Archive pour la catégorie ‘L’huile’

L’histoire de Lefranc Bourgeois

mardi 7 novembre 2017

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Aujourd’hui je vous propose de découvrir une belle histoire. Celle de la maison Lefranc Bourgeois. Depuis maintenant 300 ans cette maison évolue, innove et reste attachée aux traditions et valeurs qui ont fait d’elle une entreprise unique. De génération en génération, les fondamentaux se transmettent et permettent de porter toujours plus haut cette entreprise, sur les piliers essentiels que représentent l’écoute des Artistes, une passion pour la couleur et une volonté de repousser les limitées scientifiques et industrielles de la peinture.

Une histoire pour la passion des couleurs

La maison Lefranc Bourgeois a vu le jour en 1720, sous le nom unique de Lefranc. Celle qui allait devenir une des plus grandes maison du monde des beaux-arts est née grâce à l’ancêtre de la famille Lefranc, Charles Laclef. Ce dernier souhaite effectivement s’initier à la production de couleurs. Entre destin, talent et héritage, cet apprentissage est une véritable réussite pour lui, si bien qu’il ne tarde pas à devenir le fournisseur officiel du peintre Chardin.

1775. Le fils de Charles Laclef ouvre l'enseigne "À la clef d'argent"

1720. Boutique de Charles Laclef à Saint Germain.

Dès ses débuts, la maison Lefranc se définie par les valeurs de Charles Laclef, et se démarque dans le monde des beaux-arts grâce à sa proximité avec les peintres et la passion de son fondateur pour les couleurs ainsi qu’un savoir-faire français. D’ailleurs, aujourd’hui encore chaque couleur est fabriquée au Mans, en France.

Tout s’accélère en 1753 lorsque Charles Laclef est officiellement nommé fournisseur de peinture du château de Versailles. Et pour cause : en moins de 35 ans les peintures de la maison Lefranc ont réussi à se démarquer par leur pureté, leur stabilité et leur caractéristique non novice. Dès lors, la renommée de la maison Lefranc et des peintures Lefranc devient mondiale.

1753. Charles Laclef devient officiellement fournisseur des peintures du château de Versailles.

1753. Charles Laclef devient officiellement fournisseur des peintures du château de Versailles.

Lorsque Lefranc Bourgeois libère les peintres

En 1775, le petit-fils de Charles Laclef fonde l’enseigne « À la clef d’argent ». Cette boutique marque le début de l’histoire familiale mais aussi de l’industrie des beaux-arts.

Près d’une décennie plus tard, en 1859, Alexandre Lefranc réalise la première grande innovation de la marque : le tube de peinture à l’huile doté d’un bouchon à vis. Alexandre Lefranc, connu pur son génie et sa passion, a compris le besoin des Artistes de sortir de leur atelier. Cela devient donc possible grâce à la maison Lefranc, après des années de recherche sur le conditionnement de la peinture. Grâce au bouchon à vis, la famille Lefranc libère les Artistes et s’inscrit définitivement dans l’histoire de l’Art.

1859. Création du bouchon à vis.

1859. Création du bouchon à vis.

Ce profond désir d’accompagner les artistes au plus près de leurs besoins demeure aujourd’hui encore au cœur de la philosophie de la marque.

Les innovation continuèrent les années suivantes. Des produits tels le Jaune de Naples ou de nouveaux médiums voient alors le jour. Dans le même temps, de nombreuses couleurs à l’huile sont crées par la maison Lefranc. Des couleurs à l’huile à la pureté et à la composition inégalables aujourd’hui encore. Les peintures à l’huile Lefranc se déclinent en peinture à l’huile fine Lefranc et l’extra extra-fine.

Grâce à l’industrialisation la marque peut vendre ses produits en Italie, en Belgique ou en Allemagne dès 1885. Cela marque le début de l’exportation et d’une notoriété bientôt mondiale.

La naissance de Lefranc Bourgeois, comme une évidence

C’est en 1965 que la marque Lefranc Bourgeois que nous connaissons aujourd’hui est créée. Le rapprochement des maisons Lefranc et Bourgeois est vécu comme une évidence. En effet, à cette époque la maison Bourgeois innove déjà depuis de nombreuses années dans le domaine de la peinture beaux-arts : création de la gouache moderne et rajeunissement des médiums Flamand et Vénitien. De plus, la maison Bourgeois est l’une des premières à créer les peintures dites « non dangereuses ». Enfin, sans la famille Bourgeois, la laque de garance Cramoisie n’aurait jamais vu le jour.

La saviez-vous ? La maison Bourgeois est celle qui a mis au point le procédé pour extraire la garance. La nuance « Laque de garance cramoisie » est aujourd’hui disponible dans les huiles extra-fine Lefranc Bourgeois.

 

Aujourd’hui encore les valeurs de Lefranc Bourgeois se transmettent de génération en génération, en restant axées sur les éléments essentiels depuis sa création : une passion pour la couleur, une volonté de repousser toujours plus loin les limites scientifiques et industrielles.

D’ailleurs, après l’innovation du tube de peinture au bouchon à visser, Lefranc Bourgeois innove en 2017 en libérant les émotions… Ces nobles peintures à l’huile extra-fine et fine promettent à la marque de marquer les esprits et de faire de cette année un nouveau tournant. Un de plus, pour notre plus grand plaisir…

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« À la fois au service du peintre et à l’avant garde de l’Art, Lefranc Bourgeois invente son métier : un savoir-faire sans cesse réinventé, des couleurs toujours plus fines, expressives ou sophistiquées. »

 

Pour aller plus loin :

Lefranc Bourgeois vous raconte son histoire

Lefranc Bourgeois vous présente ses nouvelles huiles

La nouvelle peinture à l’huile extra-fine de Lefranc Bourgeois

vendredi 20 octobre 2017

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Pour ses 300 ans, la marque qui a libéré les Artistes peintres souhaitent libérer les émotions. Après avoir créé le tube de peinture qui a permis aux peintres de sortir de leurs ateliers, la marque leur propose à présent une peinture au rendu unique, pour libérer et exprimer leurs émotions… Découverte.

La nouvelle peinture à l’huile extra-fine de Lefranc Bourgeois

La nouvelle peinture à l’huile extra-fine propose à l’Artiste une texture plus dense. Cette modification de texture est le fruit d’une recherche de la marque pour comprendre au mieux les besoins des peintres. Ainsi, la consistance de cette huile répond aux attentes des Artistes : une huile plus ferme, non grasse et plus homogène.

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Nouvelle huile extra-fine Lefranc Bourgeois

Lefranc Bourgeois a également veillé au choix de ses pigments. Ainsi la pureté est devenue un critères essentiel de sélection pour les pigments destinés à fabriquer l’huile extra-fine. Les couleurs obtenues bénéficient ainsi d’un pouvoir couvrant exceptionnel et d’une résistance optimale à la lumière et dans le temps.  De plus, les nuances obtenues apportent une grande brillance à l’oeuvre, un éclat saisissant et une singulière intensité.
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D’ailleurs, les chimistes de Lefranc Bourgeois ont réussi à créer pour cette nouvelle peinture à lhuile extra fine un nuancier spécial, qui présente un spectre plus équilibré de teintes, de variations et d’opacités. Le nuancier s’est considérablement agrandit, avec de nouvelles couleurs et bien d’autres avantages… En effet, la gamme propose maintenant 29 nouvelles couleurs et 63 nuances mono-pigmentaires ! Par conséquent, les couleurs sont parfaitement miscibles entres elles, sans risquer d’obtenir des nuances dites « sales ». Cette totale miscibilité est également rendue possible grâce à la suppression des couleurs à base d’oxyde de plomb.

