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Comment choisir son châssis entoilé pour peinture

mardi 13 décembre 2016

Bonjour à toutes et à tous,

Aujourd’hui, je vous propose de rejoindre Roland pour suivre avec lui un cours de peinture sur le thème du choix du châssis entoilé. En effet, lorsque nous peignons à l’huile ou à l’acrylique, nous sommes confrontés au problème du choix du support. Alors, sur quelle toile travailler ? Roland nous invite à passer en revue les toiles existantes et nous explique ce qui fait leurs qualités et leurs différences…

chassis entoilé

Les toiles polyester (toiles synthétiques)chassis polyester label art

Le châssis polyester a l’avantage de proposer une toile très souple, au tissage très fin. Personnellement je l’aime bien.

Comme elle est très lisse, elle est parfaitement adaptée au travail en trompe l’œil, et sera particulièrement appréciée des artistes qui aiment à réaliser de beaux glacis.

Les toiles cotonchâssis coton

Cette qualité de toile est bonne : elle ressemble au synthétique mais elle est beaucoup plus souple. Cette souplesse engendre le seul inconvénient de cette toile : le châssis coton a tendance à se détendre. Il suffit alors d’utiliser les clés pour retendre la toile. Le châssis entoilé en coton reste néanmoins un bon support, sur lequel il est intéressant de travailler.

La matière suprême : le lin

chassis lin label artMoins souple que le coton, le châssis pour peinture en lin conservent ses tensions plus longtemps. Les toiles en lin sont solides et résistent à l’humidité. Ces toiles ont effectivement l’avantage d’être parmi les moins fragiles. Il existe différents types de lin: lin moyen, lin fin, lin fort… le type définit le grain de la toile. Chacun préférera un certain grain selon son goût et sa technique. Personnellement, je ne travaille jamais en épaisseur et je préfère le grain fin. Toutefois, un châssis entoilé en lin épais ou moyen sera apprécié si on travaille au couteau, pour accrocher la matière notamment.

Le lin existe également en lin brut, appelé lin naturel. Ce support est top mais il faut tout de même le préparer en passant un apprêt… Sinon cela devient très périlleux ! Les châssis en lin brut est un support très intéressant.

Les cartons toilés

Les cartons entoilés consistent en une toile de coton collée sur un morceau de carton. Ils sont très bien pour les travaux d’étude. Ce support économique est de plus très agréable. Il convient de privilégier les petits formats, car les grands cartons ont tendance à se gondoler. Pour parer à cela, il peut être possible de coller un tasseau de bois au dos du carton toilé.

carton entoilé label Art

Reconnaître la qualité de sa toile de peinturechassis en bois label art

Ce qui fait la qualité d’une toile est sa tension, sa capacité à rester en tension, bien tendue, pour ne pas gondoler.

« La qualité dépend de la nature de la toile mais aussi du châssis. »

Le châssis doit être en bois : un bois de qualité, pas du petit bois qui risquerait de se gondolera à l’humidité. Regardez au dos des tableaux pour voir s’il est solide et de bonne épaisseur pour garantir la stabilité. Le châssis en bois doit également présenter un biseau afin que le tasseau ne touche pas la toile. En effet, si le châssis touche la toile alors il se verra lorsque l’artiste peindra. Veillez à ce qu’il y ait bien ce biseau ou alors un rebord, qui éleverait la toile au dessus du châssis.

Les encoches pour mettre les clés sont très importantes également. En effet, elles permettent de régler la tension des toiles. Les clés doivent être bien adaptées au châssis. Cela est rarement le cas, voir jamais le cas dans les toiles pas cheres de mauvaise qualité.

 

Comment tendre une toile sur un châssis

Pour tendre la toile, il faut enfoncer les clés (partie plate contre le châssis) dans les encoches. Ensuite, à l’aide d’un marteau, on les enfonce bien. Les clés se posent deux par deux. Un fois qu’on les enfonce les clés écartent les tasseaux et tendent le châssis, ce qui créé une meilleure tension sur la toile. Les clés doivent s’installer avant de peindre, ainsi il ne reste qu’à régler la tension une fois l’oeuvre achevée.

