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L’histoire de l’entreprise Pébéo

jeudi 2 mai 2019

L'histoire de • PEBEO•

La naissance de Pébéo

Pébéo fête ses 100 ans ! C’est en 1919 que cette entreprise a vu le jour dans la banlieue Est de Marseille.

 

💡 Le saviez-vous ? 💡
Pébéo tire son nom de la molécule chimique utilisée lors de la production des peintures de l’entreprise, le « PbO » appelé protoxyde de plomb. C’est lui qui est à l’origine des pigments de couleur !

 

L’entreprise est dirigée par Claudius Chabeau à partir de 1922 et jusqu’à récemment, deux ans tout juste après son entrée dans l’entreprise. C’est à la suite d’une formation de tissage et une poursuite en chimie que le jeune homme originaire de Lyon et issu d’une famille d’industriels de la soie reprend l’entreprise.

 

Évolutions des différentes gammes chez Pébéo

• Composition des produits

Dès 1935, Pébéo surfe sur la vague du pigment organique. Par ailleurs, ce pigment prend alors son envol et devient un produit phare. Ils remplacent alors peu à peu les pigments minéraux utilisés jusqu’alors.

• Les différentes gammes de produits

En 1940 apparaissent les pastilles de couleurs. Pébéo travaillait auparavant essentiellement dans la peinture destinée aux bâtiments. Ils décidèrent d’élargir leur champ de vision et de créer de la peinture pour enfant et quoi de mieux que des petits formats sous forme de pastilles, pratique !

Quelque mois plus tard, c’est le tube de gouache qui fait son apparition et remporte une large succès auprès du public.

L’activité industrielle revient dynamique dès 48, faisant oublier la morosité économique des années de guerre. Une nouvelle offre colorée est lancée avec la création du secteur scolaire.

À partir de 1952, Pébéo investit et se lance dans la production de couleurs fines à l’huile. Pour cela, malaxeurs, broyeuses tri-cylindriques en granit et autres outils sont mis en place.

En 1953, Pébéo se lance dans la production de vernis et créé par la même occasion une gamme spécifique au cœur de son offre.

La gamme est également élargie avec l’apparition dans leur offre d’une gouache extra-fine à l’huile. Celle-ci est composée d’un mix de pigments minéraux et organiques.

En 1959, la gamme scolaire prend de l’ampleur et Pébéo devient « LA peinture du petit écolier ».

Parallèlement à la gamme scolaire, la gamme couleurs fines monte en puissance.

En 1960, Pébéo développe la première gamme pour tissu existante et devient virtuose en la matière. Cette gamme atteindra alors même les îles Pacifiques où les vahinés se parent de paréos colorés avec les couleurs de Pébéo.

1961, Pébéo produit ses premiers tubes de gouache dans l’optique de remporter la guerre des prix et de combattre la concurrence très rude à cette époque.

Dès 1965, Pébéo se lance dans la production de feutres rechargeables. C’est un succès immédiat auprès des enfants mais également chez les artistes. Cela peut s’expliquer par la praticité et la facilité que nous avons à utiliser ces petits formats aux pointes de toutes tailles, des fois bien plus maniables et facile d’utilisation que des pinceaux !

1969, apparition du drawing gum. Une invention qui changera la vie de nombre d’artiste et ouvre à tous la possibilité de pratiquer de nouvelles techniques artistiques. Avec cela, Pébéo développe alors en parallèle sa gamme retouche photos noir et blanc / couleurs.

 

Changement de cap chez Pébéo

« La Pébéo » perd des voyelles pour ne devenir que « Pébéo » et s’impose dans les domaines Beaux-arts et Arts graphiques.

Dès 1977, c’est les débuts de la première acrylique « Made In France », c’est un succès !

 

💡 Le saviez-vous ? 💡
L’acrylique est le fruit d’une collaboration entre chimistes et peintres de fresques. Celle-ci a été inventée au Mexique dans les années 50.

 

1981, de nombreux pays du pourtour méditerranéen connaissent bien le fabricant qui désormais tend à s’exporter à l’international et à développer son marché outre-atlantique.

