Je voudrais vous faire profiter d’une de mes découvertes récentes.
Elle s’appelle Beatriz Milhazes et la Fondation Cartier à Paris expose ses œuvres du 4 avril au 21 Juin 2009.
Cette artiste née à Rio de Janeiro en 1960 transpose sur ses toiles toutes les couleurs éclatantes de son pays.
Cela ne ressemble à rien de tout ce que vous avez pu voir jusqu’à présent.
Ce ne sont que motifs floraux, arabesques, coeurs, étoiles de toutes les couleurs.
C’est follement gai, beau, optimiste, énergisant. On ressort de l’expo la tête dans les nuages…
Le moins que l’on puisse dire, c’est que ce n’est pas de l’art conceptuel !
Beatriz Milhazes ne véhicule ou ne revendique aucun concept dans son foisonnement graphique coloré.
J’ai bien aimé aussi toutes ses recherches d’effets de matière.
En particulier les motifs en plastique adhésif posés sur les grandes baies vitrés de la Fondation qui créent un effet proche du vitrail avec de magnifiques jeux de lumière.
A noter qu’à presque 50 ans, ses œuvres figurent dans les plus grands musées du monde et dans de nombreuses collections.
Mon conseil :
Comme ses harmonies de couleurs sont absolument remarquables, je vous conseille de reproduire certaines de ses œuvres et de vous prêter au jeu du mariage de tons éclatants.
Vous verrez comment certains orange s’harmonisent avec certains bleu.
Choisissez des supports tout simples comme les cartons entoilés Clairefontaine.
Utilisez les pinceaux acrylique Raphaël qui associent soies naturelles et fibres synthétiques pour votre plus grand confort.
Ces pinceaux offrent une bonne capacité réservoir et glissent bien sur la toile.
Profitez de cette exclusivité Label Art pour découvrir l’univers Clairefontaine.
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Nous espérons que vous passerez un excellent moment de détente, avec Label Art !
Voir la liste des cinémas participants à l’offre : Label Art > Réseau Cinémas
Pour comprendre et maitriser la technique du trompe l’oeil, Label Art vous propose cette vidéo, qui vous permettra de réaliser une toile de A à Z.
Ce cours synthétique vous explique pas à pas la démarche à suivre.
Le matériel nécessaire est disponible sur le site de Label Art et nos conseillers beaux-arts sont à votre disposition pour vous renseigner et orienter vos choix !
Cours de Roland Charbonnier, un artiste formidable qui réussit le pari de vous faire réaliser ce trompe l’œil grâce à cette video didactique et agréable.
Mon ajout à ce post du 7 mai 2009 :
Au sujet de cette vidéo, je vois qu’un artiste qui se dit modestement « amateur » a déjà appliqué ce cours à sa technique de prédilection : le pastel
Là, je suis bluffée totalement …
Déjà avoir assimilé la technique en si peu de temps et l’avoir transposée pour la technique du pastel sans dénaturer le sujet : moi je dis tout simplement CHAPEAU L’ARTISTE
Voici son interprétation :
Trompe l’oeil au pastel
Je remercie aussi Daniel de m’avoir adressé la photo de l’oeuvre qu’il a peinte juste après avoir visionné ce cours. Ce tableau est sa seconde réalisation ! Incroyable non?
Vous avez été nombreux à nous les réclamer : Label Art a le plaisir de vous informer que sa collection de stickers est enfin en ligne !
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Dessiner consiste essentiellement à délimiter par des traits les contours de l’objet à représenter. Ceci implique une démarche d’interprétation et de synthèse : passer d’un objet à trois dimensions à un dessin à deux dimensions nécessite un choix de représentation exprimé par une perspective, qui peut être empirique et spontanée, ou être totalement omise, ou obéir à différentes notions d’ordre culturel : perspective cavalière, perspective « italienne » conforme à une vision occidentale basée sur l’optique pure.
Le dessin peut respecter les contours de manière précise et fidèle (considérant qu’il est vu par un système optique tel que la chambre claire ou l’appareil photographique), ou le trait peut subir des déformations et des distorsions qui vont accentuer certains caractères du modèle, possiblement jusqu’à la caricature, ou exprimer simplement les goûts et la sensibilité du dessinateur.
La représentation du volume (la troisième dimension) se fait généralement par les modulations de la lumière et donc les ombres locales du modèle et les ombres portées sur le fond et l’entourage. Ici encore toutes sortes de techniques sont possibles : traits successifs formant hachures, parallèles ou croisées, remplissage avec variation de la pression selon l’intensité souhaitée, estompage en frottant à la main ou avec un outil, gommage pour éclaircir, certaines techniques étant adoptées par certains et réprouvées par d’autres… Les principales méthodes utilisées sont : le tracé de lignes, le hachurage (parallèle, croisé, courbe ou aléatoire), le griffonnage, le pointillé, le dégradé.
Différences entre le dessin et la peinture
Le dessin peut être réalisé au pinceau, donc avec des tracés parfois très amples allant jusqu’à de larges aplats. Il n’y a pas de séparation nette entre le dessin et la peinture, si ce n’est que le tracé apparent reste la base du dessin.
La principale différence entre le dessin et la peinture est que lorsqu’il dessine, l’artiste utilise des couleurs pures, et ne peut les mélanger avant de les appliquer (tandis qu’en peinture, de nouvelles couleurs sont obtenues par mélange des couleurs de base). En terme d’application sur le support, le dessin entraîne une sorte de gravure alors que la peinture travaille par aplats. Le dessinateur multiplie donc les traces afin d’obtenir ses aplats.