 

L’enduction des châssis entoilés

Enfin, dernière point sur ce qui fait la qualité d’une toile : l’enduction. L’enduction est l’apprêt (le gesso) qui est appliqué sur la toile pour lui permettre de recevoir la peinture. Aujourd’hui il n’existe quasiment que des enduits universels, les supports pourront donc servir à travailler les techniques de l’acrylique et de l’huile. Avant, des enductions grasses existaient, précues pour le travail à l’huile, mais aujourd’hui cela est rare et obsolète. En effet, de nos jours les enductions maigres (à l’acrylique) sont tout à fait performantes.

« De l’enduction dépend aussi la bonne planéité de la toile. »

Si l’enduction est trop maigre, trop fine, nous risquons de voir le grain de la toile, et ce grain va absorber la peinture. Le travail sera en sera plus difficile. Ce facteur, important, détermine également la qualité de la toile.

Les toiles de lin brut sont également apprêtées. Cela ne se voit pas, c’est un apprêt invisible, un gesso transparent. Cette sorte de résine acrylique pure, bien qu’elle soit invisible rentre dans la gamme des enductions.

chassis lin naturel label art

 

Maintenant que vous savez tout, voici un dernier petit conseil : si vous achetez malgré tout une toile dans les magasin discount, toile qui ne coûte rien mais qui est d’une qualité exécrable… Avant de travailler, je vous conseille tout de même de mettre du gesso pour parfaire l’apprêt. Mais évitez cela…

« De la qualité de la toile dépendant la qualité de l’oeuvre ! »

 

Ce sont sur ces derniers mots que Roland clôture notre cours du jour. J’espère que celui-ci vous aura plu ! N’hésitez pas à nous faire part de votre expérience ou de vos préférences.

Pour visualiser la vidéo de Roland, cliquez sur l’image :

cours peinture

À très bientôt,

Camille de Label Art

Comment raviver une peinture à l’huile : la solution est ici !

lundi 25 avril 2016

Bonjour à tous !

 

Aujourd’hui Roland Charbonnier nous apprend comment raviver une peinture à l’huile.

« Voici un petit paysage que j’ai peint dans le cadre de mes cours à l’atelier, avec mes élèves. Ce paysage est assez sympathique, il est tout mignon. Pour la composition nous n’avons rien à dire, ça marche bien. Nous avons de belles perspectives, le travail des volumes est bien rendu. Mais ce qui me gêne dans ce paysage, c’est qu’il est triste… je le trouve très triste. Cela va être l’objectif du jour : comment donner, à un travail qu’on a exécuté, un joli coup de peps, lui donner de la vigueur, lui redonner de la vie, le booster en couleurs… et tout cela avec l’usage des glacis à l’huile. Ce paysage est, j’ai oublié de le préciser, peint à l’huile.

Notre tableau, dans sa version originale : petite analyse brève qui va déterminer nos objectifs. Le ciel est trop pâle, la pierre également manque de couleur, le lac aussi… tout manque de couleurs. C’est une version trop proche de la réalité. Dans la réalité les couleurs ne sont pas aussi vives que ça. Mais nous, peintres, on a la possibilité d’extrapoler et de booster les couleurs.

Nous allons travailler avec de l’huile Van Gogh de chez Talens, du médium à peindre évidemment et des brosses en Kevrin pour appliquer tout cela en glacis. En effet, notre peinture est sèche c’est donc avec la méthode des glacis, la technique des glacis, que nous allons booster la couleur.

1ère étape : le ciel

Nous mélangeons du médium, avec un peu de bleu primaire (beaucoup de médium avec un peu de couleur) de manière à former un jus. Nous l’appliquons ensuite sur le ciel, qui a va tout de suite prendre un peu plus de peps. Pour appliquer les glacis il faut des brosses souples. Une brosse plate Kevrin est parfaite pour cela. Elle permet à la fois d’appliquer le glacis et de bien le fondre, l’étirer, le lisser. Cette même couleur de glacis teintée de bleu primaire je vais l’appliquer aussi sur les montagnes au lointain, puis je vais raviver l’arrière-plan : la petite forêt avec du vert de vessie. Enfin je passe à l’étang et au lac, qui pour être conforme au ciel, est ravivé avec du bleu primaire. Ce n’est pas grave si on déborde : il s’agit de glacis donc on ne risque pas de dénaturer le tableau ou les autres motifs. Pour la pierre nous allons utiliser simplement du glacis avec de la sienne naturelle et de l’ocre jaune, que nous allons appliquer sur la maison et sur les parties de pierre en lumière. Nous voyons tout de suite la différence, c’est flagrant, carrément magique ! Je nuance : tantôt mon glacis est un peu plus nuancé en couleurs, parfois moins pour créer des variations.

