleurs, floral, très naturel, la préférence de l’Artiste a été vers la baguette Cosmos. Celle-ci créé en effet un joli prolongement de l’oeuvre, apporte de la fraîcheur et de la douceur. Grâce à la forme très spécifique de la baguette Cosmos, avec son effet de marie-louise intégrée, l’ajout d’une marie-louise indépendante n’est pas indispensable. Bien que la marie-louise rouge rajoute de l’éclat et des couleurs en soulignant les coquelicots, le biseau de la baguette Cosmos apporte de la profondeur.

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« Les Coquelicots », toile encadrée

 

Alors, que pensez-vous de l’encadrement choisi pour cette peinture ? Aimez-vous l’ensemble ?

 

Pour aller plus loin :

Dominique et ses tableaux

– la fabrication des cadres sur mesure

– l’Association Art et Mouvements

– Les cadres sur mesure de Label Art

– Label Art, Encadreur à Toulon

Les feutres Faber-Castell PITT, une gamme haute en couleurs

31 janvier 2019

Découvrir le feutre à l’encre de chine Faber-Castell

Le feutre Faber-Castell Pitt Artist Pen, c’est un feutre à l’encre de chine très pigmentée, disponible à l’unité ou en lot dans 8 tailles différentes et dans une gamme de couleur aussi folle que variée. Cette variété vous permet une grande liberté dans la composition de vos étuis.
Ces feutres sont idéaux pour la mise en couleur de vos planches de dessin : 48 crayons de couleur disponibles dans la gamme pointe pinceau (B).

Comme tous les feutres Faber Castell Pitt, le feutre Pitt est un feutre permanent d’une qualité impressionnante, possédant une excellente résistance à l’eau et à la lumière. Ce feutre ne sèche pas facilement, ce qui le rend très agréable à utiliser.
Parmi ses nombreuses qualités, nous pouvons également vous suggérer que vous aurez la satisfaction de travailler avec un feutre sans acide, inodore et au pH neutre. Ainsi, vous aurez la liberté de travailler sans vous soucier des limites de ce feutre, il n’en a pas !stylo faber castell, faber castell pitt artist pen, faber castell pitt - Label Art

Le feutre Faber Castell Pitt dans la pratique

Le feutre Pitt Faber est idéal pour l’esquisse, mais aussi pour l’étude et le dessin, vous laissant la possibilité de combiner différentes techniques de dessin.
L’étendu de la gamme, avec ses pointes de différentes formes et tailles vous permet de produire un travail de qualité et d’expérimenter une multitude de techniques. La largeur de gamme est idéale pour les mangas, les bandes dessinées et autres illustrations.

  • Classiques / fines :

Pointes   S/F/M/B

  • Grasses / Pinceaux :

Pointes    SB/SC/1.5/B

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La marque elle-même vous conseille de commencer vos esquisses au crayon gris puis d’utiliser les différentes tailles du feutre Faber-Castell Pitt Artist Pen pour repasser les traits et détails de vos chefs-d’œuvre.
Ainsi, pour les traits les plus grossiers Faber Castell vous recommande les tailles M/F (classiques) puis pour les détails la taille XS/S (les plus fins de cette gamme).

Ces feutres sont disponibles en packs de 4, 6 ou 8 feutres.
Combinaisons : gris / sépia / sanguine / noir simple / lettering métalliques / Set manga / Pop Flash / Paysages etc…
… Une gamme très complète et tout autant de possibilités de pratiquer votre art !

 

 _________________ NOTRE COUP DE CŒUR ! _________________

Le produit que nous vous recommanderions sans hésiter est l’étui des 8 mines disponibles en noir chez Faber Castell. Il est idéal pour commencer et vous permettra d’explorer l’ensemble des tailles de mines disponibles dans la gamme Faber Castell Pitt Artist Pen. Cela est un bon moyen de vous familiariser avec ces petits bijoux pour ensuite étendre vos palettes avec les couleurs disponibles dans ces mêmes gammes.