En 1989, l’entreprise est déplacée à Gémenos

1998, c’est la démocratisation de la peinture sur porcelaine, le produit est un succès immédiat. La gamme Vitréa 160 voit alors le jour.

Touch, la peinture en relief voit quant à elle le jour en 2005 et remporte un franc succès avec plusieurs millions de flacons vendus dans la monde. Pour parfaire son export, le tube sera alors étiqueté en 17 langues différentes.

C’est alors en 2008 que Pébéo fait son entrée officielle dans le domaine de la déco et lance en 2009 des nouveautés en gamme d’huile traditionnelle et moderne.

Mais c’est officiellement avec la gamme multisupport « Fantasy » que le fabricant repousse une nouvelle fois les limites de la créativité en 2011. Cette nouvelle gamme permet de découvrir de nouveaux effets très surprenants.

2013, mixedmedia répond à une nouvelle tendance qui se traduit par une offre où les produits autrefois cloisonnés peuvent interagir entre eux. Il y a alors la possibilité de mixer tous les médiums entre eux, offrant ainsi à l’amateur ou à l’artiste confirmé une multitude de techniques à mettre en application.

 

Résine cristal , peintures pour vitraux, couleurs à effet, feuilles d’or, les finis sont parfaits et les résultats très souvent surprenants.

 

2014, la gamme Sétacolor pour tissu s’enrichit tout comme la gamme mixedmédia.

Vous nous le demandez souvent, Pébéo l’a fait. Votre question ? Est-ce qu’il existe, sur le même principe que les feutres acryliques à base d’eau, un stylo peinture à base d’huile ?

Et bien, en 2016, 4artist marker voit le jour. Un marqueur à base d’huile avec 18 couleurs brillantes les plus diverses. Cette gamme est fortement pigmentée et résistante aux UV. À cela s’ajoute un choix de mèches de toutes tailles.

Ce produit offre une autre vision de la technique à l’huile tout en gardant les propriétés d’un marqueur peinture. Il révolutionne l’approche d’un marqueur classique à base d’eau à celle de la technique de peinture à l’huile traditionnelle. Un sublime mélange.

 

Ce qu’il faut retenir ?

Pébéo a su depuis tout ce temps développer des produits en accord avec les différentes tendances et techniques ayant vu le jour. Pébéo propose à son public un large choix en terme de palette de couleurs. Que ce soit en acrylique décorative en spray, des decoMarker acrylique, d’huile, de gouache… Pour petits et grands.. vous trouverez assurément votre bonheur ! Tout cela dans l’optique de créer en toute simplicité dans un concept déco.

 

Liens conseillés :

 

Autres articles :

  • Article sur le 4artist Marker : ici
  • L’utilisation des pinceaux multitechniques et abordables : ici

 

Les Tutos Label Art #1 • Édition Pâques 2019

dimanche 21 avril 2019

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Les marques présentes dans cet article

 

  • AMSTERDAM – Acrylique (tubes peinture/bombes spray)
  • POSCA – Acrylique (eau pigmentée) sous formes de feutres
  • CLEOPATRE – Colle et vernis (pot et bombe)
  • PEBEO – Pinceaux (lot de pinceaux)

 

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Acrylique AMSTERDAM Posca Cleopatre Pebeo
Découvrir les différents produits de la marque
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Produits utilisés dans cet article

 

  • POSCA  Pointe moyenne : PC3M / Pointe fine : PC1M / Pointe extra-fine : PC1MR
    • Dans les couleurs : blanc / doré / noir / argent

+  Utilisation et fabrication de pochoirs & utilisation de feuilles DECOPATCH
 
 
 

Les étapes en photo pas à pas

 

_________________ • ETAPE 1 • _________________

MISE EN PEINTURE

Tout d’abord, je vous conseille de bien nettoyer vos œufs avant de commencer à les peindre.

Dans ce tutoriel nous utiliserons 3 œufs, 3 couleurs différentes de chez Amsterdam acrylique. Ainsi, mettez en peinture vos œufs de manière uniforme ou en dégradé à l’aide d’un pinceau plat ou d’une bombe de peinture. Nous vous conseillons de protéger la surface sur laquelle vous procédez à la mise en peinture (journal, carton). Laissez ensuite sécher une dizaine de minutes.