D’ailleurs, 8 des nuances proposées ont l’avantage d’être des peintures sans cadmium. Lefranc Bourgeois est la première maison beaux-arts à proposer une alternative écologique dans la fabrication des ses peintures à l’huile. En plus de devenir bien moins toxiques, les peinture sans cadmium restent éclatantes : la peinture restitue effectivement toutes les caractéristiques du pigment qui la compose. Ainsi, la force et la puissance des nuances restent intactes.

Le saviez-vous ? Les peintures sans cadmium représentent une innovation mondiale, signée Lefranc Bourgeois !

Label Art vous propose l’huile extra fine en 40ml et en tube de 200ml ainsi qu’en set de 12 tubes de 20ml. Retrouvez le nuancier Lefranc Bourgeois en cliquant ici.

Coffret de la nouvelle peinture à l'huile extra-fine Lefranc Bourgeois

Coffret de la nouvelle peinture à l’huile extra-fine Lefranc Bourgeois

La nouvelle huile fine de Lefranc Bourgeois

La peinture à l’huile fine s’adresse aux étudiants, aux amateurs ou aux débutants dans cette noble technique. En effet, l’huile fine permet de s’initier à cette technique tout en bénéficiant d’un très bon rapport qualité/prix. Pour les peintres professionnels ou confirmés, cette huile fine représente une excellente alternative pour réaliser les fonds et aplats ou les ébauches à moindre coût.

La nouvelle huile fine de Lefranc Bourgeois

La nouvelle huile fine de Lefranc Bourgeois

Cette peinture à l’huile présente de nombreuses qualités. Elle bénéficie notamment d’une excellente résistance dans le temps grâce à la qualité de ses pigments. À cela s’ajoute un fort pouvoir couvrant. De plus, ses couleurs jouissent d’une réelle vivacité : les nuances délivrent éclat et intensité, pour de puissants résultats.

Cette nouvelle peinture Lefranc Bourgeois se décline en 48 nuances. Autant de possibilité pour découvrir cette peinture, s’essayer à la technique du couteau ou acquérir des couleurs moins sollicitées.

Coffret pour s'initier à la technique de la peinture à l'huile par Lefranc Bourgeois

Coffret pour s’initier à la technique de la peinture à l’huile par Lefranc Bourgeois

Label Art décline cette huile fine Lefranc en tubes de 40ml et 150ml ainsi qu’en 3 sets de peinture.

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Envie d’en savoir plus sur ces nobles peintures ? Lefranc Bourgeois vous propose de nombreux tutoriels à retrouver en cliquant ici.

Retrouvez également la présentation de ces huiles dans une vidéo signée Lefranc Bourgeois.

Inauguration du LAB de Label Art : cours de peinture à Toulon

mercredi 16 novembre 2016

Depuis quelques semaines déjà, vous êtes nombreux à avoir remarqué que quelque chose se prépare en magasin… Pourquoi ces bâches de protection ? Pourquoi ces ouvriers et leurs outils ? Puis vous l’avez vu, ce panneau « Label Art s’agrandit ». Alors là, vos questions ont continué, et nos réponses se sont faites plus précises… Aujourd’hui je vous dis tout ! Attention, cela risque fortement de vous plaire…
Label Art var

Un magasin beaux-arts dans le Var de près de 600 m²

Avant tout, je peux vous annoncer que Label Art double sa surface de vente ! Ce ne sont plus 300 mais près 600m² de fourniture beaux-arts, de support, d’encadrement et de loisirs créatifs qui vous ouvrent leurs portes. Pour cela, nous avons élargi de nombreuses gammes et en avons rentré de nouvelles.

Les amoureux du dessin et du graphisme seront heureux d’apprendre que nous avons répertorié l’ensemble des marqueurs Winsor & Newton : les Pigment Markers, les marqueurs aquarelle, les Brushmarkers et même les sticks d’aquarelle ! Mais ce n’est pas tout : nous proposons maintenant une large gamme de produits de chez Liquitex : les Encres acrylique Liquitex Ink, les brosses Freestyle et même les marqueurs Liquitex Paint Markers !

Pour les Artistes amoureux des beaux-arts, nos gammes d’acrylique et d’huile se sont considérablement élargies, à l’image de l’arrivée de l’huile Winton de Winsor & Newton, de l’huile extra-fine Sennelier mais aussi de l’acrylique extra-fine de Sennelier.

Tous ces produits beaux-arts vous attendent déjà dans la première partie du magasin, de 300m², que vous connaissez depuis maintenant deux ans.

 

Je vous imagine en train de vous demander… « mais qu’y aura-t-il dans la seconde partie? » et bien… vous y retrouverez tous nos encadrements, avec les dernières collections, mais aussi tous nos supports ! Toiles coton, châssis entoilé en lin, les châssis nus et rouleaux de toile… !

Et ce n’est pas tout…

 

Le LAB de Label Art

Imaginez. Un endroit unique. Un lieu d’échange et de convivialité. Un espace complet dédié à l’Art. Bienvenue dans le LAB de Label Art.

Logo LAB Label Art Six Fours

 

Dans le LAB, vous trouverez des salles de cours, avec des ateliers animés notamment par l’Artiste peintre Sandrot (couvrez son magnifique univers en cliquant ici), mais aussi par le célèbre Renaud JOBIN, la grande Christine COLLIN et, enfin, l’exceptionnelle Geneviève CANTO que nous vous présentions déjà en 2014 (l’article est à redécouvrir ici).

Le ateliers seront également ouverts à tous les Artistes qui souhaitent bénéficier d’un lieu de travail le temps d’une journée, de quelques jours, d’une semaine, d’un mois ou plus…

Les salles de cours de peinture seront dévoilées lors de notre inauguration !

 

Alors, surtout, retenez bien la date : le jeudi 24 novembre. Il s’agit du jour où nous organisons l’inauguration du LAB et de la nouvelle partie du magasin. La journée la plus artistique de l’année !

 

Le LAB de Label Art

 

Retrouvez les détails de cet événement sur notre page Facebook ou n’hésitez pas à nous appeler au 04 94 06 81 80 !

 

Nous vous donnons rendez-vous le 24 novembre, à partir de 10 heures jusqu’à 21 heures pour la plus grande journée créative de l’année !

Camille de Label Art

Le papier Arches

vendredi 27 mai 2016

« Concevoir et fabriquer les meilleurs papiers afin de permettre aux artistes de réaliser leurs plus belles œuvres, qui s’inscriront dans la durée », telle est la volonté de la marque Arches.

Arches_logo

Retour sur la naissance d’une marque atemporelle, dont les papiers ont été adoptés par de nombreux artistes de renoms tels Matisse, Van Gogh, Picasso, Miro, Dali et d’autres depuis plus de 500 ans.