Produit(s) cité(s) :

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Rappel de l’histoire de Faber-Castell

Fondé en 1761, Faber-Castell est toujours gérée par la même famille depuis 8 générations. Ayant débuté dans un petit magasin, l’entreprise est maintenant une institution internationale employant 7000 personnes dans 14 usines et 23 centres de vente à travers le monde. La tradition couplée avec le progrès, l’expertise et l’exigence de produire des biens de qualité sont ce qui caractérise l’entreprise Faber-Castell. Faber-Castell est également extrêmement engagée dans la protection de l’environnement dont elle fait un grand enjeu chaque jour.

 

Pour aller plus loin…

Site officiel de Faber-Castell

L’histoire de Faber-Castell

Acheter des feutres Faber-Castell

 

Faire son encadrement sur-mesure chez Label Art

7 décembre 2018

Quels avantages au cadre sur mesure ?

Faire un encadrement sur mesure, c’est s’assurer de mettre son oeuvre en valeur de la plus belle des manières.

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Un cadre hors norme aux dimensions exactes

Avant tout, un cadre sur mesure signifie bien évidemment que la baguette et la marie-louise (dans le cas d’un encadrement) ou le biseau et le passe-partout (pour un sous-verre) seront fabriqués à la mesure de l’oeuvre. Par conséquent, la taille et les proportions de l’oeuvre demeurent inchangées ! Cette adaptation est appréciée aussi bien pour les sous-verre que pour les cadres. En effet, un sous-verre sur mesure peut correspondre aux dimensions des photos, mais aussi s’adapter à une oeuvre sur papier libre. L’encadrement sur mesure, quant à lui, s’adaptera à toutes les tailles de châssis entoilé : format beaux-arts ou non !

Un cadre adapté au support

Une oeuvre peut bien évidemment être réalisée sur de nombreux supports. Sur toile en coton ou châssis en lin, mais également sur aluminium, dybond, bois etc. Il est alors important de pouvoir adapter le format de son cadre ! En effet, pendant le processus de fabrication, les menuisiers ne laissent pas autant de marge sur un cadre prévu pour encadrer une toile et un cadre pour une plaque en aluminium. Un cadre pour une oeuvre !

Les couleurs des cadres et sous-verre sur mesure

Bien évidemment, lors du choix de l’encadrement, les couleurs sont sélectionnées avec soin. Ainsi, votre cadre et votre oeuvre ne font qu’un ! Le cadre est un prolongement de l’oeuvre, une invitation à la découverte…

Appréciation personnelle

Un encadrement sur mesure, c’est la possibilité de transmettre une émotion, d’apporter une touche de sensibilité supplémentaire. Grâce à un encadrement sur mesure et au choix des couleurs il est possible de modifier le rendu d’une oeuvre. Un cadre choisi dans des colories chaudes ou froides, selon s’il s’adapte ensuite sur une oeuvre aux nuances chaudes ou froides, transformera le rendu.

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Où commander son encadrement sur mesure ?

Pour commander son cadre sur mesure, il est possible de trouver un encadrement en ligne, comme Label Art. Vous aurez la possibilité de personnaliser les différents éléments de votre cadre ou sous-verre.

Vous pouvez également vous rendre directement chez cet encadreur du Var ! Grâce à son usine et au savoir faire de ses menuisiers vous pourrez facilement faire vos encadrements dans le Var et sur mesure.

 

Pour aller plus loin

… découvrir la fabrication des cadres sur-mesure chez Label Art.

… la fabrication des sous-verre hors norme.

 

Comment utiliser son Gesso blanc, noir ou transparent

23 octobre 2018

Le gesso ! Souvent méconnue, cette sous-couche est pourtant bien importante ! Gage de durabilité de votre oeuvre et d’éclat des couleurs. Pour la petite histoire, le terme « gesso » est issu du grec et signifiait à l’origine « gypse » ou « plâtre ». Dans cet article je vous dis tout : comment appliquer son gesso mais également quelle utilisation en avoir.

 

Utilisation du gesso

Le gesso est un enduit universel à base d’eau, une sous-couche employée dans le but de préparer le support avant de peindre. Il est effectivement indispensable de bien apprêter son support afin de garantir un résultat de qualité et la durabilité de son oeuvre.