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(💡 : l’avantage de l’acrylique est son séchage rapide et son rendu mat)

 

 _________________ • ETAPE 2 • _________________

DÉCORATION 1

Une fois vos oeufs bien secs, vous pouvez passer à la décoration. Pour cette première technique je vous propose l’utilisation des feutres Posca. Ainsi, commencez par les détails les plus grossiers avec la mine la plus large (1,5mm/PC3M) puis finissez par les détails les plus fins avec les feutres PC1M et PC1MR (1mm/0.7mm). Vous pouvez tout à fait dessiner des petites formes, tout comme écrire de petits mots sur vos œufs.

Laissez sécher

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_________________ • ETAPE 3 • _________________

DÉCORATION 2

Pour la deuxième technique, je vous propose de fabriquer vos propres pochoirs à l’aide d’une feuille cartonnée et d’un cuter. Taillez dans vos feuilles cartonnées les formes voulues puis, à l’aide d’un scotch repositionnable (masking-tape), placer votre mini pochoir sur l’œuf.

À l’aide d’un pinceau et de la peinture acrylique, peignez les zones visibles. Vous pouvez également terminer par les feutres Posca pour finaliser les petits détails que vous souhaiteriez mettre en évidence.

💡 Astuce 💡 :
Vous avez également la possibilité d’utiliser des matières comme de la dentelle ou du tissu pour différents rendus

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_________________ • ETAPE 4 • _________________

DÉCORATION 3

Pour la troisième technique, vous pouvez avoir recours à du journal ou aux feuilles Décopatch. Ainsi, à l’aide d’un pinceau et de la colle Cléopâtre, appliquez de la colle sur la face inférieure du support à coller puis appliquez sur l’œuf en maintenant d’une pression suffisante. Une fois les feuilles bien collées et sèches, vous avez tout le loisir de compléter votre œuf par l’utilisation des feutres Posca par dessus.

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_________________ • ETAPE 5 • _________________

SÉCHAGE & APPLICATION DU VERNIS

Une fois vos petites décorations finalisées, laissez sécher jusqu’à ce que la surface de vos œufs ne soit plus brillante. Dès lors, vous pouvez vous munir d’un vernis colle en pot ou d’une bombe de vernis pour parfaire l’apparence de votre œuf customisé. Pour la technique au pinceau, appliquer uniformément sur l’œuf pour avoir un rendu optimal.

Laissez ensuite sécher puis disposez à l’endroit souhaité ! :)

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Articles associés :

 

Althéa Peintre et ses vidéos de peinture acrylique abstraite

mardi 16 octobre 2018

Aujourd’hui je souhaite vous présenter une Artiste toute en douceur mais haute en couleurs : l’Artiste Peintre Althéa ! Suivie par plus de 10 000 personnes sur YouTube, cette Artiste peintre autodidacte est la première surprise de l’engouement de ses vidéos de peinture. Cette belle aventure a débuté en simplicité, alimentée par une envie de partage.

Althéa et ses tutos en peinture abstraite

Althéa et ses tutos en peinture abstraite

Sa vie d’Artiste a commencé dans les années 2000. Celle dont le père aime dessiner a toujours été dans l’univers des Arts. Après quelques années plus calmes, Althéa retrouve le gout de la peinture en 2014.

« L’abstrait est venu à moi comme une évidence. »

La même année, alors qu’elle surfe sur YouTube, Althéa remarque que peu de peintres partagent leur expérience ou leurs créations sous forme de vidéo sur la peinture acrylique. Celle qui aime tant la peinture abstraite décide alors de lancer sa propre chaîne. Le plaisir du partage, voilà sa réelle motivation.

