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Nelly Lestrade et ses tutos de peinture colorés

mardi 9 octobre 2018

Bonjour à tous !

Aujourd’hui je vous propose un article qui ne parlera pas de produit ou de marque, je ne donnerai pas non plus de conseil ou astuce… Car non, je vais vous présenter une Artiste ! L’Artiste Nelly Lestrade.

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Cette Artiste peintre manie le pinceau et le couteau avec amour et depuis maintenant 20 années. Pour débuter, Nelly a reçu les conseils et le savoir d’un Artiste Peintre puis a travaillé seule durant quelques années.

Il y a 10 ans, Nelly a ouvert un atelier pour donner des cours, à son tour. À ce jour, elle anime 4 ateliers et conseille 40 personnes.

Pour ce qui est des ateliers à l’Agora Peyramont du moins, car sur internet … Nelly est suivie par 18 000 personnes sur Youtube !

De g. à dr. : Kim, Rebecca, Nathalie, Laureen

De g. à dr. : Kim, Rebecca, Nathalie, Laureen

Grâce à ses cours de peinture vidéo, Nelly délivre de nombreux conseils afin de débuter dans la peinture acrylique et huile. Trucs, astuces, explications, démonstrations… Nelly dit tout !

Son domaine de prédilection ? La peinture à l’huile et notamment la peinture au couteau.

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Test de médium, de peinture acrylique ou à l’huile, Nelly profite de ses années d’expérience pour faire part de son ressenti, de ses impressions, et chez Label Art on adore ça ! Les essais de ses tutos de peinture s’accompagnent de réalisations de jolis sujets, à l’image de la peinture acrylique Sennelier Abstract lors du tuto de Nelly « Les coquelicots modernes » mais également de la « City » colorée à l’occasion du cours de peinture acrylique Mat PUB de Pébéo. Bien sûr, il ne faut pas oublier le tuto de la peinture au couteau et la réalisation du « Bord de Mer » !

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Au début de cet article, je vous disais que je ne vous donnerai pas de conseil… en fait, si ! Un ! Abonnez-vous à son actualité !

À très bientôt !

Camille

 

Pour suivre Nelly Lestrade :

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Cours de peinture : comment travailler le relief

lundi 24 février 2014

Roland Charbonnier nous explique aujourd’hui comment à l’aide, juste de couleurs et valeurs à mettre en relief une boîte. Ces notions et théories sont aussi valables et utiles pour représenter des architectures et autres sujets de forme cubique.

 

Je commence par mon dessin, en prenant soin de bien représenter les trois faces visibles de ma boîte en perspective. Ma boîte sera jaune. Ma lumière vient de gauche. Je peins la face exposée à la lumière d’un jaune lumineux.

 

 

 

 

 

 

Ensuite je peins la face non exposée à la lumière en fonçant mon jaune de base. Ici j’ai ajouté à ma couleur de l’ocre jaune et de la terre de sienne brûlée. Pour la surface plane restante, le haut de la boîte, je la représente en plus claire, donc en ajoutant du blanc à mon jaune de base. Je me retrouve avec 3 valeurs distinctes pour mes 3 faces.

 

 

 

 

 

 

 

Je peins le fond avec une nuance bleutée pour bien mettre en valeur ma boîte par contraste. Ma lumière vient de gauche, donc l’ombre portée de la boîte fuse à droite de l’objet vers l’arrière. Pour la couleur j’ajoute juste une pointe de noir.

C’est une boîte, avec un couvercle, il manque alors le petit filet d’ombre de celui-ci, que je réalise avec ma valeur foncée en ajoutant une pointe d’ombre brulée.

Je renforce mes contrastes entre les faces en plaçant quelques rehauts de jaune clair et jaune foncé comme sur la photo, de part et d’autre de l’angle, pour bien le marquer, mais sans faire de trait.

 

 

 

 

 

 

 

Et pour finir, j’écris quelques mots sur ma boîte en bleu. Avec un bleu clair sur la face claire, et un bleu plus fort sur la face foncée.