Le gesso permet d’imperméabiliser le support et de lui donner de la rugosité. Il s’applique sur tous les types de support : bois, carton, métal etc. à condition que la surface soit brute, non grasse et lisse. Il peut également s’appliquer sur des toiles pré-enduites afin d’obtenir un grain plus fin.

Grâce au gesso, la peinture adhère mieux au support. Le fait d’enduire son support est donc économique : l’Artiste utilisera moins de peinture !

mock up posters frames and canvas in loft interior background

 

 

Appliquer son gesso

Le gesso est à appliquer au spalter ou à la brosse plate, en couches fines et en croisements. Il est bien évidemment important de l’appliquer de manière homogène. Après avoir laissé sécher quelques heures, il est recommandé de poncer délicatement à l’aide d’un papier de verre, puis de retirer la poussière avec un chiffon. L’idéal, pour une utilisation du gesso optimale, est de mettre au moins deux couches.  À chaque couche le support sera de plus en plus lisse, le grain de plus en plus fin. Une fois sec, le gesso est totalement mat.

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Le saviez-vous ? Appliqué en épaisseur à l’aide d’un couteau ou d’une spatule, le gesso peut également vous permettre de réaliser des effets sur votre support !

Les toiles pré-enduites en lin ou coton n’ont normalement pas besoin d’être enduites. Cependant, lorsqu’une oeuvre est réalisée à la peinture à l’huile sur un châssis entoilé en coton , il est recommandé de rajouter des couches de gessos supplémentaires. En effet, la peinture à l’huile attaque le coton ! Le gesso appliqué en supplément permet de créer une couche de protection.

Le gesso blanc

Le blanc est la couleur naturelle du gesso. Sans rentrer dans les détails chimiques de la composition du gesso blanc, cela vient des composants de cet apprêt : carbonate de calcium, polymère acrylique etc.

Le saviez-vous ? Le gesso est très répandu dans sa teinte blanche. Toutefois, il vous suffit d’y ajouter quelques gouttes de peinture pour le colorer selon vos envies !

Aujourd’hui, grâce à l’évolution des techniques de fabrication, le gesso peut être fabriqué dans d’autres coloris. Le gesso noir et le gesso transparent plaisent tout particulièrement.

 

gesso blanc

Le gesso noir

D’aspect velouté, rugueux et très mat, le gesso noir bénéficie d’un rendu particulièrement intense. Il permet de créer une jolie base de travail. Ce gessos conviendra naturellement pour les réalisation à l’acrylique, à l’huile, mais aussi pour toutes les techniques mixes. Le gesso noir créé une ambiance, aide à la création d’une oeuvre unique, dans soin univers, ses effets.

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Le gesso transparent

Le gesso transparent est idéal pour conserver la couleur du support bien sûr, mais aussi sa nature ou sa texture. blanchâtre à l’état humide. totalement transparent une fois sec.

 

 

Pour aller plus loin :

L’utilisation de gesso pour la technique du pastel

Découvrir le gesso Lefranc

Althéa Peintre et ses vidéos de peinture acrylique abstraite

16 octobre 2018

Aujourd’hui je souhaite vous présenter une Artiste toute en douceur mais haute en couleurs : l’Artiste Peintre Althéa ! Suivie par plus de 10 000 personnes sur YouTube, cette Artiste peintre autodidacte est la première surprise de l’engouement de ses vidéos de peinture. Cette belle aventure a débuté en simplicité, alimentée par une envie de partage.

Althéa et ses tutos en peinture abstraite

Althéa et ses tutos en peinture abstraite

Sa vie d’Artiste a commencé dans les années 2000. Celle dont le père aime dessiner a toujours été dans l’univers des Arts. Après quelques années plus calmes, Althéa retrouve le gout de la peinture en 2014.

« L’abstrait est venu à moi comme une évidence. »

La même année, alors qu’elle surfe sur YouTube, Althéa remarque que peu de peintres partagent leur expérience ou leurs créations sous forme de vidéo sur la peinture acrylique. Celle qui aime tant la peinture abstraite décide alors de lancer sa propre chaîne. Le plaisir du partage, voilà sa réelle motivation.

