Le Blog d’Elisa

Vous connaissez tous la perspective et oh combien il est parfois difficile de la maitriser pour représenter ce bel effet de profondeur dans nos tableaux. Il existe une autre notion de perspective, appelée « atmosphérique », qui ne fait pas appel à la géométrie. Cette notion fut développée par notre maître à tous, Léonard de Vinci.

Pour la petite histoire, soucieux de produire une peinture qui interprète au mieux notre vision de la réalité, il a cherché et trouvé une astuce, pour simuler un effet d’éloignement. Jusqu’alors, la peinture était précision et netteté. Il a compris, à l’inverse de cette écriture, qu’en créant un effet de « flou », il produirait plus de réalisme et de sensation.

Ainsi pour le paysage, l’énoncé est simple :

1. Plus l’objet est éloigné, plus il est flou.
2. Plus il est éloigné, plus il est bleuté.

Imaginons un paysage avec de multiples plans. Au lointain, des montagnes, puis plus en avant, des petits monts verdoyants, puis des forêts, et enfin tout devant une petite maison (comme sur ce modèle). En appliquant le principe de perspective atmosphérique, nous allons peindre ce sujet ainsi.

Les montagnes au lointain seront toute bleutées avec des contours flous, fondus avec le ciel. Les montagnes les plus éloignées sont presque noyées dans le ciel.

Ensuite viennent les monts verdoyants. Ils seront eux aussi légèrement bleutés, et en flou, mais évidement moins que les montagnes. Le vert utilisé sera léger. Puis viennent les forêts, elles seront peintes dans des tons de verts plus intenses et sans effet flou et idem pour notre petite maison.

L’effet bleuté qui apparaît comme un voile occultant l’arrière plan, est la conséquence de la présence d’humidité dans l’air. Plus l’air est humide, moins il est transparent. C’est donc cet effet de « brume », appliquée à l’éloignement que l’on interprète en peinture.

Vous savez tout maintenant sur la perspective atmosphérique, ou aérienne (son autre nom). Comparez la peinture d’avant Léonard De Vinci, et d’après, et vous observerez nettement ce changement dans la manière de représenter le monde.

Léonard avait compris qu’en peinture, c’est l’illusion du réel qui rend la réalité.

Les règles de perspective

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Et il ne s’est pas arrêté là. Je vous parlerai d’une autre astuce de son cru bientôt…à suivre donc.

Une des règles principales en peinture, pour à la fois donner de la profondeur et travailler le modelé, est de jouer sur les valeurs. Lorsque je parle de valeur, c’est toutes les nuances perceptibles entre le clair et le foncé, quelque soit la couleur de base.

Une couleur peut donc s’exprimer en différentes valeurs. Par exemple, pour le bleu, nous avons toute une gamme allant du bleu très clair au bleu nuit. Ces nuances sont utiles pour représenter le modelé d’un objet, à savoir sa partie éclairée et sa zone d’ombre, en passant par sa couleur de base dite valeur moyenne.

Elles sont aussi utiles pour exprimer la perspective dans le cadre précisément d’un paysage. A savoir que les couleurs s’estompent vers l’horizon. Pour maitriser cette notion il est très intéressant de travailler en « grisaille ». Ainsi en utilisant qu’une seule couleur on apprend à jouer et se servir des valeurs.

Exactement comme on le fait en dessin avec juste une mine graphite. C’est premièrement un excellent exercice, et de plus cela produit de jolis tableaux. Pour ce faire on choisira de préférence comme couleur de base forte, de la terre d’ombre brulée ou naturelle, de la terre de sienne brulée, du gris de Payne, du brun, ou du noir (moins élégant tout de même). A cette couleur, on mélangera plus ou moins de blanc pour obtenir tout un jeu de nuances.