Les couleurs obtenues sur le support peuvent se mélanger suite à une interaction chimique. Toutefois, ce mélange n’est le plus souvent qu’un effet optique obtenu par la superposition des couleurs sur le support (lorsque la lumière traverse les couches successives de couleur), ou par la juxtaposition de petits points de couleurs différentes (qui fait que l’œil humain, incapable de discerner un tel niveau de détail, perçoit un mélange des différentes couleurs).
Les artistes utilisant des techniques telles que les pastels ou les crayons de couleur nomment leurs compositions des peintures.
Pour mieux appréhender cette technique, je vous propose une séquence vidéo sur le thème d’un dessin particulier : le manga
En 1901, Degas s’adresse à Sennelier pour développer une palette de tons, il cherche à pallier un manque de nuances dans sa gamme. En effet, lui et d’autres peintres impressionnistes recherchent une palette de tons plus vastes. Ainsi débute la mise au point des pastels à l’écu. Gustave Sennelier découvre la qualité de charge naturelle lui permettant de dégrader les tons tout en conférant une luminosité exceptionnelle et une onctuosité particulière. Il mettra ainsi au point une gamme chromatique aux nuances incomparables, utilisées par les grands maîtres du XXème siècle à aujourd’hui.
J’aimerais aujourd’hui vous donner des conseils sur leur utilisation :
Comment peut-on faire ressortir le grain du papier avec des Pastels à l’Ecu ? Et comment faire si à l’inverse je ne veux pas que le grain du papier apparaisse ?
La technique très simple des aplats permettent de mettre en évidence le grain du papier, tout en gardant la spontanéité du geste. On peut faire des aplats forts, moyens, légers afin de faire ressortir plus ou moins le grain. Au contraire, si vous désirez obtenir un fondu, il faut estomper au doigt, à l’estompe ou au pinceau, et ainsi obtenir des dégradés réguliers entre les différentes nuances d’une couleur. En permettant un léger mélange des couleurs, il assure une meilleure transition entre celles-ci, et ainsi le grain n’apparaît pas.
Sur quel support utiliser mes pastels secs ?
Le mieux est d’utiliser vos pastels sur des Pastel cards ou PastelMat, prévus tout spécialement à cet effet, mais vous pouvez aussi utiliser les albums Clairefontaine pastel, Ingres teinté ou le Kraft …
Tout dépend en fait si vous souhaitez que le grain soit visible ou non.
Nous vous déconseillons d’utiliser du papier ponce qui est trop agressif avec les pastels secs et use très rapidement
vos bâtons.
Si vous souhaitez des rendus plus fondus, plus doux, travaillez avec du papier « velours » ou des Bords « Forme ».
Quelles sont les différentes techniques pour utiliser vos pastels ?
L’estompe permet de fondre les couleurs, ce qui est bien utile lorsque l’on sait que les pastels ne se mélangent pas sur une palette mais se travaillent à l’estompe. Il faut superposer les couleurs et ne pas essayer de les mélanger.
A chaque nouvelle couche, pensez à utiliser un fixatif (actuellement en promotion sur le site), sinon la couleur pourrait s’estomper au contact d’un autre pastel.
Comment donner des effets aux pastels ?
Vous pouvez procéder à un lavis sec, qui consiste à étaler de la poudre de pastel directement sur le papier, permettant ainsi des variations subtiles de couleurs dans les fondus surtout lorsqu’il est pratiqué avec les doigts.
Afin de matérialiser les impacts de la lumière vous pouvez appliquer des rehauts de couleur, qui sont les dernières touches posées.
La technique du pointillage donne aussi des résultats inattendus, par la juxtaposition de touches de couleurs vous obtenez un effet moucheté.
La technique du glacis peut aussi améliorer une œuvre : il suffit de poser une fine couche de pastel sur une couleur déjà fixée. Cela suggère une certaine transparence, grâce à des aplats très légers avec un pastel bien propre.
Doit-on fixer une œuvre réalisée au pastel ?
Deux Ecoles s’affrontent pour la conservation du travail : l’une propose d’utiliser un fixatif, lors du travail, entre les couches. D’autres considèrent que fixer le Pastel dénature la vibration originelle des tons.
Pour sa part, Sennelier propose d’utiliser le fixatif Latour, qui ne modifie pas la tonalité des pigments. Sinon, conservez les sous-verre, ainsi ils ne seront en contact avec aucun élément risquant de faire tomber la poudre.
Quelles sont les différentes manières de manier les pastels ?
Outre sa gamme de couleurs étendue, le pastel se travaille de diverses manières pour un résultat toujours différent. Vous pouvez le travailler par frottement, en trait, en aplat, sur tranche, en touches, par écrasement, par estompage, au doigt, avec une estompe ou un chiffon…
Voici une video qui a été réalisée par une artiste professionnelle utilisant cette gamme. Vous voyez, les effets créés sont très subtiles et la finesse du travail extraordinaire. Elle vous montre une technique parfaitement maîtrisée, en pas à pas pour un résultat très réussi. Vous pouvez vous rendre sur le site de cette artiste Sandy Byers et apprécier la finesse de son travail très professionnel.
Je lirai avec plaisir vos commentaires sur ce post, et répondrai à toutes vos questions sur cette gamme extraordinaire. Dans l’attente de lire vos commentaires, à bientôt et bon week end !
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