 Le matériel nécessaire pour réaliser ce cours du mois :

 

 

 

Bien choisir ses rouges en peinture d’Art

vendredi 22 novembre 2013

Bien choir ses couleurs pour opérer de beaux mélanges ne relève pas de l’approximatif. Obtenir des couleurs réussies par mélange demande une certaine expérience et de bonne notion. Parmi tant d’autres, il y celle de déjà à la base, sélectionner les couleurs adéquates. Pour exemple on sait que l’on obtient du orange par mélange de jaune et de rouge. C’est une évidence !!  Mais bien choisir son jaune et surtout son rouge l’est moins. Il existe plus d’une dizaine de rouge, bien différents les uns des autres. Les différences peuvent parfois sembler subtiles mais elles jouent un rôle important dans la définition futur du mélange. Il faut savoir qu’il existe 3 classes de rouge : ceux à tendance orangée, les neutres et ceux à tendance violacée. La laque carminée pour exemple, associée à du jaune donnera un orange terne et foncé, alors que le vermillon produira un orange flamboyant et lumineux. A l’inverse ce même vermillon avec une pointe de bleu produira une valeur violacée sale. Il est donc important de bien choisir le rouge qui convient pour ses mélanges. De même qu’il faudra bien choisir ses rouges en fonction de ses sujets. Pour peindre un coquelicot, une tomate, nous éviterons les rouges à tendance violacée, qui seront plus adéquates pour peindre des raisins rouges, des orchidées, et autres fleurs violacées.

Le mieux et le plus simple est alors d’utiliser que les rouges neutres, si l’on ne veut pas s’embarrasser de trop de couleur.

Sur cette photo nous avons de gauche à droite :

1-Vermillon, rouge de cadmium clair, rouge de cadmium moyen (rouge à tendance orangée).

2-Rouge primaire, rouge azoïque (rouges neutres)

3-Puis la laque carminée (et tous les carmins) et la laque de garance (rouge à tendances violacée).

 

Pour aller plus loin dans votre choix de peinture pour les beaux-arts :

 

 

 

Peindre les reflets sur l’eau en utilisant les axes de symétrie

vendredi 6 septembre 2013

Quand j’ai demandé à Roland de nous préparer un petit cours sur les reflets, à la demande de vous, chers internautes, il s’est empressé d’aller chercher une toile pour nous en expliquer la recette. Ensuite, j’ai, à partir de  photos prises de son petit tableau, et à l’appui de ses directives, tracé avec un logiciel des lignes très précises qu’il appelle axes de symétrie ! Mais ce n’est pas tout ! Voyons cela !

 

« Les reflets dans l’eau de tout objet est tout simplement l’image inversée de celui-ci par rapport à un axe de symétrie. L’eau agit comme un miroir. Cela dit, il faut savoir placer au bon endroit cet axe, et ainsi voir ce qui apparaît au niveau de l’eau. L’axe de symétrie se situe à la base du sujet. Il y en a donc de multiple sur un même paysage. Sur ce sujet, nous avons 3 axes (lignes rouge, bleu et verte) :

Pour l’arrière plan avec la casbah, on remarque que par symétrie tout n’apparaîtra pas dans l’eau. Nous aurons de reflété qu’une partie de la montagne.

Nous avons ensuite un petit axe juste pour les palmiers, et un autre pour les buissons au premier plan.»

 

 

 

 

 

 

 

 

«Vient le moment de la mise en couleur. Je peins le paysage hors eau. Après avoir reproduit la forme inversée du sujet dans l’eau, je peins avec les mêmes couleurs que celles du sujet, mais en les fonçant. Les reflets sont toujours plus forts en valeurs. »

 

 

 

 

 

 

 

 

« je lisse ensuite la touche à l’horizontale, en fondant les valeurs entre elles. Avec une brosse plus fine, il ne reste qu’à parsemer l’eau de petites touches horizontales, de valeurs claires, pour simuler des petits clapots, et de quelques refends très clairs, voir même presque blancs.

Ce qui est joli aussi est d’étendre vers le bas le reflet, lui donner plus de longueur (pas d’épaisseur). »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Et oui ça marche !!! Hourra ! Merci Roland. :-)

Matériel beaux-arts utilisés pour ce cours :
> Toiles Label Art en lin moyen
> Pinceaux acryliques Raphaël et Isabey
> Peinture acrylique Winton de Winsor & Newton
> Médiums pour acrylique

Ombres et lumières en aquarelle : cours de peinture

mardi 2 juillet 2013

 

Ce mois-ci, voici une démo à l’aquarelle que je souhaite partager avec vous.