Utilisation des couleurs

Sur cette photo d’un tableau d’étude, réalisé avec du blanc et de la terre de sienne brûlée, la profondeur est subtilement représentée, avec des valeurs claires au lointain, et plus foncées au premier plan. Le modelé est aussi savamment exprimé avec ce jeu de valeurs. De plus le résultat est très élégant !

Au XVIIIème siècle ce genre de peinture était même très prisé.

L’utilisation de plusieurs couleurs nous piège parfois, car au lieu de multiplier les valeurs et donner ainsi du réalisme au sujet, on nuance et contraste juste avec des différences de couleurs.

F.M.P.

Non ce ne sont pas les initiales d’un parti politique, mais celle des formats classiques et standards des châssis de tableaux. A savoir :

F pour figure.

M pour marine.

P pour paysage.

Ainsi au dos de chaque toile vous trouverez ces lettres précédées d’un nombre indiquant la dimension.

Il est donc d’usage par exemple, pour peindre un paysage de prendre une toile au format adapté, du 8P, du 12P, du 15P etc.

Cela dit mon intention est de vous amener à sortir de ces clichés et stéréotypes. En effet bien que dans la peinture « académique » ces formats sont des impératifs, il est très intéressant de voir autrement. Et ce pour donner une autre dimension, au sens propre et figuré à nos toiles.

Un paysage traité sur un format marine donnera une vision panoramique qui augmentera la sensation d’espace. En prenant ce même format marine, mais cette fois à la verticale, avec une grande proportion pour le ciel, les éléments terrestres paraitront minimes. Une nature morte aussi sera d’un très bel effet sur des formats marine ou paysage. Il n’y a donc aucune restriction pourvu que l’équilibre soit respecté.

Le format a une grande importance puisqu’il insuffle une sensation à l’œuvre. Ce n’est donc pas un critère à négliger.

Voir le tableau des formats français : cliquer ici

GUIDE PRATIQUE

Estimer mes oeuvres

VOS QUESTIONS A ELISA…

« Je ne sais pas estimer mes œuvres. Pouvez-vous m’indiquer comment évaluer mon travail ? »

Vous voulez vendre un tableau et vous ne savez pas quel prix demander. Voici quelques pistes de réflexions qui pourront vous aider à résoudre ce genre de préoccupation qui a toujours été le lot des artistes, car beaucoup de peintres célèbres étaient … des amateurs au départ !

La preuve, cette histoire relatée par Bertrand Lorquin dans le livre consacrée à Séraphine de Senlis éditée chez Gallimard :

Le marchand d’art Wilhelm Uhde « achète un petit tableau pour la somme de dix francs. L’œuvre représente une jeune fille aux cheveux blonds. Elle est signée d’un P majuscule. Le soir même, Wilhem Uhde rencontre son auteur au fameux restaurant du Lapin agile. Le jeune Pablo Picasso est alors tellement heureux d’avoir trouvé un amateur qu’il en tire des coups de feu au plafond dans son atelier de l’impasse Ravignan. »

Dix francs pour un Picasso ! A l’époque, il était un parfait inconnu et il était surtout heureux d’avoir trouvé un admirateur de son œuvre. Peu lui importait le prix.

La valeur d’une œuvre d’art est avant tout dans le regard et dans le cœur de celui qui la regarde. Elle est liée à l’émotion engendrée chez l’acheteur. Votre tableau touchera toujours une certaine catégorie d’amateurs. A vous après de les trouver !

Concernant le prix de votre œuvre, vous ne devez pas être trop gourmand mais ne pas brader votre travail non plus sous peine de dévaloriser votre œuvre aux yeux des acheteurs. Fréquentez un maximum d’expositions, de salons, de galeries. Renseignez-vous sur les prix pratiqués. Vous aurez déjà une petite idée d’estimation de votre propre production.

Voici une technique qui pourrait néanmoins vous aider :

1/ – Estimez le prix de revient du matériel et des produits que vous utilisez.