 

L’histoire d’Arches

Depuis 1492, Arches fabrique des papiers de qualité supérieur. Son histoire a débuté en France, dans les Vosges. À cette époque, le papier se fabriquait dans un Moulin à papier.

Dès ses débuts, Arches se démarque pour la qualité de ses papiers. Au cours du XVIIIème siècle, Beaumarchais acquiert le Moulin à papier d’Arches. Il y apporte de nombreuses améliorations techniques et développe son rayonnement commercial et sa notoriété. Au XIXème siècle, le Moulin d’Arches reçoit d’ailleurs une importante commande, sur demande de Napoléon 1er lui-même, pour la réalisation du célèbre « Description de l’Egypte ».

 

Toutefois, l’histoire d’Arches, telle que nous la connaissons aujourd’hui, aurait pu être bien différente…

 

Le pari de la gélatine à cœur dans les papiers Arches :

une exclusivité

En 1826 une nouvelle méthode de fabrication plus rapide et moins coûteuse que l’encollage à la gélatine se développe. Arches prend alors la grande décision de conserver malgré tout la méthode de fabrication qui lui est propre. Ce choix a sans conteste était le bon : aujourd’hui, la gélatine naturelle utilisée à cœur et en surface caractérise cette marque incontournable. Le procédé de fabrication exclusif confère aux papiers Arches une qualité inégalable et fait sa notoriété de l’entreprise. La détermination dont elle a fait preuve a permis de conserver et développer un papier unique, qui résiste au grattage et au gommage, qui jouit d’une très faible déformation à l’humidité, qui confère un rendu et une transparence des couleurs exceptionnels ainsi qu’une excellente conservation dans le temps.

 

La fabrication hors pair du papier Arches

Le processus de fabrication du papier Arches allie les techniques traditionnelles aux innovations permanentes. La qualité est au cœur du processus de fabrication, à chaque étape. De plus, ce processus garantit des feuilles sans acide ni azurant optique, ce qui assure une conservation optimale.

Papier Arches aux fibres en coton

Papier Arches aux fibres en coton

 

            Au commencement est le coton…

Chez Arches, la qualité du coton se détermine par la longueur des fibres, leur couleur et leur propreté. Après leur récolte, les linters de coton se sélectionnent avec soin et minutie pour ne conserver que les plus purs. Ils permettent l’obtention d’une pâte dont le mélange est un secret parfaitement conservé par la marque.

 

            … puis la gélatine naturelle à cœur

Le collage des papiers Arches est unique grâce à une gélatine naturelle à cœur et appliquée en surface, une exclusivité Arches. Cette gélatine garantie la durabilité du papier, la résistance au grattage et le rendu exceptionnel des couleurs.

Le bain de gélatine naturelle est suivi d’un séchage à l’air libre.

 

               L’enjeu des machines à forme ronde

Le processus de fabrication du papier Arches se poursuit lorsque cette pâte passe sur des machines à forme ronde. Cela permet la fabrication des bobines de papier. Et quelles bobines ! Elles mesurent généralement plus d’un mètre trente-trois de large, sur près d’une centaine de mètre de longueur.

La méthode traditionnelle de fabrication sur des machines à forme ronde garantie aux feuilles Arches un grain naturel, un papier stable qui se déforme très peu lorsqu’il est mouillé, et dont les fibres sont parfaitement et régulièrement réparties.

 

            Une signature gage de qualité

Les fibres du papier obtenu détermine le sens dans lequel les feuilles doivent être utilisées. Pour indiquer ce sens, une signature « Arches » est apposée en bas à droite des feuilles. À cette signature s’ajoute le symbole de l’infini, signe de permanence. Cette signature en filigrane se dévoile par transparence. Par contre, cette signature n’est pas apposée sur les feuilles des blocs, des albums et rouleaux.

signature arches

             Une étape de fabrication manuelle

La dernière étape du processus de fabrication des papiers Arches consiste en l’inspection du papier fabriqué. Chaque feuille est vérifiée et le tri se fait de manière manuelle. Cette étape garantie la garantie parfaite du papier.

 

Les différentes textures des papiers Arches

Les papiers Arches se classent selon trois types de texture : le grain fin, le grain satiné et le gain torchon.

Le papier Arches bénéficiant d’un grain fin appartiennent aux gammes Velin d’ArchesVelin Johannot, Velin BFK Rives et Arches pour huile. Le papier au grain fin est pressé à froid. Semi rugueux,  il est dépourvu d’aspérité. Il s’agit ainsi du papier le plus facile à travailler. Par conséquent, il est idéal pour débuter.

La texture du papier au grain satiné Arches, quant à elle, nécessite que le papier ait été pressé à chaud. Les gammes Arches platine et Arches 88 bénéficient d’un grain satiné très doux. Ce papier jouit d’une grande particularité : il laisse glisser la couleur.  Cela en fait un papier difficile à utiliser pour les novices. Il est à utiliser pour les travaux ne nécessitant pas de superposition de couches de médium.

Enfin, le grain torchon se reconnait par ses formes de creux et relief. Ce grain est utilisé dans la gamme Arches pour aquarelle. Il nécessite de la technicité car il peut faire pater les couleurs.

 

Arches a fabriqué un papier innovant qui se démarque particulièrement des papiers à texture unique. En effet, le papier Lavis Fidélis, surnommé « En-Tout-Cas » propose un grain fin au recto, et un grain satiné au verso !

 

Des blocs encollés des quatre côtés

Les blocs de papier Arches ont la particularité d’être encollés sur les quatre côtés. Ainsi, lorsque les créations se font à même le bloc, sans désolidariser la feuille, l’encollage garantie que la couleur utilisée pour la réalisation d’une œuvre ne coule pas ou n’apparaisse pas sur les autres feuilles du bloc.

 

Sur Label Art, retrouvez les papiers Arches en bloc, en rouleau ou à la feuille.

Papier Arches

Le 4 Artist, nouveau marqueur Pébéo

vendredi 20 mai 2016

Le 12 mai 2016, dans le magasin Label Art de Six-Fours-Les-Plages, avait lieu l’inauguration du nouveau marqueur de Pébéo : le « 4 Artist ». C’est aujourd’hui pour nous l’occasion de revenir sur cette superbe soirée animée par l’artiste MIHOUB, et sur la présentation de ce nouveau marqueur, absolument unique.

4ARTIST LOGO

 

Le marqueur à l’huile Pébéo

Caractéristiques du 4Artist

Marqueur à l'huile 4Artist 2mm pointe ronde

Marqueur à l’huile 4Artist 2mm pointe ronde

Le 4Artist Marker s’apprête (et commence déjà !) à révolutionner l’approche du marqueur et de la peinture traditionnelle. Jamais marqueur à l’huile n’avait donné de tels résultats. Les couleurs, très pigmentées, confèrent à la peinture des nuances particulièrement éclatantes, bénéficiant d’un rendu hyper brillant. De plus, grâce à cette qualité pigmentaire, les 18 couleurs du nuancier jouissent d’une garantie de tenue à la lumière et dans le temps.

Grâce aux 4 mèches (2mm ronde, 4mm ronde,  8mm biseautée et 15mm plate) l’artiste varie les rendus, du détail à l’aplat.