« L’intérêt de ma démo est de vous montrer qu’il est parfois nécessaire d’interpréter un sujet en modifiant à souhait les éléments qui le composent. L’interprétation et l’extrapolation font partie des réflexes à adopter pour embellir son sujet. Cela veut dire que nous sommes toujours libre de varier les couleurs, les formes, la mise en place des éléments du modèle, quel qu’il soit.

De plus les ombres et lumières présentes et visibles du modèle ne sont pas forcément, voir jamais celles que l’on va peindre. »

1-« voici mon modèle. Très moche !! Les défauts apparents : pas d’ombres propres, lumière trop latérale et trop forte sur le potiron, pauvre en couleur avec cette bouteille blanche sans intérêt !! »

 

2-« je dessine ce sujet en plaçant mon potiron plus en avant par rapport à ma bouteille, pour éviter de les avoir côte à côte. »

 

 

 

3-«  Ensuite je place des jus de couleur sur mes éléments. Puisque je suis à l’aquarelle, avec un petit bout de papier, j’essuie pour libérer le blanc du papier, et placer ainsi dans la foulée ma lumière, qui vient de droite. Ma bouteille est devenue bleue, et mon pâtisson a pris aussi de la couleur. C’est plus joli ainsi. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4-« Ensuite, avec des lavis plus forts en couleur et plus concentrés, je travaille le modelé, inexistant sur ma photo. Je commence par la bouteille. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

5-« Je poursuis avec le potiron. Vous remarquerez que  je place aussi une ombre sur la bouteille, produite par le potiron, ainsi qu’une subtile nuance orangée dans cette ombre pour simuler un léger reflet.»

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

6-« Puis idem sur le pâtisson. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

7-« Et pour finir, dans une valeur froide proche de celle de la bouteille, je place l’ombre portée des éléments sur le sol.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Voilà comment,  à partir d’une banale photo, en extrapolant les couleurs, jusqu’à inventer, et en redéfinissant le modelé, j’arrive à produire une jolie aquarelle. »

C’est vrai que nous avons souvent pour défaut de trop vouloir reproduire ce que nous avons sous les yeux. Alors que nous avons tous les outils, donc la possibilité et la fantaisie de pouvoir embellir la réalité.

 

Matériel utilisé :

Support pour l’aquarelle Clairefontaine : Bloc Fontaine grain fin 300 grammes

Pinceaux série 7 Winsor & Newton

Pinceaux raphaël et petit gris

Aquarelle Winsor & Newton en demi godet

Cours du mois : dessiner d’après une vieille photo

vendredi 24 mai 2013

Bon voilà que le printemps est synonyme de nettoyage. J’ai donc patiemment rangé mes armoires et au fond d’un carton, je suis tombée sur cette vieille photo de poule et cela m’a donné envie de la dessiner. Je me rappelle de cette poule, je lui donnais des grains quand j’étais gamine, et chaque matin (l’été de mes 7 ans), on allait ramasser les oeufs qu’elle avait pondus à la ferme où nous séjournions. Je peux vous garantir que mon après-midi rangement s’est transformée en séance souvenirs, sourire au coin et carnet de dessin à la main, je vous livre mes esquisses pas-à-pas. C’est chouette de partager ça avec vous !

Donc voici ma cocotte à moi, elle est trop « cute » comme on dit en quebecois vous ne trouvez pas ?

 

 

 

 

 

 

 

 

Travailler d’après une photo noir et blanc facilite le travail du dessin, pourvu que la lumière soit juste. Ici, tout est ok, je peux donc représenter la silhouette de cette poule puis les ombres conformément à ce que je vois. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« je trace donc la silhouette de ma poule au crayon HB, sur mon papier. C’est ma première étape. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« Ensuite je réalise un premier travail de modelé sans me soucier du plumage, en me concentrant juste sur le volume global de la poule. Je place les ombres en un dégradé de gris. J’appuie plus fortement et avec un crayonnage plus dense pour foncer mes valeurs de gris. »

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« Je détaille les petites masses et les petits volumes correspondant aux petites « touffes » de plumes, en réalisant des petits dégradés de gris plus forts dans mes gris. Je réalise tous les détails sur le bec, les yeux, les pattes etc.»