2ème étape : les zones d’ombre

Ensuite je passe aux zones d’ombre de la pierre, des pilastres en pierre et de la maison. Pour cela je vais utiliser, et oui, du violet ! Une valeur froide mais très colorée. Cela a un rapport très joli avec ces murs, ces parties de mur en pierre de lumière jaune. Pour l’herbe au premier plan cela va être avec du jaune : un glacis de jaune et d’ocre jaune mélangé. Et voilà, un petit coup de booste sur mon herbe, c’est suffisant.

Je fais la même chose, avec la même valeur de glacis -jaune et ocre jaune-, sur les branchages apparaissant dans le ciel en partie haute. À ce stage je remarque que mes nuages, eux aussi, manquent de couleur. Je vais donc les raviver. Et pareil, pour avoir touché à toutes les surfaces je fais un petit glacis avec de l’orange sur le toit de ma maison.

 

Voilà, mon travail de glacis est achevé. Maintenant vous pouvez vous amuser à comparer cette version-là, avec ses couleurs boostées, lumineuses, chaudes, vivantes, gaies, avec l’ancienne version, qui était plus triste et fade… mais qui peut plaire aussi !

Vous avez maintenant saisi l’une des utilités du glacis, c’est facile, c’est rapide et super efficace !

 

Merci d’avoir suivi cette vidéo.

RDV sur le site Label Art et sur le compte Facebook pour profiter des démos, des photos et des pas à pas pour s’enrichir. »

 

Merci Roland pour tous ces conseils.

 

Comment réussir à peindre une nature morte ?

lundi 20 avril 2015

Peindre une nature morte

Ce mois-ci Label Art vous amène dans l’atelier de Roland Charbonnier qui vous dévoile tous les secrets pour peindre une nature morte. Si la « peinture s’apprend sans les musées », alors c’est en misant sur l’observation des sujets déjà réalisés qu’il est aussi possible de tirer un enseignement et d’avancer, aussi bien en matière de dessin que d’utilisation des peintures beaux-arts ou de mise en place de perspectives, de jeux d’ombre et de lumière.

J’ai donc demandé à notre expert favori de commenter et nous expliquer tout sur une œuvre de sa composition que j’aime beaucoup.

Voila l’œuvre en question. Elle parait toute simple, mais, à la lueur de ses explications il n’en est rien. Voici donc les différentes étapes pour travailler tout en effet et harmonie.

L’utilisation d’une palette de couleurs définie

« Oui cette petite nature morte n’est pas une œuvre majeure mais elle suit beaucoup de règles et d’effets qu’il est intéressant de connaître et d’adopter pour un résultat efficace et harmonieux.
Premier constat, ma palette de couleur est très réduite sur ce tableau. Nous percevons du rouge et du vert. Aucune autre couleur ne vient perturber cette harmonie, le rouge étant complémentaire du vert. L’harmonie se joue donc qu’au travers des nuances entre ses deux couleurs et l’équilibre qu’elles composent dans cette complémentarité. Le gris présent lui aussi reste neutre.
Bien entendu, avec seulement deux couleurs, pour enrichir le tableau il faut apporter beaucoup de nuances, du clair au foncé, et du froid au chaud.

La composition et les différents plans d’équilibre

Le premier plan sera composé de valeurs chaudes et saturées (fortes) déjà, et l’arrière plan des valeurs plus froides et plus légères.
Pour ce qui est aussi de l’organisation des couleurs, mon premier plan, et sujet principal, est exprimé avec la couleur la plus chaude et vive, donc le rouge de la pomme. Il n’eut été pas judicieux de peindre une pomme avec un rouge aussi fort, et même atténué en arrière plan. »

 

La progression des nuances

« Comme on le voit sur ce détail, la touche aussi a son importance. Le premier plan est peint avec plus de précision, des contours plus nets, alors que l’arrière plan lui est flou. Cette progression vers le flou, plus les objets sont « loin » produit un effet de profondeur subtil et joli. Cet effet associé au travail des couleurs donne une composition non plane et tout en perspective. »

« Pour le rendu du relief des fruits, j’ai travaillé les dégradés et contrastes entre clairs (lumières) et foncés (ombres) en tenant compte de l’effet d’éloignement. La différence entre ombres et lumières en arrière plan est moindre qu’en premier plan. Ensuite je suis resté pour ces gradations dans des valeurs colorées en raccord.  Pour exemples : L’ombre propre de la pomme rouge est un rouge très foncé, pour la pomme verte c’est un vert très foncé aussi. »