Coup de cœur Label Art pour…

  • son séchage extrêmement rapide et homogène
  • la fidélité de couleur humide / sèche
  • les retouches après séchage pour obtenir des nuances, des dégradés ou des estompages

 

L’utilisation du marker Pébéo

Ce marqueur Pébéo exclusif profite des caractéristiques et possibilités de la peinture à l’huile, tout en y alliant les propriétés des marqueurs : finesse des traits, précision, superposition des teintes…

Son utilisation est libre : polyvalent, il s’applique sur toile, papier, bois, métaux… et même en finition de nombreuses œuvres réalisées à l’acrylique, l’huile, ou toute peinture à base de solvant. De même, il s’intègre parfaitement aux créations réalisées au Mixed-média.

Coup de cœur Label Art pour…

  • l’utilisation possible en « giclée » du marqueur, permettant de réaliser des trainées de gouttes de peinture, comme avec un pinceau.
  • la mine toujours chargée en peinture, sans jamais avoir à la réamorcer

 

Lancement du 4Artist Marker à Label Art

Dans notre article « Rencontre avec Mihoub : l’Artiste de la pleine conscience » vous aviez l’occasion de découvrir l’artiste MIHOUB : son histoire, sa carrière, son art… Le 12 mai 2016, nous avons eu la chance de profiter de la présence de cet artiste pour la soirée d’inauguration du 4artist Pébéo : animation, partages, conseils, astuces…

 

Œuvres de Mihoub exposées à Label Art

Œuvres de Mihoub exposées à Label Art

 

 

« Merci à tous pour votre présence … Merci à Pébéo et à Mihoub »

18h30. Caroline CAMPO-DUSSOUET, directrice de Label Art, lance la soirée. L’occasion de remercier une nouvelle fois Pébéo, dont le directeur France, le directeur régional et le commercial sont présents, et Mihoub. C’est également le moment de présenter l’équipe du projet : Bérangère et Karine les conseillères de vente, Sylvain le responsable d’atelier et Camille la chargée de communication.

Lancement de la soirée

Lancement de la soirée

 

«Ah mais c’est nous qui dessinons ?! Je croyais qu’on allait juste regarder…»

Quelques minutes après la déclaration de Caroline, Mihoub annonce le début des tests. Une très bonne nouvelle pour tous ces artistes et passionnés présents à la soirée. Car oui, l’heure n’est pas seulement à la contemplation et à l’écoute, mais au partage et à l’essai ! Rapidement les tables sont occupées, les toiles se recouvrent de couleurs, de traits, de points, et des formes laissent peu à peu distinguer les œuvres en création. L’effervescence est telle que même les enfants se munissent de marqueurs et de supports, pour eux aussi, s’exprimer.

utilisation des marqueurs à l'huile 4Atist Pébéo

utilisation des marqueurs à l’huile 4Atist Pébéo

 

Test des Markers 4Artist

Test des Markers 4Artist

 

«Nous allons passer au tirage au sort ! »

19h30. La soirée bat son plein. Plus de 70 personnes sont réunies dans le magasin. Christian, le doyen de l’équipe Label Art, tout juste parti à la retraite, est revenu en magasin. L’occasion pour lui d’endosser la tâche de tirer au sort les gagnants de notre jeu concours. Trois lots Pébéo sont à gagner. Quelle ne fut pas la surprise générale : une des gagnantes se trouve au magasin! Un moment de bonheur partagé.

Tirage au sort du concours Pébéo

Tirage au sort du concours Pébéo

 

« Et c’est moi. »

Vient alors le moment de tirer au sort le gagnant de la toile « Innocence » de Mihoub. Annonce du nom du gagnant. « Et c’est moi », une phrase simple pour s’identifier, et les applaudissements retentissent. L’heureux gagnant remercie chaleureusement Mihoub et Christian.

 

La soirée reprend alors son cours et se poursuit, jusqu’à 21h.

Quelques créations au Marker 4Artist

Quelques créations au Marker 4Artist

Réalisations au marker 4 Artist

Réalisations au marker 4 Artist

 

Merci encore à MIHOUB pour sa présence, sa gentillesse et sa spontanéité.

Merci à Pébéo pour l’opportunité qu’il nous a été donné d’organiser une telle soirée.

Merci à vous, les artistes, d’avoir répondu présents en si grand nombre.

Rencontre avec Mihoub : l’Artiste de la pleine conscience

mardi 3 mai 2016

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C’est en marchant vers l’atelier, dans les rues de Marseille, que je réalise à quel point les métiers de la création, à mi-chemin entre la découverte permanente et le choix des produits sont formidables. Riches en rencontres, audacieux dans leurs choix, authentiques dans leurs réalisations, osés dans leurs affirmations. Être Artiste c’est emprunter un chemin où rien n’est jamais écrit d’avance. Encore une fois, je me demande qui sera l’Artiste que je vais découvrir dans quelques minutes.

Mihoub… Un prénom, des œuvres et une bio que j’ai parcourue avant de préparer mes questions. La première chose que j’aperçois c’est un sourire, puis des yeux, rieurs, bienveillants. Place à l’atelier, nous entrons dans un endroit magique. Des pinceaux qui ont vécu, des chevalets, des toiles à même le sol qui sèchent lentement, s’imprégnant du temps qui passe, des Canada Dry, une clope, et une heure d’échange remplie de cette énergie qu’il transmet sans même s’en rendre compte.

Mihoub c’est maintenant à mes yeux l’Artiste de la pleine conscience, intuitif et spontané.

Bienvenue dans son atelier. Laissez-vous emporter par l’histoire de Mihoub : son parcours et ses réflexions autour de la vie et du processus créatif. Laissez-vous gagner par la magie de son travail, qui vous touchera, tout comme je l’ai été en découvrant ses œuvres. Place à l’Artiste.

Le parcours

« J’ai décidé de partir à l’aventure. C’était en 2000. J’avais la vingtaine, l’âge où sans doute on est en quête de nouveaux espaces, de nouveaux horizons. J’ai posé mes valises à San Francisco. A ce moment de ma vie, je ne connaissais pas grand-chose à l’Art. Les galeries, les musées, les expositions : ces domaines ne m’étaient pas familiers.

C’est quand je suis revenu pour la seconde fois dans cette ville deux ans plus tard, que tout a basculé. Mon histoire d’Artiste a commencé en décembre 2002.

Je vivais en colocation, je partageais un appartement en centre-ville, dans un quartier où beaucoup de personnes créaient. Ma colocataire réalisait des collages. Et puis il y avait ce designer qui vivait dans le même bâtiment. On voulait tous créer. Moi, j’écrivais des poèmes. Et nos jeunes années nous amenaient à réfléchir, à poser nos propres bases, on était en quêtes identitaires.

Quand mon ami designer est parti, j’ai acheté sa table et sa chaise. Et j’ai commencé le dessin. Je voulais au tout début dessiner des lampes. C’est à ce moment précis que j’ai commencé à faire émaner de mon esprit des personnages. On les voyait dans mes dessins de lampes. Je comprenais que la créativité jaillissait.