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

« Mon dessin est terminé. Avec une bombe de vernis incolore pour tableaux, je fixe mon dessin. Ici j’ai utilisé une bombe de vernis à retoucher Lefranc & Bourgeois. J’attends quelques heures de séchage.  Après, à l’aide d’un médium à peindre à l’huile, ici le medium incolore de la même marque, je réalise un glacis de terre d’ombre brûlée sur mon dessin pour apporter une petite touche de couleur. Dans les parties ombrées, je charge un peu plus en couleur. »

Ma cocotte est dessinée ! Bon j’avoue que mon repas du soir me tente moyen. Devinez ce qui cuit dans mon four à ce moment précis !!!!!

A table ! 😉

 Matériel utilisé :

 

Le cours du mois : maîtriser le clair-obscur

lundi 22 octobre 2012

S’il y a bien une technique de peinture qui me fascine, c’est le clair obscur. Cette manière de mettre en valeur des éléments, sur un fond sombre a quelque chose de magique. Elle donne aux œuvres un caractère intimiste, mystique et précieux. J’adore. Une petite démo expliquant cette technique serait super intéressante. J’ai soumis cette idée à Roland Charbonnier, et aussitôt dit aussitôt fait.

Voila ce qu’il nous a servit :

« Comme il se doit, je commence par un petit dessin représentant un gros poivron vert »

 

« Je place mes couleurs de fond en commençant par le poivron : Un joli vert composé de vert de vessie, de terre verte, d’ocre jaune, une pointe de blanc, et par endroit une pointe d’ocre rouge »

 

« Je poursuit par le fond, très sombre, avec un mélange d’ocre rouge et de terre de Cassel. Déjà je place l’ombre portée (terre de Cassel pure) de mon poivron en donnant une direction à ma lumière. On observe que le premier plan du fond est plus clair (moins de brun) »

 

«  Ensuite je réalise le modelé de mon légume avec des nuances vert foncé (vert de vessie, terre verte, noir) pour les ombres, et vert clair pour les lumières (vert de vessie, jaune). Je sculpte ainsi les reliefs de mon poivron avec ces nuances. »

 

« je peins la queue de mon légume avec des valeurs ocre, puis j’ajuste l’intensité de mes ombres propres pour avoir une valeur proche de celle du fond. Les ombres propres du poivron doivent de fondre et même se confondre avec le fond. Ainsi nous devons avoir l’impression que le fond enrobe bien le poivron »

 

« Je force sur la lumière avec du blanc sur les quartiers de face du légume. Deux petites gouttes d’eau en trompe l’œil pour animer le tout, et voila. On remarque que les contours de mon poivron sont à peine perceptible car fondus »

« On voit au travers de cette étude que le contraste doit être fort entre le fond, très sombre, et le premier plan qui reçoit une forte lumière. Cette lumière disparaît peu à peu pour être envahit par l’obscurité. C’est ce que l’on appelle le clair obscur

Impressionnant, efficace, comme d’habitude !

Merci Roland.

Liste du matériel utilisé :

> 1 Toile Label Art Lin Moyen

> Des pinceaux Raphaël et Isabey

> Couleurs : Rembrandt Huile 40 ml, Lefranc & Bourgeois extra-fine 40 ml

> Fusains et crayons Faber-Castell

 

 

Le cours du mois : peindre un objet tout blanc

jeudi 13 septembre 2012

Roland s’il te plait peux tu nous expliquer comment peindre un objet tout blanc. Il ne suffit pas de laisser sa toile sans une goutte de couleur pour ce faire ! Ça ne marche pas comme ça ! Alors pour peindre une tasse de porcelaine, une feuille de papier, les nuages, un drap, un ours polaire, la banquise, ma robe d’été, voici une sympathique démonstration à l’acrylique, qui révèle les clés de cette énigme.

C’est à toi Roland !