Le travail des détails en peinture

 

 

« Voila un petit effet bien sympathique mais qui n’a pas seul but de faire joli. Toute la partie basse du tableau manquait de détail et plaçait la composition globale trop en hauteur. Le travail des gris pour exprimer le drapé ne suffisait pas pour l’équilibre. Ce petit filet de couleur ajuste la composition. Ce n’est pas son seul intérêt puisqu’il permet aussi une meilleure lecture du relief donné par les plis. »

« Autre petit effet qui amène du réalisme à l’ensemble, c’est le reflet des pommes dans la timbale et celui de la poire dans la louche. Cela apporte l’illusion de la brillance de ces matières. »

« Voila comment avec quelques règles et astuces, on optimise le rendu d’une nature morte. »

Comme quoi une bonne analyse technique d’un tableau, avec des commentaires riches, des explications claires et précises, est un vrai cours. Merci Roland

 

Pour aller plus loin

Cours et commentaires Palettes : 45 numéros commentés par Alain Jaubert, pour tout savoir sur les grandes toiles de maîtres

Les liens entre la Peinture et la Musique

lundi 30 mars 2015

Peut-on faire un lien entre la musique et la peinture?  C’est une question qui demande réflexion et débat.

L’énergie des peintures de Claude Weisbuch

La musique est parfois le thème d’une œuvre. Certains peintres en ont fait leur spécialité, avec virtuosité. Je pense précisément à Claude Weisbuch. On perçoit dans ses œuvres toute l’énergie, la passion et la frénésie dégagées par le musicien. Le mouvement est intimement associé au musicien dans ses tableaux. Ses tableaux décrivent un état, une action, celui du musicien en exercice,  mais n’évoquent pas une mélodie ou un rythme.


Je pense qu’il est difficile qu’une œuvre décrive une musique. Elle peut évoquer une ambiance, une situation, à l’image de ces (trop souvent vu à mon gout) peintures représentants des jazzmen jouant dans un club. Bien souvent pour suggérer une émotion un sentiment, le figuratif rejoint l’abstrait. C’est alors une avalanche de symboles, de couleurs, de formes qui se mêlent à des objets, et le plus souvent des instruments, pour évoquer la musique.
Mais sachant qu’une même musique ne provoque pas les mêmes émotions à tout le monde, comment la traduire pour que tous s’y retrouvent ? De plus, nous n’avons pas non plus la même lecture d’une œuvre abstraite. Tout est histoire de ressenti, d’interprétation et surtout d’imagination.  Le lien, alors, entre la musique et la peinture, est à mon sens purement subjectif et personnel. Cela dit rien ne nous empêche d’être inspiré par une musique en créant notre œuvre. Puisque celle-ci a une influence sur notre humeur, notre dynamisme, nos propres émotions, on peut se laisser guider au gré d’un rythme ou d’une mélodie. Pour l’anecdote, très amusante, notre dévoué spécialiste Roland, peint toujours en écoutant du rock.  Imaginez-le composer une nature morte en clair obscur façon Delatour, ou un paysage champêtre à la manière de Fragonard, en écoutant du ACDC. Si si j’en suis témoin !

Emotions et technicité, apprentissage et intuition

D’ailleurs il affirme que la peinture, c’est comme la musique. Mais sur un autre plan que celui évoqué précédemment. Il fait un parallèle entre ces deux arts, mais dans un sens purement technique. Pour interpréter un titre, quel qu’il soit, et quelque soit l’instrument, il faut avoir une certaine maîtrise et des connaissances. Jouer une sonate de Mozart, attaquer un riff des Stones ou un air de Brassens n’exigent pas les mêmes repères et chaque morceau apporte son lot de technicité.

Mais il reste que sans base techniques sans connaître un minimum ses gammes, sans avoir « ramé » pendant de longs mois avant de sortir un son correct et audible d’un instrument, il parait impossible de jouer. Créer demande, en plus de notre sensibilité propre et de notre inspiration, encore plus de maitrise et connaissance. Jouer de la musique expérimentale en tapant sur des casseroles et en enregistrant les hurlements d’un chien à qui on écrase la queue, le tout mixé avec des bruits de chantier et je ne sais quoi d’autre, ça existe !! Mais qui adhère à ça et qui aime, à part l’auteur ? Le mouvement punk cela dit vous affirmera le contraire, l’essentiel chez lui c’est la création, la démarche, peu importe au final le résultat tant que l’épanouissement est au rendez-vous.