C’est sans doute le départ de tout, et surtout de cet émerveillement qui ne m’a jamais quitté. De celui qui te touche dans ton être profond, de celui qui transcende tout. S’émerveiller en permanence. C’était incroyable. J’éprouvais cette fascination originelle de la créativité, je découvrais le monde. Je me sentais aussi transporté qu’un Christophe Colomb découvrant l’Amérique ! Cette énergie-là m’a envahi et porté, immédiatement. Plus de retour possible. Je ne m’en suis jamais séparée.

Au début, je dessinais sur des tous petits formats, au crayon gris. Mes créations étaient très spirituelles, très chargées, comme si elles portaient des messages magiques.

J’habitais à Geary Street. C’était l’endroit qui réunissait sur un périmètre restreint de véritables chefs d’œuvres du surréalisme. Je n’avais que quelques mètres à parcourir et j’ouvrais les portes des galeries Là c’était un Dali, ailleurs un Miro ou un Picasso.

Je découvre l’Art, c’est à nouveau un émerveillement total ! La révélation absolue. Et je me mets à dessiner sur la place pendant 10 jours. Ces petits dessins au crayon gris ! Je vois des personnages apparaître, des lignes, des formes, cela me semble totalement incroyable. »

– Et tu dessines, ta carrière est lancée

« Oui je dessine. Je renvoie à ce moment-là une énergie incroyable. Je suis transporté et je crois en mes dessins. On est à San Francisco, pas à Paris. Aux US, si tu mets du bonheur dans ce que tu fais, le public te le renvoie. C’est allé très vite. J’entends « Waooh ! Mihoub ! C’est un travail magnifique ». Au bout d’un an, ma première exposition est lancée : « One year, One show ».

J’ai dessiné avec mon cœur. Avec du recul, je réalise que ce premier jet n’était pas encore abouti. »

– Mihoub, si tu es découvert si vite, toi, l’artiste autodidacte, c’est que tu as du talent !

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« J’avais un don. Mais aujourd’hui, avec un œil plus critique, en ayant vu le travail d’autres artistes, mes œuvres de l’époque n’étaient pas encore abouties.

J’ai aussi eu la chance de ne jamais galérer pour vendre mon Art. J’avais un emploi à côté. J’étais serveur et j’attaquais à 15 heures. Je finissais tard le soir. Le matin je me levais tôt et je dessinais. J’avais le temps de gérer ma passion et mon métier. J’ai pu aussi découvrir les magasins de ventes de produits beaux-arts. J’étais toujours chez Pearl’s. D’ailleurs, je voue une véritable passion aux magasins beaux-arts. Le seul magasin qui ressemble à ce que j’ai pu voir à San Francisco, c’est Passage Clouté à Paris, rue des boulets. Je ne manque jamais d’y passer quand je suis sur Paris. Bref, pour résumer : j’éprouve aussi un véritable amour pour les magasins de fournitures beaux-arts. »

« Je commence à fonder les bases de mon Art. Un Art très simple. »

Un jour un ami m’offre une boîte de pastel. C’est ainsi qu’un dessin magique est né : « L’enfant du monde ». Je contemplais ma réalisation en me disant que j’arrivais à dessiner des portraits bien que je sois totalement autodidacte.

Au-delà de ce constat, il existe cette fondation incontournable qui est et demeure le subconscient.

« L’Art ce n’est pas uniquement une création spontanée, c’est aussi ce moment présent où tout s’arrête. Ce moment où tu es ce que tu dois être, c’est-à-dire créatif. Tout être humain devrait être créatif. »

Aujourd’hui bien sûr, j’en parle avec du recul mais à l’époque, j’étais totalement illuminé. J’étais persuadé que j’allais devenir le plus grand peintre de tous les temps (rires). Cette énergie, cet ego sans doute démesuré m’a porté et c’est ainsi que j’ai duré. Je n’ai jamais cessé de croire. »

« Les clés dans la création sont : persévérance patience et croyance. Sans la croyance, sans la foi, tu ne peux rien créer. Je crois en mon Art depuis de longues années et cette énergie positive qui se dégageait les premières heures où j’esquissais mes premiers dessins allait me porter vers tout ce que je souhaitais : être et vivre en pleine conscience. »

La découverte de nouveaux horizons

« Un artiste m’a dit un jour « la seule chose que tu ne dois jamais faire c’est arrêter la peinture ». Alors j’ai décidé de découvrir d’autres horizons. Il y a eu Barcelone, Londres, la Malaisie. Certaines périodes étaient chargées de créativité, d’autres plus calmes. Je suis un peintre spontané, intuitif, je marche devant un chemin qui s’ouvre et se crée sous mes pas. »

Tu ne le connais pas ce chemin ?

« Non (silence).»

«Ce qui me permet d’avancer sur le chemin, ce sont les supports. Pour le moment les supports me permettent le travail de la matière, de la texture. San Francisco c’est l’initiation. Une période pendant laquelle j’ai beaucoup exposé. Mais on ne peut pas peindre et exposer. Des choix sont à faire. Quand on crée, on n’a ni le temps ni l’énergie de courir aux vernissages. Si San Francisco est ma référence, le point où tout a commencé, le chemin s’ouvre et se découvre sans cesse depuis. »

– « The more I paint the more I like everything ». Basquiat. Je comprends dans cette phrase que plus je peins plus je comprends le monde et plus je l’aime. C’est ton avis ?

« Non. La peinture ne m’aide pas à aimer le monde mais à être en contact avec mon être profond et à me recentrer sur mon être.

C’est important pour moi. Peut-être en revanche qu’elle améliore ma perception du monde.

Les phrases d’artistes qui ont été des pivots dans ma carrière il y en a deux :

A la question posée à Pollock (qui a été pour moi une grande source d’inspiration) : Comment savez-vous quand vous avez terminé une peinture ? Ce dernier répond : Comment savez-vous quand vous avez fini de faire l’amour ?

C’est exactement ça la peinture, c’est exactement ça la création.

Une autre phrase m’a marqué profondément. C’est encore une question posée cette fois à Pierre Soulages : Quelle est votre peinture préférée ? Il répond « Celle que je vais faire ».

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–  Tu as écrit : « Our mind is the last free space that we can explore or ignore… »

C’est l’esprit il n’y a plus que ça, surtout dans le monde dans lequel nous vivons aujourd’hui. Et on voit avec la physique quantique, avec tout ce qui se passe chez Google où ils sont en train de créer des clones virtuels de nous-mêmes : l’esprit contrôle les actes. On se donne des défis incroyables comme celui d’aller sur la lune, mais en fait le plus important, c’est l’esprit : celui qui nous habite et nous transporte. C’est lui et lui seul qui nous permet de nous réaliser.

Pour en revenir à cette phrase de Basquiat, ce n’est pas tant le but de comprendre le monde qui m’anime dans ma peinture, mais cette notion de me sentir vibrer quand je peins. Quand tu crées une œuvre, tu ne la gommes pas, tu la vis ! C’est la vraie Liberté. »

Te coupes-tu parfois de ta peinture pour justement l’explorer à nouveau ?

Il m’arrive de me laisser des temps de pose. Mon esprit accumule alors des informations inconscientes et analyse son espace, les interactions humaines. Mes dessins et peintures en seront les représentations a posteriori. Je ne donne mes titres qu’une fois ma création finalisée. Et quand je reviens à l’Art, le mouvement, et l’énergie créative repartent d’une façon merveilleuse.