« Un tableau abstrait est un espace de liberté dans lequel chacun peut se promener en laissant parler son moi intérieur. »

Althéa n’a jamais suivi de cours de peinture. Quoi que .. si, deux ! Pourquoi a t-elle arrêté si vite, me demanderez-vous. Pour la liberté. La liberté de s’exprimer comme elle l’entend, librement, que sa création vienne d’elle. Elle a donc décidé de se former elle-même, en restant à l’écoute, à son écoute, toujours en recherche d’informations pour apprendre. Avide de renseignements, sur YouTube mais aussi dans les livres ! Une de ses sources ? les descriptifs produit !

Aurvandil althéa artiste peintre

« À mes yeux, l’abstraction permet d’oublier tout ce que l’on connaît et de fait, de nous amener à ce qui n’est pas visible. Cette expression artistique m’a permis d’écrire sur la toile une émotion colorée, de transmettre ma vision du moment avec un cheminement de couleurs et de formes qui créent un tout. »

L’Artiste Peintre Althéa réalise des œuvres hautes en couleurs. Ses réalisations abstraites sont pour elle l’expression de ses émotions, une transmission de sa vision. Avec une technique qui lui est propre, Althéa allie des couleurs et des formes qui composent un tout. Cette talentueuse autodidacte ne donne pas (encore) de cours, mais reconnait qu’elle aimerait animer des stage dont le maître mot serait la « liberté« , la libre expression. Son but ne serait alors pas d’enseigner sa technique mais de conduire chacun à trouver sa technique propre, son moyen d’expression unique, sa signature.

20x20 althéa artiste peintre

Chacune de ses vidéos est créée dans un but de plaisir, celui du partage. À travers ses tutoriels de peinture abstraite, Althéa ne souhaite pas apprendre à l’internaute à peindre à sa manière à elle. L’objectif d’Althéa n’a pas d’imposer un trait de pinceau ou une technique, non, son but est bien différent ! En effet, ses démonstrations ont pour but de guider le peintre mais en le laissant créer à sa manière. Il y a plusieurs moyens d’arriver à un même résultat, et Althéa souligne l’importance que chaque personne trouve sa propre technique, réussisse par elle-même, avec son propre coup de pinceau. « Se réaliser soi-même plutôt que de répéter », pour trouver sa propre substance, exprimer son propre ressenti.

« L’abstrait, ça sort de soi, ça doit être à son image. »

Nombre des vidéos de peinture d’Althéa traitent de créations abstraites à l’acrylique, mais l’Artiste reconnait qu’elle aime particulièrement le dessin. Seulement, le dessin amène à l’aquarelle, au pastel etc. « Je voudrai en faire plus ! » Entre situation professionnelle et vie de maman, le temps manque malheureusement… Je pense que je ne suis pas la seule à vouloir remercier Althéa pour le temps qu’elle accorde aux internautes en réalisant toutes ses vidéos !

 

À très bientôt,

Camille

 

Découvrez et savourer l’univers d’Althéa :

Sa page Youtube : Althéa Artiste Peintre – BJArt’s

Sa page Facebook : Les peintures d’Althéa – BJArt’s

Son compte Instagram : Althéa Artiste Peintre

Son site : Althéa sur ArtMajeur

Nelly Lestrade et ses tutos de peinture colorés

9 octobre 2018

Bonjour à tous !

Aujourd’hui je vous propose un article qui ne parlera pas de produit ou de marque, je ne donnerai pas non plus de conseil ou astuce… Car non, je vais vous présenter une Artiste ! L’Artiste Nelly Lestrade.

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Cette Artiste peintre manie le pinceau et le couteau avec amour et depuis maintenant 20 années. Pour débuter, Nelly a reçu les conseils et le savoir d’un Artiste Peintre puis a travaillé seule durant quelques années.

Il y a 10 ans, Nelly a ouvert un atelier pour donner des cours, à son tour. À ce jour, elle anime 4 ateliers et conseille 40 personnes.