L’abstraction a-t-elle libéré notre intuition ?

Pour la peinture, l’art abstrait nous a libéré de certaines servitudes techniques, certes, mais il ne faut pas imaginer que sans un minimum de technique nous pouvons créer, et surtout créer ce que nous souhaitons. Contrairement aux idées reçues, se lancer dans l’abstraction avec en poche de solides connaissances et techniques nous permettra de nous exprimer plus précisément et manier avec plus de bonheur les couleurs, formes et textures. D’ailleurs c’est aussi vrai en danse, le classique reste la formation de base et le conservatoire souvent un passage nécessaire avant de dériver vers d’autres danses plus contemporaines. Idem pour l’apprentissage des bases du solfège. La peinture n’échappe pas à la loi du genre.
Pour revenir à l’abstraction, rappelons au passage que les précurseurs de cette forme artistique étaient des peintres figuratifs confirmés (Picasso, Kandinsky,  Klimt etc.). Cela dit rien n’empêche de peindre sans technique, sans expérience et sans base. Il existe même des résultats très heureux. Certains ont la chance d’avoir intuitivement le sens des couleurs et de la beauté. Mais cela reste un don exceptionnel.
En ce qui concerne la peinture figurative et le dessin, il est périlleux voir suicidaire de réaliser une œuvre sans toutes ces bases. Connaitre ses accords, ses gammes, les justes tonalités sera gage d’harmonie et réussite.
C’est pourquoi ce blog existe ! Pour vous enrichir et partager un maximum de connaissances.
D’ailleurs, j’aimerais beaucoup lire vos réflexions et avis sur cette question :

Selon vous, peut-on faire un lien formel, virtuel, sensitif, artistique, entre la musique et la peinture ?

A vous lire Chers internautes dessinateurs et peintres

En attendant, la playlist de l’Atelier c’est ici et nulle part ailleurs :

Soundcloud Label Art

Elisa

Les Posca

mardi 1 février 2011

Impossible n’est pas Posca ! Sous cette marque se cache un des marqueurs les plus polyvalents et pratiques que l’on puisse trouver. Les différentes tailles de pointe proposées permettent de réaliser des aplats homogènes comme des travaux d’une grande précision. De fait, il s’adapte aussi bien aux activités du quotidien (marquage, loisirs créatifs) qu’aux exigences des graphistes. L’encre présente un fort pouvoir couvrant et son opacité fait penser à de la gouache en marqueur. Il fallait y penser ! Les couleurs sont pures, intenses et aquarellables au pinceau tant que l’encre n’est pas sèche, pour des effets plus nuancés qui plairont certainement aux coloristes. Son seul défaut reste peut-être que quand on en a un, on les veut tous…

Voir les gammes Posca : cliquez ici

Découvrez notre nouvelle collection « Loisirs créatifs »

mercredi 19 août 2009

Bonjour,

Cet été profitez en pour tout changer dans votre maison !

Découvrez nos nouvelles gammes dans le concept Déco…

Crème d’acrylique Déco Mat / Déco Gloss : sa consistance crémeuse est idéale pour la décoration de nombreux supports (toiles, bois, plâtre, papier) en 1 seule application. Sèche au toucher en 1 heure, elle est très résistante à la lumière. Vernissage possible après 48 heures de séchage. Nettoyage du matériel à l’eau.

Des couleurs à associer suivant ses envies :

– Les natures : c’est tout l’esprit végétal d’une maison tournée vers la nature

– Les vives : ouvert à la couleur, c’est un esprit adapté à l’univers des enfants et des ados

– Les passions : esprit africain, asiatique… ce sont des couleurs chaudes, exotiques pour une maison ouverte sur le monde

– Les pastels : alliance de graphismes géométriques et de traité couleur monochrome, c’est ici une déco contemporaine, épurée, dans un esprit loft

Découvrez ci-dessous une réalisation avec la crème d’acrylique Déco la réalisation d’un cadre style art africain :

Et la seconde partie :

Retrouvez dès maintenant cette gamme sur notre site internet : Déco MatDéco Brillant Home déco

La gamme DECO  TEXTIL : un concept complet pour créer sur textile…

Sa consistance crémeuse est idéale pour la décoration de nombreux tissus (coton, acrylique, polyester, lin, laine, flanelle).