Tu habites Marseille. Es-tu inspiré par cette ville et ses habitants ?

Quitter San Francisco pour revenir en France a été difficile. Comme pour de nombreuses personnes ayant goûté à l’expatriation. Quand je suis arrivé à Marseille, j’ai immédiatement été saisi par la similarité avec San Francisco, similitude dans l’approche humaine. Par exemple, à San Francisco, au Blue Danube, un petit bar sans prétention où j’aimais prendre mon café du matin, l’auteur d’un Best Seller côtoie l’écrivain qui peine, tout ce petit monde se fréquente, sans prétention aucune si ce n’est celle de partager un moment complice ou solitaire. Mixité, toutes classes mélangée, toute ethnie confondue. J’ai ressenti cette similarité immédiatement à Marseille où j’ai mon atelier. Je possède un héritage arabe. Marseille c’est une ville, un port, des cultures qui vivent ensemble, des richesses incroyables. A Marseille tu as le sentiment que tout peut arriver. »

« Marseille c’est encore une ville de création, et non une ville d’exposition. »

– Où peut-on voir ton travail ?

Pour le moment dans mon atelier sur rendez-vous. Je ne montre pas beaucoup mon travail quand je suis en phase de création. Je reste concentré et je peins. L’exposition selon moi se fera naturellement quand l’aboutissement de mon travail sera au rendez-vous.

Je prépare aussi une exposition avec un collectif d’Artistes à la rentrée.

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Focus sur …

Peindre en pleine conscience. « Sois le changement que tu veux voir dans le monde ».  (Gandhi).

« Mes gènes, mon sang et les générations qui ont forgé l’être que je suis sont mon héritage culturel et religieux. J’ai été naturellement attiré par le soufisme. C’est en quelque sorte le mysticisme de l’Islam. Méconnu sans doute et pourtant le phare de cette religion. L’ancien Islam le portait et le propageait, celui interprété par une civilisation raffinée et aboutie, à l’aube, à la naissance de cette religion, le soufisme faisait déjà pleinement partie du monde des anciens. On dit que c’est le cœur même de l’Islam. On le vit, on le ressent profondément, c’est à l’intérieur de nous et lorsqu’on souhaite le décrire c’est souvent une tâche impossible.»

« Un jour, un homme a demandé « Pouvez-vous nous expliquer ce que vous ressentez ? ». Il a répondu : « Pouvez-vous expliquer à quelqu’un qui n’a jamais goûté le miel ce qu’est le miel ? ».

« La pleine conscience c’est un ressenti. Très précieux, très personnel. Il vibre en toi, ici à ce moment-là, tu as chassé l’égo, tu es face à toi, ton être profond et tu rayonnes. Quand tu rayonnes, tu touches le monde. C’est dans la bienveillance, dans cette énergie, qu’à ce moment tu propages ce courant et c’est à ce moment que les autres sont touchés sans même qu’ils s’en rendent compte. C’est magique. Si on veut que le monde aille bien, chacun doit se connecter à son être intérieur et apporter sa propre lumière. »

 

Secrets d’Artiste

L’approche créatrice

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Au tout début de ma carrière d’Artiste j’étais fasciné par les yeux. Et je dessinais de multiples lignes, sens, et courbes, des codes dans les lignes, des messages qui se perdent au détour de multiples chemins pour mieux se retrouver. Un mélange de géométrie une approche sans doute plongeant son inspiration dans la physique quantique, ce langage multiple laissé ouvert à des interprétations de tous les possibles.

Chacun prend et interprète en fonction des sens et des chemins qu’il souhaite emprunter.

J’ai rapporté de la librairie du Mucem un ouvrage sur la calligraphie. Le mouvement « calligraffiti » est né de ces multiples sens et sans comprendre toute la calligraphie arabe, j’aime contempler les écritures pour en interpréter certaines dans mes dessins. C’est un côté mystique qui revient et que j’aime dessiner dans toute sa spontanéité.

 

Mihoub

50 rue Cristophole

13003 Marseille

Site web

Page Facebook

 

Mihoub sera notre invité d’honneur le 12 mai à l’espace Label Art

Chemin des Delphiniums, Quartier Bassaquet, 83140 Six-Fours-Les-Plages

18h-21h : Trois heures de performance pour une soirée hautement artistique autour du lancement de la gamme 4ARTIST Marker by Pebeo

Entrée gratuite, sur réservation à happening@label-art.fr

 

En savoir plus sur le calligraffiti : Le graffiti arabe, Pascal ZOGHBI édition Eyrolles

 

Interview réalisé pour Label Art par Caroline CAMPO-DUSSOUET ©

Crédit Photos : Caroline CAMPO-DUSSOUET ©

Remerciement à Mihoub et à l’équipe Pébéo initiatrice du projet, notamment à Sébastien Arcouet et Yannick Cormerais. Merci à Jean-Luc de Pébéo pour sa patience.  Merci à l’équipe de Label Art pour son implication sur ce projet. Merci à Passage Clouté pour sa dynamique et son rayonnement de Paris à San Francisco :-)

 

 

 

Comment raviver une peinture à l’huile : la solution est ici !

lundi 25 avril 2016

Bonjour à tous !

 

Aujourd’hui Roland Charbonnier nous apprend comment raviver une peinture à l’huile.

« Voici un petit paysage que j’ai peint dans le cadre de mes cours à l’atelier, avec mes élèves. Ce paysage est assez sympathique, il est tout mignon. Pour la composition nous n’avons rien à dire, ça marche bien. Nous avons de belles perspectives, le travail des volumes est bien rendu. Mais ce qui me gêne dans ce paysage, c’est qu’il est triste… je le trouve très triste. Cela va être l’objectif du jour : comment donner, à un travail qu’on a exécuté, un joli coup de peps, lui donner de la vigueur, lui redonner de la vie, le booster en couleurs… et tout cela avec l’usage des glacis à l’huile. Ce paysage est, j’ai oublié de le préciser, peint à l’huile.

Notre tableau, dans sa version originale : petite analyse brève qui va déterminer nos objectifs. Le ciel est trop pâle, la pierre également manque de couleur, le lac aussi… tout manque de couleurs. C’est une version trop proche de la réalité. Dans la réalité les couleurs ne sont pas aussi vives que ça. Mais nous, peintres, on a la possibilité d’extrapoler et de booster les couleurs.

Nous allons travailler avec de l’huile Van Gogh de chez Talens, du médium à peindre évidemment et des brosses en Kevrin pour appliquer tout cela en glacis. En effet, notre peinture est sèche c’est donc avec la méthode des glacis, la technique des glacis, que nous allons booster la couleur.