« Un tableau abstrait est un espace de liberté dans lequel chacun peut se promener en laissant parler son moi intérieur. »

Althéa n’a jamais suivi de cours de peinture. Quoi que .. si, deux ! Pourquoi a t-elle arrêté si vite, me demanderez-vous. Pour la liberté. La liberté de s’exprimer comme elle l’entend, librement, que sa création vienne d’elle. Elle a donc décidé de se former elle-même, en restant à l’écoute, à son écoute, toujours en recherche d’informations pour apprendre. Avide de renseignements, sur YouTube mais aussi dans les livres ! Une de ses sources ? les descriptifs produit !

Aurvandil althéa artiste peintre

« À mes yeux, l’abstraction permet d’oublier tout ce que l’on connaît et de fait, de nous amener à ce qui n’est pas visible. Cette expression artistique m’a permis d’écrire sur la toile une émotion colorée, de transmettre ma vision du moment avec un cheminement de couleurs et de formes qui créent un tout. »

L’Artiste Peintre Althéa réalise des œuvres hautes en couleurs. Ses réalisations abstraites sont pour elle l’expression de ses émotions, une transmission de sa vision. Avec une technique qui lui est propre, Althéa allie des couleurs et des formes qui composent un tout. Cette talentueuse autodidacte ne donne pas (encore) de cours, mais reconnait qu’elle aimerait animer des stage dont le maître mot serait la « liberté« , la libre expression. Son but ne serait alors pas d’enseigner sa technique mais de conduire chacun à trouver sa technique propre, son moyen d’expression unique, sa signature.

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Chacune de ses vidéos est créée dans un but de plaisir, celui du partage. À travers ses tutoriels de peinture abstraite, Althéa ne souhaite pas apprendre à l’internaute à peindre à sa manière à elle. L’objectif d’Althéa n’a pas d’imposer un trait de pinceau ou une technique, non, son but est bien différent ! En effet, ses démonstrations ont pour but de guider le peintre mais en le laissant créer à sa manière. Il y a plusieurs moyens d’arriver à un même résultat, et Althéa souligne l’importance que chaque personne trouve sa propre technique, réussisse par elle-même, avec son propre coup de pinceau. « Se réaliser soi-même plutôt que de répéter », pour trouver sa propre substance, exprimer son propre ressenti.

« L’abstrait, ça sort de soi, ça doit être à son image. »

Nombre des vidéos de peinture d’Althéa traitent de créations abstraites à l’acrylique, mais l’Artiste reconnait qu’elle aime particulièrement le dessin. Seulement, le dessin amène à l’aquarelle, au pastel etc. « Je voudrai en faire plus ! » Entre situation professionnelle et vie de maman, le temps manque malheureusement… Je pense que je ne suis pas la seule à vouloir remercier Althéa pour le temps qu’elle accorde aux internautes en réalisant toutes ses vidéos !

 

À très bientôt,

Camille

 

Découvrez et savourer l’univers d’Althéa :

Sa page Youtube : Althéa Artiste Peintre – BJArt’s

Sa page Facebook : Les peintures d’Althéa – BJArt’s

Son compte Instagram : Althéa Artiste Peintre

Son site : Althéa sur ArtMajeur

L’acrylique Amsterdam Standard Series 500 ml

mardi 23 août 2016

Saviez-vous que la peinture acrylique Standard Series d’Amsterdam est maintenant disponible en pot de 500ml ? Un grand conditionnement pour pouvoir profiter de cette incroyable peinture acrylique encore plus longtemps, dans les 70 nuances de cette belle gamme Etude !

Gamme acrylique d'Amsterdam

Gamme acrylique d’Amsterdam Standard Series

L’acrylique d’Amsterdam bénéficie de pigments d’excellente qualité, purs et stables, qui lui confèrent une résistance très élevée à la lumière et dans le temps. En effet, son liant acrylate la protège des méfaits du temps grâce au fin pelliculage qu’il forme en surface. L’œuvre conservera l’éclat de ses couleurs et sa brillance comme aux premiers jours. Très maniable, particulièrement fluide et onctueuse, la peinture Standard Series peut également être utilisée pour la réalisation de glacis.