Pour ce qui est des ateliers à l’Agora Peyramont du moins, car sur internet … Nelly est suivie par 18 000 personnes sur Youtube ! (Mise à jour de février 2019 : 42 000 personnes)

De g. à dr. : Kim, Rebecca, Nathalie, Laureen

De g. à dr. : Kim, Rebecca, Nathalie, Laureen

Grâce à ses cours de peinture vidéo, Nelly délivre de nombreux conseils afin de débuter dans la peinture acrylique et huile. Trucs, astuces, explications, démonstrations… Nelly dit tout !

Son domaine de prédilection ? La peinture à l’huile et notamment la peinture au couteau.

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Test de médium, de peinture acrylique ou à l’huile, Nelly profite de ses années d’expérience pour faire part de son ressenti, de ses impressions, et chez Label Art on adore ça ! Les essais de ses tutos de peinture s’accompagnent de réalisations de jolis sujets, à l’image de la peinture acrylique Sennelier Abstract lors du tuto de Nelly « Les coquelicots modernes » mais également de la « City » colorée à l’occasion du cours de peinture acrylique Mat PUB de Pébéo. Bien sûr, il ne faut pas oublier le tuto de la peinture au couteau et la réalisation du « Bord de Mer » !

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Au début de cet article, je vous disais que je ne vous donnerai pas de conseil… en fait, si ! Un ! Abonnez-vous à son actualité !

À très bientôt !

Camille

 

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Magasin Art Magazine

L’histoire de Posca

28 septembre 2018

Dans mon précédent article consacré au feutre Posca, il était question de ce feutre de peinture remarquable et de ses nombreuses caractéristiques. Aujourd’hui, j’ai surtout envie de retracer avec l’histoire de la marque Posca et de sa belle ascension, jusqu’à son actuelle notoriété mondiale.

uni pencil logo posca

 

Tout a commencé à Tokyo, en 1887. L’entreprise Mitsubishi Pencil, spécialisée dans la fabrication d’articles d’écriture s’est rapidement démarquée grâce à ses innovations. Les encres, la densité et la richesse des couleurs qu’elle propose, alliées à des mécanisme et pointes de qualité, ont immédiatement participé à la notoriété de la marque. À ce jour, l’entreprise Mitsubishi Pencil est présente dans le monde entier.

Depuis ses débuts, Mitshubishi Pencil tient à offrir le meilleur aux utilisateurs de ses crayons et stylos. En recherche permanente, la marque veille à proposer des outils performants, novateurs, gages de plaisir et de liberté.

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En 1984, Mitshubishi Pencil lance la célèbre marque Posca. Aujourd’hui, le feutre Posca jouit d’une forte notoriété. En effet, la marque est maintenant un réel leader dans l’univers des Arts et du loisirs créatifs. D’ailleurs, la marque Posca est présente dans plus de 100 pays !

La facilité d’emploi du feutre marqueur Posca, son absence d’odeur, sa capacité à adhérer sur tous supports et son pouvoir couvrant font de ce feutre est incontournable !

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Véritable outil de création, accessoire de personnalisation, machine à colorer… le marqueur Posca se décline à l’unité dans plusieurs tailles, mais également en assortiment sous forme de malette Posca.

Les différentes mines  de feutres Posca

Les différentes mines de feutres Posca

 

Pour aller plus loin…

Le site de marque Posca

Le site Uni – Mitsubishi Pencil

Découvrir la gamme de marqueurs Posca

Des idées de créations au Posca : les ateliers créatifs Posca, la personnalisation de bocaux au marqueur Posca, le carnet de voyage

Je vous présente le Pôle Arts Plastiques de la ville de Six-Fours

21 septembre 2018

C’est par une belle après-midi de septembre que je me dirige vers la Maison du Patrimoine de Six-Fours située au Brusc à quelques mètres de la presqu’île du Gaou. Au loin, le club de voile, le vent léger souffle dans les branches de pins, la mer s’étend à l’infini. Je ressens une immense sérénité.