1ère étape : le ciel

Nous mélangeons du médium, avec un peu de bleu primaire (beaucoup de médium avec un peu de couleur) de manière à former un jus. Nous l’appliquons ensuite sur le ciel, qui a va tout de suite prendre un peu plus de peps. Pour appliquer les glacis il faut des brosses souples. Une brosse plate Kevrin est parfaite pour cela. Elle permet à la fois d’appliquer le glacis et de bien le fondre, l’étirer, le lisser. Cette même couleur de glacis teintée de bleu primaire je vais l’appliquer aussi sur les montagnes au lointain, puis je vais raviver l’arrière-plan : la petite forêt avec du vert de vessie. Enfin je passe à l’étang et au lac, qui pour être conforme au ciel, est ravivé avec du bleu primaire. Ce n’est pas grave si on déborde : il s’agit de glacis donc on ne risque pas de dénaturer le tableau ou les autres motifs. Pour la pierre nous allons utiliser simplement du glacis avec de la sienne naturelle et de l’ocre jaune, que nous allons appliquer sur la maison et sur les parties de pierre en lumière. Nous voyons tout de suite la différence, c’est flagrant, carrément magique ! Je nuance : tantôt mon glacis est un peu plus nuancé en couleurs, parfois moins pour créer des variations.

2ème étape : les zones d’ombre

Ensuite je passe aux zones d’ombre de la pierre, des pilastres en pierre et de la maison. Pour cela je vais utiliser, et oui, du violet ! Une valeur froide mais très colorée. Cela a un rapport très joli avec ces murs, ces parties de mur en pierre de lumière jaune. Pour l’herbe au premier plan cela va être avec du jaune : un glacis de jaune et d’ocre jaune mélangé. Et voilà, un petit coup de booste sur mon herbe, c’est suffisant.

Je fais la même chose, avec la même valeur de glacis -jaune et ocre jaune-, sur les branchages apparaissant dans le ciel en partie haute. À ce stage je remarque que mes nuages, eux aussi, manquent de couleur. Je vais donc les raviver. Et pareil, pour avoir touché à toutes les surfaces je fais un petit glacis avec de l’orange sur le toit de ma maison.

 

Voilà, mon travail de glacis est achevé. Maintenant vous pouvez vous amuser à comparer cette version-là, avec ses couleurs boostées, lumineuses, chaudes, vivantes, gaies, avec l’ancienne version, qui était plus triste et fade… mais qui peut plaire aussi !

Vous avez maintenant saisi l’une des utilités du glacis, c’est facile, c’est rapide et super efficace !

 

Merci d’avoir suivi cette vidéo.

RDV sur le site Label Art et sur le compte Facebook pour profiter des démos, des photos et des pas à pas pour s’enrichir. »

 

Merci Roland pour tous ces conseils.

 

Peinture à l’huile : maîtriser les auxiliaires

lundi 27 avril 2015

Apprendre à peindre, ce n’est pas essentiellement savoir dessiner, manier les couleurs, savoir placer les ombres et les lumières. Apprendre à peindre c’est aussi posséder une bonne connaissance des matériaux. Dans ce cours, Roland de Label Art vous explique comment utiliser les auxiliaires en peinture à l’huile. Les huiles de lin, essences de térébenthine, médiums à peindre et vernis à tableaux n’auront plus de secret pour vous !

 

La peinture à l’huile nécessite une solide connaissance technique

Créer son propre médium à peindre en utilisant les justes doses, choisir un glacis et l’utiliser au mieux de ses capacités, apprendre à maîtriser les effets texturaux ou encore adopter le bon geste pour vernir une toile. Connaître les temps de séchage, et savoir utiliser au mieux l’ensemble des auxiliaires de peinture : voilà l’objet de ce cours qui en moins de 15 minutes vous permettra de faire un tour d’horizon et d’aller encore plus loin dans votre technique picturale.

Ce cours est dédié à tous les peintres à l’huile, aussi bien aux initiés qu’à ceux qui souhaitent se lancer.

Le médium à peindre en peinture à l’huile

Découvrez la recette de base, et apprenez à doser entre l’huile de lin, l’essence de térébenthine et le siccatif. Apprenez à rendre un mélange fluide à moindre coût.
Il existe aussi une multitude de médiums à peindre dans les magasins spécialisés beaux-arts, apprenez à choisir celui qui conviendra le mieux à votre peinture et possèdera une influence directe sur votre façon de peindre.
Certains médiums à peindre auront une prise rapide qui figera la peinture rapidement sur la toile, d’autres permettront de travailler plus en fondus et dégradés et dans le temps. Chaque médium à peindre possède ses atouts, Roland vous explique comment choisir le bon en fonction de votre travail.
Comment appliquer chaque médium ? Utiliser un pinceau ? Un couteau à peindre ?
Peut-on les mélanger entre eux ? Les diluer avec des essences ? Incorporer de l’huile de lin dans des médiums déjà préparés ?

Peindre gras sur maigre

Pourquoi respecter cette règle ? Qu’est-ce que peindre gras sur maigre signifie exactement et quel rôle joue chaque médium pour chaque couche de passage de peinture ? Quels sont les risques si un artiste peintre ne respecte pas cette règle de base ? Autant de questions auxquelles Roland répond afin de vous montrer comment fonctionne cette règle, en la respectant et en fabriquant un médium à peindre amaigri (avec une concentration de résine moindre) pour les couches les plus maigres.

Savoir choisir son vernis à tableaux

Savez-vous qu’il existe un vernis à retoucher et que son rôle n’est pas seulement de retoucher un tableau mais de le protéger provisoirement en nourrissant en profondeur les couches de peinture à l’huile, avant de passer un vernis définitif à tableaux ?
Le vernis à tableaux définitif ne peut pas être utilisé avant une période variant entre trois et six mois après la dernière touche de peinture. Il existe des vernis à peindre aux finitions mats, brillantes ou satinées.
Le passage d’un vernis à peindre en formule « flacon » nécessite l’utilisation de brosses larges appelées spalter. Vous pouvez aussi opter pour des vernis en spray.

Vous l’aurez compris, une bonne connaissance des produits est nécessaire dans l’apprentissage de la peinture à l’huile.
Si vous souhaitez enrichir ce cours en livrant à nos lecteurs vous astuces en matière de peinture à l’huile, n’hésitez pas !

Bon visionnage et merci d’être passés par ici !

Elisa de Label Art

Pour aller plus loin :

Voir tous nos cours vidéo sur notre chaîne YouTube : LabelArt Video

Comment réussir à peindre une nature morte ?

lundi 20 avril 2015

Peindre une nature morte

Ce mois-ci Label Art vous amène dans l’atelier de Roland Charbonnier qui vous dévoile tous les secrets pour peindre une nature morte. Si la « peinture s’apprend sans les musées », alors c’est en misant sur l’observation des sujets déjà réalisés qu’il est aussi possible de tirer un enseignement et d’avancer, aussi bien en matière de dessin que d’utilisation des peintures beaux-arts ou de mise en place de perspectives, de jeux d’ombre et de lumière.

J’ai donc demandé à notre expert favori de commenter et nous expliquer tout sur une œuvre de sa composition que j’aime beaucoup.

Voila l’œuvre en question. Elle parait toute simple, mais, à la lueur de ses explications il n’en est rien. Voici donc les différentes étapes pour travailler tout en effet et harmonie.

L’utilisation d’une palette de couleurs définie

« Oui cette petite nature morte n’est pas une œuvre majeure mais elle suit beaucoup de règles et d’effets qu’il est intéressant de connaître et d’adopter pour un résultat efficace et harmonieux.
Premier constat, ma palette de couleur est très réduite sur ce tableau. Nous percevons du rouge et du vert. Aucune autre couleur ne vient perturber cette harmonie, le rouge étant complémentaire du vert. L’harmonie se joue donc qu’au travers des nuances entre ses deux couleurs et l’équilibre qu’elles composent dans cette complémentarité. Le gris présent lui aussi reste neutre.
Bien entendu, avec seulement deux couleurs, pour enrichir le tableau il faut apporter beaucoup de nuances, du clair au foncé, et du froid au chaud.