De plus, cette peinture acrylique bénéficie d’une très grande polyvalence. Chez Label Art, nous avons en effet testé cette peinture sur de grandes toiles, mais également sur les supports Tavola en bois, des cartons… et mêmes les murs ! Grâce à la forte résistance à l’humidité de cette peinture, elle pourra effectivement être appliquée sur tout type de support !

Oeuvre réalisée à l'acrylique Amsterdam  par Fred

Oeuvre réalisée à l’acrylique Amsterdam par Fred

 

Enfin, cette peinture acrylique totalement inodore a la particularité de sécher très rapidement. Les couches les plus fines seront sèches en trente minutes seulement.

Tableau peint par Fred avec l'Amsterdam Expert Series

Tableau peint par Fred avec l’Amsterdam Expert Series

 

 

Pour celles et ceux qui préfèrent l’usage du tube pour un souci de facilité dans les mélanges, la gamme Standard Series d’Amsterdam est déclinée en tubes de 120ml.

Amsterdam Standard Series 120ml

Amsterdam Standard Series 120ml

Vous aimez l’acrylique Amsterdam et souhaitez découvrir cette peinture en qualité extra fine ? Découvrez la qualité Expert : l’acrylique extra-fine d’Amsterdam ! L’acrylique Amsterdam Expert est à retrouver prochainement sur notre blog ou directement sur le site de Label Art !

Les médiums acryliques : suivez le guide !

mercredi 5 mars 2014
Médiums et gels acryliques

Médiums et gels acryliques

Complétons notre dossier sur les médiums, cette fois dans la gamme acrylique.

Tout d’abord, avant même de peindre, certain d’entre nous aiment travailler sur d’autres supports que la toile. Il faudra alors préparer notre surface, que ce soit du bois, de la terre cuite, du carton, du tissu, en passant une couche ou deux de gesso.

Cela permet une meilleure accroche de la peinture et isole le support.

Vient la peinture. Au plus simple de son utilisation de l’eau suffit pour varier la consistance de l’acrylique et la diluer.

Si l’on veut obtenir des effets de texture et matière, il faudra ajouter à notre acrylique des gels épais de consistances diverses. Il y a les liants épais, les gels de structure et les gels contenant une matière granuleuse ou autre. Ceux-ci permettent un travail à la fois de sculpture et de peinture.

A utiliser pur en préparation de la toile ou à mélanger à la peinture directement. On applique ainsi notre mélange au couteau, à la brosse, au petit rouleau etc. pour sculpter notre fond ou travail.

Nous avons ensuite les médiums fluides. Ils permettent des effets spéciaux en fluidifiant la peinture. Cela va du simple retardateur de séchage, aux médiums pour réaliser des glacis, des gouttes, des flaques, de la brillance etc.

Tous ces médiums et gels sont compatibles entre eux dans la même gamme et marque, et en principe compatible avec toutes peintures acryliques.

Bien évidement tous ces gels et médiums sont adaptés pour une écriture contemporaine et moderne, voire abstraite.

Pour finir il y a les vernis. Au choix selon ses gouts, brillant ou mat.

Pour en savoir plus, je vous recommande la lecture du Livre de l’acrylique :

Le livre de l'acrylique

Le livre de l

Cours de peinture : comment travailler le relief

lundi 24 février 2014

Roland Charbonnier nous explique aujourd’hui comment à l’aide, juste de couleurs et valeurs à mettre en relief une boîte. Ces notions et théories sont aussi valables et utiles pour représenter des architectures et autres sujets de forme cubique.

 

Je commence par mon dessin, en prenant soin de bien représenter les trois faces visibles de ma boîte en perspective. Ma boîte sera jaune. Ma lumière vient de gauche. Je peins la face exposée à la lumière d’un jaune lumineux.

 

 

 

 

 

 

Ensuite je peins la face non exposée à la lumière en fonçant mon jaune de base. Ici j’ai ajouté à ma couleur de l’ocre jaune et de la terre de sienne brûlée. Pour la surface plane restante, le haut de la boîte, je la représente en plus claire, donc en ajoutant du blanc à mon jaune de base. Je me retrouve avec 3 valeurs distinctes pour mes 3 faces.