1-   « Comme d’habitude je commence par un petit dessin léger au fusain : une tasse et une théière. Tout paraîtra blanc et même le fond, mais sans être véritablement blanc »

2-   «  Je pose ensuite une très très légère couleur sur chaque éléments. Du crème pour les porcelaines avec du blanc de titane et de la terre d’ombre naturelle et de l’ocre jaune. Du blanc avec du noir et du bleu outremer pour le fond. On a ainsi un gris chaud pour le sujet, et un gris froid pour le fond »

 

3-   «  Je compose mon modelé en accentuant ces nuances.»

4-   « Je place mes ombres portées et je renforce encore certaines valeurs de gris et affine le travail

5-   « A l’inverse maintenant je renforce mes lumières avec un blanc très peu coloré. Cet apport donne plus l’apparence blanche à mes objets.

 

6-   «  Dernière étape. Je pose avec du blanc pur de beaux éclats de brillance. A l’image de ce petit exercice, ce qu’il faut retenir : seules les lumières sont blanches. Tout le reste est un jeu de gris très léger et coloré différemment pour animer la composition »

 

 

Encore merci Roland pour ces précieux conseils.

Et dire qu’il a fait ça sous mes yeux en même pas 40mn, le bougre ! Il m’énerve parfois !

 

Liste du matériel utilisé :

1 toile coton qualité pro Label Art

Pinceaux pour l’acrylique Raphaël et Isabey

Couleurs pour l’acrylique : Liquitex 59 ml, Basics 118 ml

Fusains et crayons Faber-Castell

Les cours de peinture sur Youtube : vous en pensez quoi ?

mercredi 29 août 2012

Vous allez encore penser que je suis mauvaise langue. Je vais régulièrement sur Youtube pour visionner des cours et des démos de peinture. Je le fais aussi pour trouver de bonnes recettes de cuisine mais ce n’est pas le sujet.

Parmi tous les peintres que je rencontre, je suis toujours surprise de découvrir découvre de vrais talents, tel un peintre chinois qui réalise à l’huile le portrait d’un vieil homme d’après modèle, ou cet autre peintre américain qui réalise un portrait d’un étonnant réalisme au stylobille. Parfois je suis admirative, surprise, et bien souvent, malheureusement consternée. Ça n’est plus à démontrer, on trouve de tout sur le net, et  Youtube en est le parfait exemple. Il y a des personnes qui s’improvisent enseignants, et donnent des cours improbables de peinture.

Et vous ? Vous en pensez quoi ? Vous avez déjà posté de vidéo de démo peinture sur ce site ?

Voici nos démos en ligne :

Notre Chaîne Youtube Label Art

Vous y découvrirez nos nouveautés : cimaises, peintures acryliques, à l’huile, aquarelle etc …

Et aussi nos videos en ligne : Roland nous explique et nous montre pas à pas les techniques de l’huile, l’acrylique, le pastel et le dessin.

Avez-vous apprécié son dernier cours ?

 

Pourquoi peindre le même en de multiples déclinaisons ?

vendredi 17 août 2012

Vous connaissez certainement les tableaux de Monet représentant la cathédrale de Rouen ; ses meules de foin ; ou encore les multiples vues de ruines de Hubert Robert ; Les autoportraits de Van Gogh etc.

Un même sujet donne lieu à de multiples et différentes interprétations. Suivant la lumière du jour, son humeur, son expérience, peindre un motif plusieurs fois donnera toujours des résultats différents. C’est un bon exercice pour s’améliorer. En effet, plus on recommencera, et plus grande sera la maîtrise du sujet. On pourra ainsi pour optimiser le rendu, varier la touche, les couleurs, l’harmonie, l’équilibre de la composition, la précision, et bien d’autres aspects encore.

On préfère toujours changer de sujet pour démarrer une nouvelle peinture. Mais quand le résultat ne nous satisfait pas, il est intéressant et bénéfique de le recommencer en corrigeant ou juste modifiant quelques détails pour en faire un œuvre de belle facture.

C’est même parfois surprenant de constater la différence !

Vous en pensez quoi ? Si vous déclinez des thèmes, envoyez-les moi par courriel, je serais ravie de les présenter à nos bloggueurs

Elisa@label-art.fr