La composition et les différents plans d’équilibre

Le premier plan sera composé de valeurs chaudes et saturées (fortes) déjà, et l’arrière plan des valeurs plus froides et plus légères.
Pour ce qui est aussi de l’organisation des couleurs, mon premier plan, et sujet principal, est exprimé avec la couleur la plus chaude et vive, donc le rouge de la pomme. Il n’eut été pas judicieux de peindre une pomme avec un rouge aussi fort, et même atténué en arrière plan. »

 

La progression des nuances

« Comme on le voit sur ce détail, la touche aussi a son importance. Le premier plan est peint avec plus de précision, des contours plus nets, alors que l’arrière plan lui est flou. Cette progression vers le flou, plus les objets sont « loin » produit un effet de profondeur subtil et joli. Cet effet associé au travail des couleurs donne une composition non plane et tout en perspective. »

« Pour le rendu du relief des fruits, j’ai travaillé les dégradés et contrastes entre clairs (lumières) et foncés (ombres) en tenant compte de l’effet d’éloignement. La différence entre ombres et lumières en arrière plan est moindre qu’en premier plan. Ensuite je suis resté pour ces gradations dans des valeurs colorées en raccord.  Pour exemples : L’ombre propre de la pomme rouge est un rouge très foncé, pour la pomme verte c’est un vert très foncé aussi. »

Le travail des détails en peinture

 

 

« Voila un petit effet bien sympathique mais qui n’a pas seul but de faire joli. Toute la partie basse du tableau manquait de détail et plaçait la composition globale trop en hauteur. Le travail des gris pour exprimer le drapé ne suffisait pas pour l’équilibre. Ce petit filet de couleur ajuste la composition. Ce n’est pas son seul intérêt puisqu’il permet aussi une meilleure lecture du relief donné par les plis. »

« Autre petit effet qui amène du réalisme à l’ensemble, c’est le reflet des pommes dans la timbale et celui de la poire dans la louche. Cela apporte l’illusion de la brillance de ces matières. »

« Voila comment avec quelques règles et astuces, on optimise le rendu d’une nature morte. »

Comme quoi une bonne analyse technique d’un tableau, avec des commentaires riches, des explications claires et précises, est un vrai cours. Merci Roland

 

Pour aller plus loin

Cours et commentaires Palettes : 45 numéros commentés par Alain Jaubert, pour tout savoir sur les grandes toiles de maîtres

Conseils aux artistes peintres qui débutent

jeudi 16 avril 2015

Se libérer de l’appréhension pour aller toujours plus loin

Waaaaooooh !!! Me voila devant ma toile blanche. Par quoi démarrer ? Comment peindre ? Je fais quoi maintenant ? Quels produits je dois prendre ? Les premières fois sont toujours mémorables car source d’angoisse. Cette peur et un manque d’expérience nous amène parfois à l’abandon. Mais tout le monde a vécu sa première fois. Voila donc quelques conseils à tous ceux qui souhaiteraient peindre, pour que cette nouvelle expérience vous libère de vos appréhensions et, bien au contraire, vous gratifie de satisfaction pour poursuivre.

Je pourrai tout d’abord vous conseiller de faire vos premier pas dans un atelier en suivant la pédagogie d’un professeur. Ce serait un choix judicieux, mais encore faut-il trouver le bon. Comment le choisir ? Sur quels critères se fonder ? J’ai déjà débattu sur le sujet, donc chers amis prudence ! Mes conseils s’adressent alors plus précisément à vous qui réalisez un de vos rêves, à l’abri des regards dans votre petit cocon.

Peindre ce n’est pas facile. Ce sera un long parcours. Il faudra du temps et une multitude d’essais pour faire de jolies choses et acquérir une certaine aisance. Cela dit on peut se faire plaisir très vite.

Quand j’ai posé cette question à Roland, il m’a tout simplement répondu que, le concernant, il avait appris à peindre en copiant les œuvres des grands maîtres, puis en s’inspirant de ses artistes favoris, avant de composer ses propres œuvres. C’est une bonne voie pour débuter. La copie reste une bonne école. Encore faut il choisir une œuvre pas compliquée et abordable comme premier sujet. Un Van Gogh, ou un Matisse, par exemple sont des bons choix, car le graphisme est simple et le travail des couleurs aussi. Ou bien trouvez comme modèle une carte postale avec une illustration simple aussi. Et si cette idée ne vous séduit pas, choisissez de peindre d’après une photo elle aussi très simple dans sa composition.

En contre exemple, réaliser un portrait comme premier sujet est suicidaire !! Bien trop compliqué !! Une fleur en gros plan, un paysage assez dépouillé sans personnage, sans architecture, sans trop de détails, sont des idées qui peuvent faire de sympathiques petits tableaux. Donc vous l’aurez compris, il faut voir ses ambitions à la hauteur de ses compétences.

Bien choisir son matériel beaux-arts

En ce qui concerne la technique et le choix du matériel, huile ou eau, aquarelle ou pastel, etc. Là aussi il y a quelques données à prendre en compte. Je conseillerai en premier lieu de se munir de matériel de bonne qualité. Avoir de bons pinceaux et des couleurs de bonnes qualités facilite la manipulation et optimise le rendu. Se procurer des toiles ainsi que des papiers (pour l’aquarelle) d’excellente qualité n’est pas un aspect à négliger non plus. Donc pas de gouache comme on trouve dans les écoles primaires mais de la gouache beaux-arts telle que Linel de Lefranc & Bourgois par exemple qui a fait ses preuves auprès de Matisse notamment, pas de couleurs à l’huile ou à l’acrylique vendues dans des magasins discount, et pas de brosses achetées par lot de 10 à 1 € dans ses mêmes magasins.

Lire, écouter, regarder, s’inspirer …

Pour la mise en œuvre de ces couleurs, faites déjà un petit tour sur des vidéos postées sur les réseaux sociaux, pour comprendre leur utilisation et comment les appliquer. Je ne saurai que trop vous recommander de visionner celles de LabelArtVideo évidemment. Lire aussi une multitude de conseils pour retenir l’essentiel. Avoir en mémoire quelques théories est bénéfique avant la pratique. Exactement comme une recette de cuisine, on n’improvise pas une blanquette de veau si on n’a jamais cuisiné. On va regarder un chef sur une vidéo, lire différentes recettes dans des livres, et puis, informations en tête, on s’exécute. Préférez néanmoins le travail à la peinture acrylique dans le cadre de votre premier essai en « freelance ». Ce matériel accepte les erreurs car on peut corriger, repasser à volonté, grâce au séchage rapide qu’il offre. Ensuite faut se lancer sans avoir peur de l’échec.

Et vous, quelles sont vos recettes pour vous lancer ?

Pour aller plus loin

Cours de peinture LabelArtVideo

Le Livre à connaître (si ce n’est déjà fait) : LE Gombrich, l’ouvrage de référence