50 couleurs classiques – Mate, opaque, indélébile, monocouche, trés couvrante et miscible.

Superposition des couleurs possible, sèche en 24 heures

Retrouvez cette gamme de DECO TEXTIL sur notre site internet : www.label-art.fr

Connaissez-vous la gamme TULIP ?

Elle apporte matières et volumes à toutes vos créations sur de multiples surfaces…

Tulip s’utilise sur bois, métal, carton, papier, textile, verre, porcelaine… et leur donne matière et volume. D’une texture unique, cette peinture s’applique facilementet avec précision grâce à son embout.

Tulip, une gamme de nuances et de finitions très riches qui donnent une touche très personnelle à vos idées déco :

5 effets, 80 couleurs…

– Slick : un aspect très brillant même après séchage

– Matte : un effet mat, doux et subtil

– Metallics : une jolie palette de teintes pastels et métallisés. Des reflets métalliques intenses !

– Glow : un effet phosphorescent dans l’obscurité

– Glitter : un effet très « paillette » ! Une base et des paillettes de couleurs

Du nouveau également dans la gamme DECOPATCH !!!

Retrouvez sur notre site tous les nouveaux supports à décopatcher, les symboles, les animaux ainsi que les nouvelles feuilles trés tendances !

Le papier décopatch s’applique sur toutes les surfaces (planes ou irrégulières)

Il est le seul papier qui donne un rendu lissé et un aspect peinture
Le papier décopatch bénéficie d’une qualité d’impression supérieure, et est vernissé
Il ne se déchire pas quand on le colle, et les couleurs ne déteignent pas

Le papier décopatch est très facile à appliquer grâce à sa finesse et à sa résistance à l’application

Cet été plongez dans l’univers de la créativité !

mercredi 24 juin 2009

Chers blogueurs,

Dès aujourd’hui s’ouvrent les portes de notre mini-site dédié aux soldes et promotions d’été. Pas moins de centaines de références à -50%, des cadeaux, des bons plans, plongez dès maintenant dans un univers de créativité.

Je vous invite à découvrir notre page et tous ses bons plans … Qu’allez-vous choisir? Parmi nos offres encadrement soldés en stocks limités, gratuits et cadeaux de l’été, bonnes affaires tout simplement … Label Art vous offre ici un avant goût de vacances créatives !

A découvrir sans plus tarder, les p’tits packs de l’été, les packs pyramides de toiles, et le cadeau tentation du mini-site …

Le petit plus Elisa …

En ce qui vous concerne, chers blogueurs, j’ai aussi préparé pour vous une offre Elisa. J’ai décidé de partager avec vous un bon plan jusqu’au 15 juillet. Je tenais avant de vous annoncer cette offre, à vous remercier. Vous êtes de plus en plus nombreux à me lire et à réagir à mes posts. Vos réactions sont toujours pertinentes, et vous nous suggérez toujours des idées qui nous font aller de l’avant ! Bravo pour ces messages toujours constructifs…

Et maintenant, place à mon offre spécial blogueurs :

Utilisez dans votre espace panier le code SOLDES09 pour bénéficier d’une remise immédiate de 25% à partir de votre 5ème ligne de commande (offre non cumulable avec promotions en cours).

J’attends avec impatience vos réactions et message sur ce post !

Découvrez sans plus tarder notre vidéo et rendez-vous directement sur l’espace soldes de Label Art :

> Entrez ici dans l’espace Soldes

Peindre un tromple l’oeil : faites comme nos artistes !

lundi 8 juin 2009

Bonjour à tous,

Vous rappelez-vous de cette vidéo que Label Art vous a offerte le mois passé?

Vous avez été très nombreux à manifester votre intérêt.

Nous tenions à vous remercier pour vos messages d’encouragements et une grand bravo à nos deux amis Artistes qui ont réalisé un trompe l’oeil très réussi, chacun dans sa discipline de prédilection, en suivant les conseils de notre Artiste. C’est, je trouve très réussi ?

Si vous avez vous aussi peint grâce à ce cours, envoyez-nous les photos de vos œuvres, nous les publierons sur le blog ! A vos pinceaux !

Trompe l'oeil appliqué au pastel

Trompe l'oeil

Laurent Viales, artiste