 

 

 

 

 

 

 

Je peins le fond avec une nuance bleutée pour bien mettre en valeur ma boîte par contraste. Ma lumière vient de gauche, donc l’ombre portée de la boîte fuse à droite de l’objet vers l’arrière. Pour la couleur j’ajoute juste une pointe de noir.

C’est une boîte, avec un couvercle, il manque alors le petit filet d’ombre de celui-ci, que je réalise avec ma valeur foncée en ajoutant une pointe d’ombre brulée.

Je renforce mes contrastes entre les faces en plaçant quelques rehauts de jaune clair et jaune foncé comme sur la photo, de part et d’autre de l’angle, pour bien le marquer, mais sans faire de trait.

 

 

 

 

 

 

 

Et pour finir, j’écris quelques mots sur ma boîte en bleu. Avec un bleu clair sur la face claire, et un bleu plus fort sur la face foncée.

 Le matériel nécessaire pour réaliser ce cours du mois :

 

 

 

Quelles sont les caractéristiques d’un tableau réussi ?

vendredi 22 novembre 2013

 

Nous avons déjà comme première composante un dessin équilibré, avec une bonne répartition des masses et volumes. Ensuite le choix des couleurs est important pour une belle harmonie d’ensemble, avec un travail de celles-ci maîtrisé pour l’exécution du modelé, de la profondeur, des contrastes.

Dernier détail important : le coup de brosse !!

Je l’ai déjà évoqué lors d’article précédent, on relève beaucoup de maladresse dans le coup de brosse, parmi de nombreux tableaux d’amateurs. L’erreur la plus récurrente est de vouloir suggérer le volume ou la forme de l’objet en donnant un sens aux marques imprimées par  la brosse sur la toile, aux touches de pinceau. Par exemple j’ai souvent vu peindre de manière circulaire pour réaliser une pomme, un citron, une tomate. Un citron c’est rond, alors on tourne la brosse en rond et ainsi par ce sens donné aux touches on exprime ce volume !!! Et bien cette logique ne fonctionne pas !! Au contraire elle donne une écriture naïve à l’œuvre. C’est le modelé (travail d’ombre et lumière) et lui seul qui exprime la forme, le volume

Il faut dans tous les cas avec une touche irrégulière. Tournoyer sa brosse quelque soit le sujet sera du meilleur effet. Ainsi on évitera de lisser à l’horizontale nos ciels, et toutes surfaces planes (maison, chemin, champs, etc.) et de suivre les contours de toutes autres formes.

Une touche vive, tournoyante, sera plus expressive, dynamique et jolie.

Pour aller plus loin :

Un peu de lecture

 

 

 

 

Peindre un portrait à l’acrylique

vendredi 22 mars 2013

Le portrait est sans doute l’exercice le plus dur en peinture. Je le répète sans cesse. Il faut trouver les bonnes couleurs, les bonnes gradations, un juste modelé, et surtout un dessin bien abouti. Tout cela demande de l’expérience et une certaine maîtrise.

Observez bien, Roland nous réalise un visage de femme africaine, de manière  simple et rapide, sans chercher le détail et la précision, pour mieux se concentrer sur les couleurs, et le placement des ombres et lumières.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« Je réalise mon dessin au crayon graphite HB. Mon dessin est précis. Ensuite après avoir défini un sens à ma lumière (elle vient de droite), je place mes ombres fortes directement. C’est un mélange d’ocre jaune, de terre d’ombre brûlée et d’ocre rouge. Je place à la terre d’ombre brûlée quelques ombres très appuyées. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«  Je place ensuite sur le reste du visage ma couleur moyenne en débordant sur mes ombres. C’est un mélange d’orange, d’ocre jaune, et d’ocre rouge et de blanc. J’ajoute sur les reliefs du visage accrochant plus de lumière (pommette, nez, narine, lèvre inférieur, front) une valeur plus claire faite du même mélange avec plus de blanc et d’une pointe de jaune moyen. La lèvre supérieure est faite de la couleur moyenne avec une pointe de rouge. Ensuite j’affine ma peinture en redessinant mes traits (ombres des narines, contours des yeux, entre lèvres, oreille) avec une ombre plus fine et précise. Les yeux sont peints avec un ton crème pour le blanc de l’œil et de la terre d’ombre brûlée pour la pupille.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« J’affine ensuite mes lumières comme pour les ombres, avec plus de précision. Je réalise un léger fondu entre toutes ces valeurs, mais pas trop. L’essentiel étant d’obtenir un modelé juste. Ensuite je place un petite ombre sous les paupières supérieur et précise les cils qui dessinent le contour des yeux. J’affine mes sourcils.