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La charmante villa qui accueille les œuvres des artistes s’impose immédiatement comme un lieu enchanteur. Le jardin incite à la promenade. Ariane PIGAGLIO, Médiatrice au Pôle Arts Plastiques de la ville de Six-Fours me rejoint tout sourire. Heureuse de me présenter la nouvelle exposition de Phot’Azur.

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La maison du Patrimoine abrite des talents exceptionnels.

« A chacun son thème », exposition de l’association Phot’Azur. On sent là que son Président Henri CHICH a choisi d’exposer des thèmes aussi variés que les explorations au Spitzberg, en passant par la macro d’insectes (Jean-Daniel TOSELLO), ou encore un excellent point de vue rapporté du Festival Burning Man qui a lieu chaque année aux Etats Unis. Je citerai aussi la photo de l’éléphant façon « Harcourt » (très beau travail d’Anne-Marie ETIENNE), les photos sous-marines (Eric BORNET, Claude MAERTENS) et le travail très créatif d’Emmanuelle GEORGES (Immergination).

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Le Festival Burning Man

Le Festival Burning Man C’est une rencontre artistique qui se déroule chaque année dans le désert de Black Rock, dans le Nevada. C’est l’initiative d’un homme hors du commun, Larry Harvey Imaginez 50000 personnes débarquant de tous les coins du monde, qui viennent y célébrer la création artistique ! Une ville temporaire est créée à cette occasion : Black Rock City. Tout les festivaliers participent au processus créatif. Ils inventent une ville dont la base reste la même chaque année : par respect pour la planète, Black Rock City sera détruite après chaque fin de festival ! Altruisme, Générosité, Partage, Respect de l’environnement : voici les principes fondateurs de ce Festival dément qui unit pendant quelques jours tous les créateurs les plus déjantés de la planète. C’est à travers un vrai voyage photographique que je découvre les photos de ce Festival. Merci à Mathieu VAUTRIN qui expose sur ce thème en ce moment.

Citer tous les talents de cette exposition photographique serait très long je ne peux que vous inciter à venir découvrir l’explosion de thèmes, de couleurs et le travail remarquable de chaque artiste.

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Les 26 photographes sélectionnés à cette occasion pour exposer leurs créations nous livrent leur regard de vie. Le vernissage de Phot’Azur aura lieu le 28 septembre à 18h30. L’occasion de découvrir les membres de cette fabuleuse association.

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Ariane PIGAGLIO et Henri CHICH, Président de l’association Phot’Azur

La Maison du Patrimoine de Six Fours regorge de talents. Actuellement sont exposées les œuvres des collégiens de Font De Filliol qui ont travaillé dans le cadre des journée du patrimoine avec une recherche très poussée sur les hameaux Six-Fournais (dans le cadre de la section patrimoine qu’ils ont choisi en classe de sixième).

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Six-Fours aime les artistes : la Maison du Cygne exposera du samedi 22 septembre au 10 novembre la talentueuse Isabelle SICRE. « Horizons » sera le thème de cette exposition avec un travail nous plongeant dans un univers immersif très intense. J’ai eu l’occasion de découvrir les premières toiles : les réalisations texturales ainsi que les thèmes explorés nous racontent une histoire. Lumière, travail des couleurs, « Horizons » sera exposée dans un cadre enchanteur et vous pourrez aussi apprécier le jardin remarquable de la Maison du Cygne après la visite.

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Enfin pour les amoureux de l’histoire, je vous invite à vous rendre à l’exposition « Traces et Mémoire de la grande Guerre à Six Fours », qui a lieu à la Batterie du Cap Nègre du 21 septembre au 18 novembre. Denis PERRIER, délégations anciens combattants et jumelage, a réuni à cette occasion des pièces prêtées par les six-fournais. Il s’agit donc d’exposer des objets et des lettres détenus au sein des familles depuis des décennies qui seront exposées au public pour la première fois à cette occasion. A noter qu’à cette occasion, vous pourrez découvrir les statues « Gueules cassées » sculptées par Pierre PELLIZON.

Pour en savoir plus :

Pôle des Arts Plastiques de Six-Fours

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