Prix de la toile (ou du papier)

Prix du chassis

Prix des peintures (ou crayons, ou pastels)

Prix des additifs (gesso, gels textures, fixatifs, vernis)

Prix de l’encadrement

Exemple pour une toile au format 10 points : dimensions 55 cm x 46 cm

Vous arrivez à un prix de revient de 100 euros

2/ – Maintenant estimez votre taux de satisfaction.

Posez-vous les questions suivantes : suis-je …

Talentueux ?

Original ?

Novateur ?

Créatif ?

Audacieux ?

Et au total attribuez un prix à votre travail de création.

Exemple : (toujours pour un format 10 points) = 300 euros

3/ – Le prix de vente de votre œuvre pour un format 10 points sera donc :

Prix de revient = 100 euros

Prix de la création = 300 euros

Total = 400 euros

Divisez 400 euros par 10 points et vous aurez le prix de votre point.

Soit 40 euros le point.

Avec cette base, vous pourrez ensuite attribuer un prix de vente à toutes vos œuvres, sachant que toutes les toiles sont codifiées de 1 à 120 points représentant leur surface.

La lettre F pour figure

La lettre P pour paysage

La lettre M pour marine

Dans notre exemple à 40 euros le point, voici comment pratiquer :

Toile format 6 points = 40 euros x 6 points = 240 euros

Toile format 8 points = 40 euros x 8 points = 320 euros

Toile format 10 points = 40 euros x 10 points = 400 euros

Toile format 12 euros = 40 euros x 12 points = 480 euros

Etc…

Ceci est vraiment la base à connaître, car les professionnels de l’art ne parle de valeur qu’en « point ». C’est ce qu’on appelle la cotation de l’artiste.

Label Art a décidé d’élargir sa gamme de livre afin de vous offrir toujours plus de choix…

Un univers home déco pour toutes celles et ceux qui souhaitent aménager facilement leur intérieur…

Fleurus Fantasy Art

Cette collection s’adresse à tous les passionnés de dessin d’Heroic Fantasy.
C’est une méthode d’apprentissage claire et efficace pour représenter facilement des créatures fantastiques avec des outils simples : la gouache, les feutres ou les crayons de couleurs.

Pour tous les amateurs de Fantasy, voici une méthode d’apprentissage pour représenter facilement toute une galerie de modéles féeriques avec des outils simples. Etape par étape, à la gouache, au feutre ou à l’aquarelle, apprenez à reproduire treize créatures plus gracieuses les unes que les autres : fée musicienne, elfe des bois, fée des océans, fées ailées en tout genre… Ces modéles ravissants sortent tout droit d’une légende.

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Toutes les créations sont expliquées pas à pas et ilustrées par de magnifiques photos.

Vive la féerie de Noël !

La peinture animalière

A partir d’œuvres anciennes et contemporaines, des auteurs spécialisés et passionnés proposent une approche inédite et pratique des techniques artistiques. Un livre pour les peintres amateurs ou confirmés.

En ouvrant ce livre, vous pénétre dans un univers extraordinaire : celui de Christophe Drochon, un peintre d’exception qui, pour la première fois, a ouvert en grand les portes de son atelier.

L’artiste nous propose une plongée dans le monde animal qui ne témoigne pas d’une simple volonté naturaliste, mais d’une véritable réflexion sur la beauté et la précarité de notre environnement.

Des premiers croquis « sur le vif » au lent travail en atelier, il nous invite à participer, étape par étape, à la création d’un tableau au réalisme saisissant. Sa technique est époustouflante : qu’il travaille à la pierre noire, au pastel, à l’acrylique ou à la peinture à l’huile, il sait de manière unique capturer la magie du vol d’un oiseau ou l’intensité du regard d’un fauve. Les textes de Françoise Coffrant accompagnent magistralement ses oeuvres pour nous aider à mieux saisir leur portée, mais aussi à mieux comprendre la façon dont elles naissent.

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N’oubliez pas de consulter nos bons plans pour un Noël 100% créatif !!!