J’ajoute quelques rehauts de lumière pour donner de l’éclat à mon visage (bout du nez, front, lèvre inférieur et contour lèvre supérieur, pommettes). Ultime détail qui donne vie au visage : le tout petit éclat de brillance à cheval sur la pupille et le blanc de l’œil, que je réalise non pas avec un blanc pur, mais légèrement cassé. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« Et pour achever mon portrait, je peins sans précision le foulard autour du cou et de la tête, pour mettre en scène ce joli visage d’une jeune femme africaine ».

Merci Roland !

 

Matériel utilisé :

Peinture à l’acrylique

Pinceaux et brosses

Toiles en lin moyen

Palette

Crayons HB

 

Comment appliquer un mortier de structure sur sa toile

mardi 12 mars 2013

J’aime beaucoup les peintures riches en matière. Ce n’est pas mon style d’écriture, mais lorsque la toile présente une structure, du relief, je trouve cela très beau.

Je ne fais pas référence à la peinture au couteau. Je parle bien du fond, de la base sur laquelle l’œuvre est exécutée. Cela peut être un atout pour présenter des nuances et altération de la couleur.

Pour ce faire sur notre toile blanche, il faut appliquer un apprêt acrylique de préférence avec pour base un médium gel épais. Dans ce gel on peut ajouter de la poudre (enduit, poudre de marbre, sable) pour donner du grain et plus d’épaisseur. Il existe des gels tout prêts qui contiennent déjà une charge. Les gels médiums Liquitex sont excellents et présentent des grains différents au choix. Appliqués au couteau, au pinceau, nous avons après séchage complet, une surface qui ressemble à un petit crépi. Il reste ensuite à peindre comme on le veut, à l’acrylique ou à l’huile sur cette surface. L’intérêt est de se servir des irrégularités présentes pour altérer nos couleurs, les patiner, par essuyage, frottage, « raclage » au couteau.

Plein de nouvelles nuances apparaissent, impossibles à obtenir sur un fond lisse. La peinture se dépose dans des aspérités, des trous, bute contre des arrêtes, pour offrir tout un jeu de vibration et matière.

C’est à essayer impérativement, quel que soit le sujet.

Matériel :

Huile et acrylique : supports entoilés ou papier ?

lundi 21 janvier 2013

Parmi les produits existants que je ne recommande pas, je citerai Les blocs papier pour peinture huile et acrylique. Pour les avoir testé, je peux affirmer que ce ne sont pas des supports idéaux pour de bons résultats.

En effet, ces papiers, puisqu’il s’agit en fait de papiers apprêtés, n’offrent pas une surface aussi intéressante et efficace que de la toile. Que l’on utilise de l’acrylique ou de l’huile, ces papiers ont déjà la fâcheuse manie de gondoler. Ensuite et c’est l’autre défaut majeur, ils sont très absorbants. Il est donc dur et laborieux de peindre sur ceux-ci puisque la peinture pénètre le support et rend le travail de fondu, dégradé, difficile.

On l’aura compris, ces blocs ne sont pas destinés à réaliser des œuvres de belles factures et abouties, mais plutôt des esquisses rapides, des essais ou des tests couleurs.

Et comble de l’ironie, ils présentent souvent une structure ressemblant au tissage d’une toile.

Cela n’a aucun intérêt ! La matière est déterminante dans le travail qu’exige la peinture … Alors préférez toujours les supports toilés à ces papiers dans vos travaux finalisés.

Je vous renvoie à cet article : Bien choisir sa toile

Et au matériel :